kunstværkerne i det gamle Egypten har fascineret mennesker i tusinder af år. De tidlige græske og senere romerske kunstnere blev påvirket af egyptiske teknikker, og deres kunst ville inspirere dem fra andre kulturer indtil i dag. Mange kunstnere er kendt fra senere perioder, men de i Egypten er helt anonyme og af en meget interessant grund: deres kunst var funktionel og skabt til et praktisk formål, mens senere kunst var beregnet til æstetisk fornøjelse. Funktionel kunst er lavet til leje, der tilhører den person, der bestilte den, mens kunst skabt til glæde – selvom den er bestilt – giver mulighed for større udtryk for kunstnerens vision og dermed anerkendelse af en individuel kunstner.

en græsk kunstner som Phidias (c. 490-430 fvt) forstod bestemt de praktiske formål med at skabe en statue af Athena eller seus, men hans primære mål ville have været at lave et visuelt tiltalende stykke, at lave ‘kunst’, som folk forstår det ord i dag, ikke at skabe et praktisk og funktionelt værk. Al egyptisk kunst tjente et praktisk formål: en statue indeholdt Guds eller afdødes ånd; et gravmaleri viste scener fra ens liv på jorden, så ens ånd kunne huske det, eller scener fra det paradis, man håbede at nå, så man kunne vide, hvordan man kommer dertil; charme og amuletter beskyttede en mod skade; figurer afværgede onde ånder og vrede spøgelser; håndspejle, piskehåndtag, kosmetiske skabe tjente alle praktiske formål, og keramik blev brugt til at drikke, spise og opbevare. Egyptolog Gay Robins noter:

så vidt vi ved, havde de gamle egyptere intet ord, der svarede nøjagtigt til vores abstrakte brug af ordet ‘kunst’. De havde ord for individuelle typer monumenter, som vi i dag betragter som eksempler på egyptisk kunst – ‘statue’, ‘stela’, ‘grav’ -men der er ingen grund til at tro, at disse ord nødvendigvis indeholdt en æstetisk dimension i deres betydning. (12)

selvom egyptisk kunst er højt anset i dag og fortsætter med at være en stor tegning for museer med udstillinger, ville de gamle egyptere selv aldrig have tænkt på deres arbejde på samme måde og ville helt sikkert finde det underligt at have disse forskellige typer værker vist ud af kontekst i et museumshal. Statuary blev oprettet og placeret af en bestemt grund, og det samme gælder for enhver anden form for kunst. Begrebet “kunst for kunstens skyld” var ukendt og ville desuden sandsynligvis have været uforståeligt for en gammel egypter, der forstod kunst som funktionel frem for alt andet.

egyptisk symmetri

dette er ikke at sige, at egypterne ikke havde nogen følelse af æstetisk skønhed. Selv egyptiske hieroglyffer blev skrevet med æstetik i tankerne. En hieroglyfisk sætning kunne skrives fra venstre mod højre eller højre mod venstre, op til ned eller ned til op, afhængigt helt af, hvordan ens valg påvirkede skønheden i det færdige værk. Kort sagt, ethvert arbejde skulle være smukt, men motivationen til at skabe var fokuseret på et praktisk mål: funktion. Alligevel beundres egyptisk kunst konsekvent for sin skønhed, og det er på grund af den værdi, som gamle egyptere lægger på symmetri.

den perfekte balance i egyptisk kunst afspejler den kulturelle værdi af ma ‘ at (harmoni), som var central for civilisationen. Ma ‘ at var ikke kun universel og social orden, men selve skabelsens struktur, der blev til, da Guderne skabte det ordnede univers ud af udifferentieret kaos. Begrebet enhed, enhed, var dette ‘kaos’, men guderne introducerede dualitet – nat og dag, kvindelig og mandlig, mørk og lys – og denne dualitet blev reguleret af ma ‘ at.

det er af denne grund, at egyptiske templer, paladser, hjem og haver, statuer og malerier, signetringe og amuletter alle blev skabt med balance i tankerne og alle afspejler værdien af symmetri. Egypterne troede, at deres land var lavet i billedet af gudernes verden, og når nogen døde, gik de til et paradis, de ville finde ganske velkendte. Da en egyptisk obelisk blev lavet, blev den altid skabt og rejst med en identisk tvilling, og disse to obelisker blev anset for at have guddommelige refleksioner, lavet på samme tid, i gudernes land. Tempelgårde blev målrettet anlagt for at afspejle skabelsen, ma ‘ at, heka (magi) og efterlivet med den samme perfekte symmetri, som Guderne havde indledt ved skabelsen. Kunsten afspejlede gudernes perfektion, mens den samtidig tjente et praktisk formål på daglig basis.

Historisk Progression

Egyptens kunst er historien om eliten, den herskende klasse. Gennem de fleste af Egyptens historiske perioder havde de mere beskedne midler ikke råd til kunstværkernes luksus til at fortælle deres historie, og det er stort set gennem egyptisk kunst, at civilisationens historie er blevet kendt. Gravene, gravmalerierne, inskriptionerne, templerne, selv det meste af litteraturen, beskæftiger sig med overklassens liv, og kun ved at fortælle disse historier afsløres de af de lavere klasser. Dette paradigme blev allerede sat forud for kulturens skriftlige historie. Kunst begynder i den Predynastiske periode i Egypten (c. 6000-c. 3150 fvt) gennem klippetegninger og keramik, men realiseres fuldt ud af den tidlige dynastiske periode (c. 3150 – c.2613 fvt) i den berømte Narmer-palet.

Narmer-paletten (c. 3150 fvt) er en tosidet ceremoniel plade af siltsten, der er indviklet udskåret med scener fra foreningen af øvre og Nedre Egypten af kong Narmer. Betydningen af symmetri er tydelig i sammensætningen, der indeholder hovederne på fire tyre (et symbol på magt) øverst på hver side og afbalanceret repræsentation af de figurer, der fortæller historien. Værket betragtes som et mesterværk i den tidlige dynastiske periode kunst og viser, hvor avancerede egyptiske kunstnere var på det tidspunkt.

det senere arbejde af arkitekten Imhotep (c. 2667-2600 fvt) på pyramiden af kong Djoser (c. 2670 fvt) afspejler, hvor langt kunstværker var kommet frem siden Narmer-paletten. Djosers pyramidekompleks er indviklet designet med lotusblomster, papyrusplanter og djed-symboler i høj og lav lettelse, og selve pyramiden er selvfølgelig bevis på den egyptiske færdighed i at arbejde i sten på monumentale kunstværker.

under det gamle kongerige Egypten (c. 2613-2181 fvt) blev kunst standardiseret af eliten, og figurer blev produceret ensartet for at afspejle hovedstadens smag i Memphis. Statuary of the late Early Dynastic and early Old Kingdom perioder er bemærkelsesværdigt ens, selvom andre kunstformer (maleri og skrivning) viser mere sofistikering i Det Gamle Rige. De største kunstværker i det gamle kongerige er pyramiderne og Den Store Sfinks af Disa, som stadig står i dag, men mere beskedne monumenter blev skabt med samme præcision og skønhed. Old Kingdom kunst og arkitektur blev faktisk højt værdsat af egypterne i senere epoker. Nogle herskere og adelige (som f.eks Khaemveset, fjerde søn af Ramses II) bestilte målrettet værker i Old Kingdom-stil, endda deres Graves evige hjem.

i den første mellemperiode i Egypten (2181 -2040 fvt), efter det gamle kongeriges sammenbrud, var kunstnere i stand til at udtrykke individuelle og regionale visioner mere frit. Manglen på en stærk centralregering idriftsættelse værker betød, at distriktet guvernører kunne rekvisition stykker afspejler deres hjem provins. Disse forskellige distrikter fandt også, at de havde mere disponibel indkomst, da de ikke sendte så meget til Memphis. Mere økonomisk magt lokalt inspirerede flere kunstnere til at producere værker i deres egen stil. Masseproduktionen begyndte også i den første mellemperiode, og dette førte til en ensartethed i en given regions kunstværker, der gjorde det på en gang særpræg, men af mindre kvalitet end det gamle kongeriges arbejde. Denne ændring kan bedst ses i produktionen af shabti dukker til gravgods, som tidligere blev lavet for hånd.

kunst ville blomstre under Mellemriget Egypten (2040-1782 fvt), som generelt betragtes som højdepunktet i egyptisk kultur. Kolossale statuer begyndte i denne periode såvel som det store tempel Karnak ved Theben. Idealismen i det gamle kongeriges skildringer i statuer og malerier blev erstattet af realistiske repræsentationer, og de lavere klasser findes også oftere repræsenteret i kunsten end tidligere. Mellemriget gav plads til den anden mellemperiode i Egypten (c. 1782 – c. 1570 fvt), hvor Hyksos holdt store områder af Delta-regionen, mens nuberne trængte ind fra syd. Kunst fra denne periode produceret på Theben bevarer egenskaberne ved Mellemriget, mens Nubierne og Hyksos – som begge beundrede og kopierede egyptisk kunst – adskiller sig i størrelse, kvalitet og teknik.

det nye kongerige (c. 1570 – c. 1069 fvt), som fulgte, er den mest kendte periode fra Egypts historie og producerede nogle af de fineste og mest berømte kunstværker. Busten af Nefertiti og Tutankhamuns gyldne dødsmaske kommer begge fra denne æra. Nyt kongerige kunst er defineret af høj kvalitet i vision og teknik skyldes i høj grad Egyptens interaktion med nabokulturer. Dette var æraen med Egyptens imperium, og Hetiternes metalbearbejdningsteknikker-som nu blev betragtet som allierede, hvis ikke lige – påvirkede i høj grad produktionen af begravelsesgenstande, våben og andet kunstværk.

efter det nye kongerige, den tredje mellemliggende periode (c. 1069-525 fvt) og den sene periode i det gamle Egypten (525-332 fvt) forsøgte med mere eller mindre succes at fortsætte den høje standard for Nyrigskunst, samtidig med at man fremkaldte gamle Kongerigestilarter i et forsøg på at genvinde Egyptens faldende statur. Persisk indflydelse i den sene periode erstattes af græsk smag under det ptolemæiske dynasti (323-30 fvt), som også forsøger at foreslå Det gamle kongeriges standarder med nyt Kongeriges teknik, og dette paradigme fortsætter ind i Det Romerske Egypten (30 fvt – 646 e.kr.) og afslutningen på den egyptiske kultur.

typer af kunst, Detalje, & Symbol

gennem alle disse epoker, de typer af kunst var så mange som menneskelige behov, ressourcer til at gøre dem, og evnen til at betale for dem. De rige i Egypten havde udsmykkede håndspejle, kosmetiske kasser og krukker, smykker, dekorerede skeder til knive og sværd, indviklede buer, sandaler, møbler, vogne, haver og grave. Hvert aspekt af nogen af disse kreationer havde symbolsk betydning. På samme måde symboliserede tyremotivet på Narmer-paletten kongens magt, så ethvert billede, design, udsmykning eller detalje betød noget, der vedrørte dens ejer.

blandt de mest oplagte eksempler på dette er Tutankhamuns gyldne trone (c. 1336-c.1327 fvt), der skildrer den unge konge med sin kone Ankhsenamun. Parret er repræsenteret i et stille hjemligt øjeblik, da dronningen gnider salve på sin mands arm, mens han sidder i en stol. Deres tætte forhold er etableret af farven på deres hud, hvilket er det samme. Mænd er normalt afbildet med rødlig hud, fordi de tilbragte mere tid udendørs, mens en lysere farve blev brugt til kvinders hud, da de var mere tilbøjelige til at holde sig ude af solen. Denne forskel i skyggen af hudfarver repræsenterede ikke lighed eller ulighed, men var simpelthen et forsøg på realisme.

i tilfælde af Tutankhamuns trone bruges teknikken imidlertid til at udtrykke et vigtigt aspekt af parrets forhold. Andre inskriptioner og illustrationer gør det klart, at de tilbragte det meste af deres tid sammen, og kunstneren udtrykker dette gennem deres fælles hudfarver; Ankhesenamun er lige så solbrændt som Tutankhamun. Den røde, der anvendes i denne sammensætning, repræsenterer også vitalitet og energien i deres forhold. Parrets hår er blåt, symboliserer frugtbarhed, liv og genfødsel, mens deres tøj er hvidt, hvilket repræsenterer renhed. Baggrunden er guld, gudernes farve, og alle de indviklede detaljer, inklusive kronerne, som figurerne bærer, og deres farver, har alle deres egen specifikke betydning og fortæller historien om det fremhævede par.

et sværd eller en kosmetisk sag blev designet og skabt med det samme mål i tankerne: historiefortælling. Selv haven i et hus fortalte en historie: i midten var en pool omgivet af træer, planter og blomster, som igen var omgivet af en mur, og man kom ind i haven fra huset gennem en portik af dekorerede søjler. Alle disse ville have været arrangeret omhyggeligt for at fortælle en historie, der var vigtig for ejeren. Selvom egyptiske haver er langt væk, modeller lavet af dem som gravgods er fundet, der viser den store omhu, der gik i at lægge dem ud i fortællingsform.

i tilfælde af den ædle Meket-Ra fra det 11.dynasti blev haven designet til at fortælle historien om livets rejse til paradis. Søjlerne i portikoen var formet som lotusblomster, symboliserer hans hjem i Øvre Egypten, poolen i midten repræsenterede Lily Lake, som sjælen skulle krydse for at nå Paradis, og den fjerne havemur blev dekoreret med scener fra efterlivet. Hver gang Meket-Ra sad i sin Have, blev han mindet om livets natur som en evig rejse, og dette ville sandsynligvis give ham perspektiv på de omstændigheder, der måtte være bekymrende i øjeblikket.

teknikker

malerierne på meket-Ra ‘ s vægge ville have været udført af kunstnere, der blandede farver lavet af naturligt forekommende mineraler. Sort blev lavet af kulstof, rød og gul fra jern ilt, blå og grøn fra blå og malakit, hvid fra gips og så videre. Mineralerne blandes med knust organisk materiale til forskellige konsistenser og blandes derefter yderligere med et ukendt stof (muligvis æggehvider) for at gøre det klæbrigt, så det klæber til en overflade. Egyptisk maling var så holdbar, at mange værker, selv dem, der ikke er beskyttet i grave, har været levende efter over 4.000 år.

selvom Hjem, Have og palads vægge var normalt dekoreret med flade todimensionale malerier, grav, tempel og monument vægge ansat relieffer. Der var høje relieffer (hvor figurerne skiller sig ud fra væggen) og lave relieffer (hvor billederne er hugget ind i væggen). For at skabe disse ville overfladen af væggen blive udglattet med gips, som derefter blev slibet. En kunstner ville skabe et værk i minature og derefter tegne gitterlinjer på det, og dette gitter ville derefter blive tegnet på væggen. Ved hjælp af det mindre arbejde som model ville kunstneren være i stand til at replikere billedet i de korrekte proportioner på væggen. Scenen blev først tegnet og derefter skitseret i rød maling. Korrektioner til værket vil blive bemærket, muligvis af en anden kunstner eller vejleder, i sort maling, og når disse først blev taget hånd om, blev scenen udskåret og malet.

maling blev også brugt på statuer, der var lavet af træ, sten eller metal. Stenværk udviklede sig først i den tidlige dynastiske periode i Egypten og blev mere og mere raffineret gennem århundrederne. En billedhugger ville arbejde fra en enkelt stenblok med en kobbermejsel, træhaller og finere værktøjer til detaljer. Statuen blev derefter glattet med en gnidningsklud. Stenen til en statue blev valgt, som med alt andet i egyptisk kunst, for at fortælle sin egen historie. En statue af Osiris ville for eksempel være lavet af sort skist for at symbolisere frugtbarhed og genfødsel, begge forbundet med denne særlige Gud.

metal statuer var normalt små og lavet af kobber, bronse, sølv og guld. Guld var især populært for amuletter og helligdomsfigurer af guderne, da man troede, at Guderne havde gylden hud. Disse tal blev lavet ved støbning eller metalplader over træ. Træstatuer blev udskåret fra forskellige stykker træer og derefter limet eller bundet sammen. Statuer af træ er sjældne, men et antal er bevaret og viser enorm dygtighed.

kosmetiske kister, kister, Modelbåde og legetøj blev lavet på samme måde. Smykker blev almindeligvis formet ved hjælp af teknikken kendt som cloisonne, hvor tynde strimler af metal er indlagt på overfladen af arbejdet og derefter fyret i en ovn for at smede dem sammen og skabe rum, der derefter er detaljerede med juveler eller malede scener. Blandt de bedste eksempler på cloisonne smykker er Mellemriget vedhæng givet af Senusret II (c. 1897-1878 fvt) til sin datter. Dette arbejde er formet af tynde guldtråde fastgjort til en solid guldunderlag indlagt med 372 halvædelsten. Cloisonne blev også brugt til fremstilling af pectorals til kongen, Kroner, hovedbeklædning, sværd, ceremonielle dolke og sarkofager blandt andre ting.

konklusion

selvom egyptisk kunst er berømt beundret, er den kommet under kritik for at være uraffineret. Kritikere hævder, at egypterne aldrig synes at have mestret perspektiv, da der ikke er noget samspil mellem lys og skygge i kompositionerne, de er altid todimensionale, og figurerne er følelsesløse. Statuary skildrer par, hævdes det, viser ingen følelser i ansigterne, og det samme gælder for kampscener eller statuer af en konge eller dronning.

denne kritik undlader at anerkende funktionaliteten af egyptisk kunst. Egypterne forstod, at følelsesmæssige tilstande er forbigående; man er ikke konsekvent glad, trist, vred, indhold gennem en given dag meget mindre evigt. Kunstværker præsenterer mennesker og guddomme formelt uden udtryk, fordi man troede, at personens ånd ville have brug for denne repræsentation for at leve videre i efterlivet. En persons navn og billede måtte overleve i en eller anden form på jorden for at sjælen kunne fortsætte sin rejse. Dette var grunden til mumificering og de udførlige Egyptiske begravelsesritualer: ånden havde brug for et slags fyrtårn at vende tilbage til, når man besøgte jorden for næring i graven.

ånden genkender måske ikke en statue af en vred eller jublende version af sig selv, men ville genkende deres staid, selvtilfredse, funktioner. Manglen på følelser har at gøre med det evige formål med arbejdet. Statuer blev lavet til at blive set forfra, normalt med ryggen mod en mur, så sjælen let kunne genkende deres tidligere selv, og dette var også tilfældet med guder og gudinder, der blev anset for at bo i deres statuer.

livet var kun en lille del af en evig rejse til de gamle egyptere, og deres kunst afspejler denne tro. En statue eller et kosmetikhus, et vægmaleri eller en amulet, uanset hvilken form kunstværket tog, blev det lavet til at vare langt ud over ejerens liv og, vigtigere, fortælle personens historie samt afspejle Egyptiske værdier og overbevisninger som helhed. Egyptisk kunst har tjent dette formål godt, da den fortsat har fortalt sin historie nu i tusinder af år.