Einer der auffälligsten Aspekte eines meisterhaften Gemäldes sind die vom Künstler verwendeten Farben.

Im Laufe der Geschichte gab es zahlreiche Malstile und verschiedene Kunstbewegungen, die sich auf Farben in unterschiedlichen Lichtern, Intensitäten und Kontrasten konzentrierten, aber die Fähigkeit, den Betrachter mit einer Reihe von Farben zu fesseln, ist eine Fähigkeit, die in den renommiertesten Kunstschulen der Welt einfach nicht gelehrt werden kann.

Bestimmte Künstler haben die Geschichte der Menschheit geprägt, indem sie sich den Ruf erworben haben, besonders farbenfroh zu sein, wenn es um die Herstellung von Gemälden geht.

Einige der berühmtesten Gemälde aller Zeiten wurden aufgrund der Verwendung von Perspektive, Realismus und vielen anderen Elementen durch den Künstler als so bezeichnet.

Farbe ist jedoch ein Merkmal eines wahren Meisterwerks, das seit den Anfängen des frühesten Kunstwerks, das jemals von der Menschheit geschaffen wurde, unverändert geblieben ist.

In diesem Artikel werden wir einige der berühmtesten farbenfrohen Gemälde diskutieren, die jemals geschaffen wurden, und einen tieferen Blick darauf werfen, warum diese Werke von Kunstliebhabern und Historikern gleichermaßen geschätzt werden.

Berühmte Bunte Gemälde

Gelb Rot Blau – Wassily Kandinsky

Wassily Kandinsky gilt als einer der produktivsten modernen Künstler der abstrakten Kunst. Seine Werke zeigen einige der höchsten kontrastierenden Farben, Formen und Perspektiven eines Künstlers aus dem frühen 20.

Es ist passend, dass das Werk, das normalerweise als eines der größten hellen Farbgemälde aller Zeiten gilt, den Titel Gelb-Rot-Blau trägt.

Dieses Gemälde wurde 1925 von Kandinsky geschaffen und zeigt eine faszinierende Kombination der bekannten Grundfarben zusammen mit einigen der grundlegendsten geometrischen Formen.

Die Verschmelzung dieser beiden Elemente erfolgt meisterhaft durch Kandinsky, der dicke und definierte schwarze Linien einschloss, die den Betrachter dazu zu bringen scheinen, sich gründlicher auf die spezifischen Farben und Formen zu konzentrieren, als dies ohne diese Linien der Fall wäre.

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Dieses Gemälde wurde auf einer massiven Leinwand gemalt und zeigt eine Vielzahl von Richtungsformen und Linien, die den Betrachter auffordern, jeden Teil der Arbeit auf eine völlig einzigartige Weise weiter zu untersuchen.

Trotz der Vielzahl von Formen, Linien und unterschiedlichen Farbtönen scheint Kandinsky eine seltsame Harmonie all dieser Elemente in einem einzigen Werk geschaffen zu haben.

White Cente(Gelb, Rosa und Lavendel auf Rose) – Mark Rothko

Mark Rothkos Arbeit mit dem Titel White Center gilt als eines der berühmtesten Gemälde, das sich hauptsächlich auf die Farben konzentriert, die der Künstler auf der gesamten Leinwand verwendet.

Dieses Gemälde wurde für das ungeübte und unkultivierte Auge als zu simpel angesehen, aber viele Kunstwissenschaftler und Historiker betrachten es als eines der größten Meisterwerke aller Zeiten, das sich stark auf die vom Maler verwendeten Farben konzentriert.

In dieser Arbeit kombiniert Rothko mehrere Blöcke, die eine Art Schichtbild zu bilden scheinen, das von einem schwachen rötlichen Farbton am Rand der Leinwand begrenzt wird.

Die Farben scheinen sich auf eine seltsame, aber harmonische Weise zu ergänzen, die beim ersten Betrachten des Gemäldes etwas unerwartet ist.

Eine tiefere Betrachtung der Farben dieses Gemäldes und wie sie miteinander verschmelzen, scheint eine größere Wertschätzung für ihre komplementäre Natur im Namen des Betrachters zu fördern.

Schloss und Sonne – Paul Klee

Eines der einzigartigsten Werke auf unserer Liste der farbenfrohen Gemälde wurde von Paul Klee geschaffen.

Dieses Meisterwerk der Farbe von 1928 trägt den Titel Castle and Sun und bietet eine breite Palette von Formen, die aus hellen, kräftigen Farben bestehen.

Das Gemälde ist eine unverwechselbare Herangehensweise an die moderne abstrakte Kunst, die in den Vereinigten Staaten und im Rest der Welt zu Beginn des 20.

Die strahlende Sonne beleuchtet das Schloss und den Himmel darüber so, dass eine tiefe und intensive Färbung entsteht, die das gesamte Werk zu dominieren scheint.

Klee war dafür bekannt, viele Werke geschaffen zu haben, die wirklich seinen eigenen speziellen Stil des Kubismus haben, der ganz anders ist als jeder andere Künstler vor oder nach ihm.

Das Gemälde enthält einige Elemente des Realismus und der Proportionalität, verwendet aber auch einfache, geradlinige geometrische Formen, um die strukturellen Aspekte des Schlosses selbst hervorzuheben und wie jeder Abschnitt die anderen Teile des Werks kontrastiert.

Rosenlöffler – John James Audubon

John James Audubon war ein meisterhafter Maler, der daran arbeitete, die vielen verschiedenen Arten von Wildtieren, die an und um verschiedene Orte der Welt leben, gründlich zu dokumentieren, vor allem Südflorida.

Diese Region ist bekannt für ihre tropische Natur und bietet eine Vielzahl von Vögeln, Fischen und anderen Tieren, die eine lebhafte Farbkombination aufweisen, die für diejenigen, die sie noch nie mit eigenen Augen gesehen haben, unglaublich sein könnte.

Audubons Gemälde mit dem Titel Roseate Spoonbill wurde 1836 fertiggestellt und entstand, um die Schönheit und Essenz eines der faszinierendsten Vögel der Region einzufangen.

Der Künstler erhielt ein Exemplar des Vogels und arbeitete daran, nachzubilden, wie er in seinem natürlichen Lebensraum aussieht, da viele Biologen und andere die Kreatur selten lebend gesehen hatten.

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Audubons Arbeit enthielt bekanntermaßen eine detaillierte Beschreibung des Vogels und so viele Details, wie er über das Tier mit dem Gemälde finden konnte.

Holzschoner am Abend auf Penobscot Bay – Fitz Henry Lane

Die natürliche Essenz der faszinierenden Natur eines malerischen Sonnenuntergangs einzufangen, wird oft als eine der schwierigsten Leistungen eines Malers angesehen.

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Lumber Schooners at Evening on Penobscot Bay ist jedoch ein Werk von Fitz Henry Lane aus dem Jahr 1863, das die natürliche Schönheit des Sonnenuntergangs, wo der Penobscot River auf den Atlantik trifft, herrlich nachzubilden scheint.

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Lanes Fähigkeit, die tiefe und beleuchtete violette Färbung des Sonnenuntergangs mit dem Rest der Arbeit zu vermischen, ist ein Wunder an und für sich.

Es gelang ihm, das letzte Stück Sonnenlicht einzufangen, als es in den Raum verblasste, in dem sich Horizont und Meer treffen.

Flint Castle – J.M.W Turner

JMW Turner ist berühmt für seine Werke, die sich um maritime Reisen und Küstengebiete in ganz Europa und weiten Teilen der Welt drehen.

Eines seiner Werke mit dem Titel Flint Castle entstand 1838 und enthält eine der auffälligsten Darstellungen der Sonne und ihres Kontrasts mit dem Wasser und anderen Elementen entlang der Küste.

Turner war bekannt für seine Fähigkeit, Werke zu schaffen, die es schafften, die Schönheit der Sonne und des Meeres in einzelnen Gemälden einzufangen, eine Leistung, um die sich einige der renommiertesten Künstler der Welt bemüht haben.

Dieses Aquarell gilt als eines der farbenfrohsten Gemälde, die jemals geschaffen wurden.

Grau Blau & Schwarz – Rosa Kreis – Georgia O’Keeffe

Nur wenige Künstler konnten die Schönheit des amerikanischen Südwestens auf die gleiche Weise einfangen wie Georgia O’Keeffe.

Ihre Arbeiten haben die einzigartige Schönheit und das farbenfrohe Wesen der Region angemessen eingefangen, die anders ist als jeder andere Ort auf der Erde.

Ihr Gemälde mit dem Titel Grey Blue & Black – Pink Circle entstand 1929 und scheint die unverwechselbare pastellfarbene Färbung der Wüste des Südwestens und die Art und Weise, wie die Sonne über die vielen Farbtöne spielt, die entlang der Canyons in dieser Region geschichtet sind, zu integrieren.

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Dies fängt, wie so viele andere Werke von O’Keeffe, die seltsame und faszinierende Färbung und Natur der indianischen Stämme und ihrer künstlerischen Stile ein, die nur im Südwesten der Vereinigten Staaten zu finden sind.

Mendrisiotto mit Kirche von Obino – Hermann Scherer

Hermann Scherer ist einer der am meisten unterschätzten Künstler der expressionistischen Bewegung, der Werke schuf, die die Gebiete in und um seine Heimat Europa auf ganz eigene Weise hervorhoben.

Sein Gemälde mit dem Titel Mendrisiotto mit der Kirche von Obino entstand 1926 auf dem Höhepunkt des modernen Expressionismus.

Diese besondere Arbeit hebt die kontrastierenden Farben der Gebäude hervor, die die Kirche in der malerischen Stadt umgeben, so dass ein seltsam lebendiges Bild entsteht, das wirklich fesselt.

Sherer war ebenso bekannt für seine Fähigkeit, Holzskulpturen zu schnitzen, und dieses besondere Gemälde gilt weithin als seine größten Leistungen als Maler.

Medizin & Hygeia – Gustav Klimt

Medizin & Hygeia ist ein Werk, das 1901 von Gustav Klimt geschaffen wurde und eine breite Palette auffälliger Farben und schöner Kontraste zwischen dem spirituellen und dem physischen Bereich enthält.

Klimt war dafür bekannt, sich hauptsächlich in der menschlichen Form zu versuchen, und diese besondere Arbeit enthält Elemente, die sowohl spirituell als auch menschenähnlich erscheinen.

Das Gemälde zeigt Hygeia, die mythische Tochter des Gottes der Medizin, die die Fähigkeit zu heilen in ihren Händen zu halten scheint.

Das Gemälde ist mit Verweisen auf verschiedene Götter und Göttinnen aus verschiedenen Kulturen gefüllt, aber viele Kunstliebhaber und Kritiker aus dieser Zeit betrachteten das Gemälde als eines der großen Kontroversen aufgrund der offenen Darstellungen von nackten Personen auf der gesamten Leinwand.

Das Gemälde ist jedoch eines der berühmtesten Werke von Klimt geblieben und gilt als eines der berühmtesten farbenfrohen Gemälde aller Zeiten.

Ein Freund in Not 1903 – C M Coolidge

Eines der ikonischsten Gemälde, das jemals in der Neuzeit geschaffen wurde, stammt von C.M. Coolidge im Jahr 1903. Die Arbeit zeigt bekanntermaßen eine Gruppe von Hunden, die an einem Kartentisch sitzen und an einem ernsthaften Pokerspiel teilnehmen.

Das Werk ist als A Friend in Need bekannt und wurde wahrscheinlich vom gelegentlichen Kunstbeobachter und fast allen anderen in den Vereinigten Staaten und anderen Ländern irgendwann gesehen, da es eines der am stärksten replizierten Gemälde aller Zeiten ist.

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Die Arbeit zeigt eine merkwürdige Kombination von Eckzähnen, die als sehr lebensecht angesehen werden, aber gleichzeitig auf komische Weise angeordnet sind, die den Fokus auf den humorvollen Aspekt des Gemäldes zu legen scheint, da es verschiedene Hunderassen zeigt, die in einem intensiven Pokerspiel gefangen sind.