Die Kunstwerke des alten Ägypten faszinieren die Menschen seit Tausenden von Jahren. Die frühen griechischen und später römischen Künstler wurden von ägyptischen Techniken beeinflusst und ihre Kunst würde die anderer Kulturen bis heute inspirieren. Viele Künstler sind aus späteren Perioden bekannt, aber die von Ägypten sind völlig anonym und aus einem sehr interessanten Grund: Ihre Kunst war funktional und für einen praktischen Zweck geschaffen, während spätere Kunst für ästhetisches Vergnügen gedacht war. Funktionale Kunst ist ein Leihwerk, das der Person gehört, die es in Auftrag gegeben hat, während Kunst, die zum Vergnügen geschaffen wurde – auch wenn sie in Auftrag gegeben wurde – einen größeren Ausdruck der Vision des Künstlers und damit die Anerkennung eines einzelnen Künstlers ermöglicht.

Ein griechischer Künstler wie Phidias (ca. 490-430 v. Chr.) verstand sicherlich die praktischen Zwecke bei der Schaffung einer Statue von Athene oder Zeus, aber sein primäres Ziel wäre es gewesen, ein visuell ansprechendes Stück zu machen, um ‚Kunst‘ zu machen, wie die Menschen dieses Wort heute verstehen, nicht um ein praktisches und funktionales Werk zu schaffen. Alle ägyptische Kunst diente einem praktischen Zweck: eine Statue hielt den Geist des Gottes oder des Verstorbenen; Ein Grabgemälde zeigte Szenen aus dem irdischen Leben, damit sich der Geist daran erinnern konnte, oder Szenen aus dem Paradies, das man zu erreichen hoffte, damit man weiß, wie man dorthin kommt; Zauber und Amulette schützten einen vor Schaden; Figuren wehrten böse Geister und wütende Geister ab; Handspiegel, Peitschengriffe, Kosmetikschränke dienten praktischen Zwecken und Keramik wurde zum Trinken, Essen und Aufbewahren verwendet. Ägyptologe Gay Robins Notizen:

Soweit wir wissen, hatten die alten Ägypter kein Wort, das genau unserem abstrakten Gebrauch des Wortes ‚Kunst‘ entsprach. Sie hatten Wörter für einzelne Arten von Denkmälern, die wir heute als Beispiele ägyptischer Kunst betrachten – ‚Statue‘, ‚Stele‘, ‚Grab‘ -, aber es gibt keinen Grund zu der Annahme, dass diese Wörter notwendigerweise eine ästhetische Dimension in ihrer Bedeutung enthielten. (12)

Obwohl die ägyptische Kunst heute hoch angesehen ist und weiterhin ein großer Anziehungspunkt für Museen mit Exponaten ist, hätten die alten Ägypter selbst nie so über ihre Arbeit nachgedacht und würden es sicherlich seltsam finden, diese verschiedenen Arten von Werken außerhalb des Kontextes in einer Museumshalle zu zeigen. Statuen wurden aus einem bestimmten Grund geschaffen und platziert, und das gleiche gilt für jede andere Art von Kunst. Der Begriff „Kunst um der Kunst willen“ war unbekannt und wäre darüber hinaus wahrscheinlich für einen alten Ägypter unverständlich gewesen, der Kunst vor allem als funktional verstand.

Ägyptische Symmetrie

Das heißt nicht, dass die Ägypter keinen Sinn für ästhetische Schönheit hatten. Sogar ägyptische Hieroglyphen wurden unter Berücksichtigung der Ästhetik geschrieben. Ein Hieroglyphensatz könnte von links nach rechts oder von rechts nach links, von oben nach unten oder von unten nach oben geschrieben werden, je nachdem, wie sich die Wahl auf die Schönheit des fertigen Werks auswirkt. Einfach ausgedrückt, jede Arbeit musste schön sein, aber die Motivation, etwas zu schaffen, konzentrierte sich auf ein praktisches Ziel: Funktion. Trotzdem wird die ägyptische Kunst immer wieder für ihre Schönheit bewundert, und dies liegt an dem Wert, den die alten Ägypter auf Symmetrie legten.

Die perfekte Balance in der ägyptischen Kunst spiegelt den kulturellen Wert von ma’at (Harmonie) wider, der für die Zivilisation von zentraler Bedeutung war. Ma’at war nicht nur eine universelle und soziale Ordnung, sondern auch das Gewebe der Schöpfung, das entstand, als die Götter das geordnete Universum aus undifferenziertem Chaos machten. Das Konzept der Einheit, der Einheit, war dieses ‚Chaos‘, aber die Götter führten die Dualität ein – Nacht und Tag, weiblich und männlich, dunkel und hell – und diese Dualität wurde von Ma’at reguliert.

Aus diesem Grund wurden ägyptische Tempel, Paläste, Häuser und Gärten, Statuen und Gemälde, Siegelringe und Amulette mit Blick auf das Gleichgewicht geschaffen und spiegeln den Wert der Symmetrie wider. Die Ägypter glaubten, ihr Land sei nach dem Bilde der Welt der Götter geschaffen worden, und wenn jemand starb, gingen sie in ein Paradies, das sie ziemlich vertraut finden würden. Wenn ein ägyptischer Obelisk gemacht wurde, wurde er immer mit einem identischen Zwilling geschaffen und angehoben, und es wurde angenommen, dass diese beiden Obelisken göttliche Reflexionen haben, die gleichzeitig im Land der Götter gemacht wurden. Tempelhöfe wurden gezielt angelegt, um die Schöpfung, Ma’at, Heka (Magie) und das Leben nach dem Tod mit der gleichen perfekten Symmetrie widerzuspiegeln, die die Götter bei der Schöpfung initiiert hatten. Die Kunst spiegelte die Vollkommenheit der Götter wider und diente gleichzeitig täglich einem praktischen Zweck.

Historischer Fortschritt

Die Kunst Ägyptens ist die Geschichte der Elite, der herrschenden Klasse. In den meisten historischen Perioden Ägyptens konnten sich diejenigen mit bescheideneren Mitteln den Luxus von Kunstwerken nicht leisten, um ihre Geschichte zu erzählen, und es ist weitgehend durch ägyptische Kunst, dass die Geschichte der Zivilisation bekannt geworden ist. Die Gräber, Grabmalereien, Inschriften, Tempel, sogar der größte Teil der Literatur, befasst sich mit dem Leben der Oberschicht und nur durch das Erzählen dieser Geschichten werden die der unteren Klassen offenbart. Dieses Paradigma wurde bereits vor der geschriebenen Geschichte der Kultur festgelegt. Die Kunst beginnt in der prädynastischen Zeit in Ägypten (c. 6000 – c. 3150 BCE) durch Felszeichnungen und Keramik, wird aber in der frühen dynastischen Zeit (c. 3150 – c. 2613 BCE) in der berühmten Narmer-Palette vollständig verwirklicht.

Die Narmer-Palette (um 3150 v. Chr.) ist eine zweiseitige zeremonielle Platte aus Schluffstein, die aufwendig mit Szenen der Vereinigung von Ober- und Unterägypten durch König Narmer geschnitzt ist. Die Bedeutung der Symmetrie zeigt sich in der Komposition, die die Köpfe von vier Stieren (ein Symbol der Macht) oben auf jeder Seite und eine ausgewogene Darstellung der Figuren, die die Geschichte erzählen, zeigt. Das Werk gilt als Meisterwerk der frühdynastischen Kunst und zeigt, wie fortschrittlich ägyptische Künstler zu dieser Zeit waren.

Das spätere Werk des Architekten Imhotep (c. 2667-2600 v. Chr.) auf der Pyramide von König Djoser (um 2670 v. Chr.) spiegelt wider, wie weit die Kunstwerke seit der Narmer-Ära fortgeschritten waren. Der Pyramidenkomplex von Djoser ist aufwendig mit Lotusblumen, Papyruspflanzen und Djed-Symbolen in hohem und niedrigem Relief gestaltet, und die Pyramide selbst zeugt natürlich von der ägyptischen Fähigkeit, in Stein an monumentalen Kunstwerken zu arbeiten.

Während des Alten Königreichs Ägypten (ca. 2613-2181 v. Chr.) wurde die Kunst von der Elite standardisiert und Figuren wurden einheitlich produziert, um den Geschmack der Hauptstadt Memphis widerzuspiegeln. Statuen der späten frühen dynastischen und frühen Perioden des Alten Königreichs sind bemerkenswert ähnlich, obwohl andere Kunstformen (Malerei und Schrift) im Alten Königreich mehr Raffinesse zeigen. Die größten Kunstwerke des Alten Reiches sind die Pyramiden und die Große Sphinx von Gizeh, die noch heute stehen, aber bescheidenere Denkmäler wurden mit der gleichen Präzision und Schönheit geschaffen. Old Kingdom Kunst und Architektur, eigentlich, wurde von den Ägyptern in späteren Epochen hoch geschätzt. Einige Herrscher und Adlige (wie Khaemweset, vierter Sohn von Ramses II.) gaben absichtlich Werke im Stil des Alten Reiches in Auftrag, sogar die ewige Heimat ihrer Gräber.

In der Ersten Zwischenperiode Ägyptens (2181-2040 v. Chr.), nach dem Zusammenbruch des Alten Reiches, konnten Künstler individuelle und regionale Visionen freier ausdrücken. Das Fehlen einer starken Zentralregierung, die Arbeiten in Auftrag gab, bedeutete, dass Distriktgouverneure Teile ihrer Heimatprovinz requirieren konnten. Diese verschiedenen Bezirke stellten auch fest, dass sie mehr verfügbares Einkommen hatten, da sie nicht so viel nach Memphis schickten. Mehr Wirtschaftskraft vor Ort inspirierte mehr Künstler, Werke in ihrem eigenen Stil zu produzieren. Die Massenproduktion begann auch in der ersten Zwischenperiode, was zu einer Einheitlichkeit der Kunstwerke einer bestimmten Region führte, die sie sofort unverwechselbar machte, aber von geringerer Qualität als die Arbeit des Alten Königreichs. Diese Veränderung zeigt sich am besten in der Produktion von Shabti-Puppen für Grabbeigaben, die früher von Hand gefertigt wurden.

Kunst würde während des Reiches der Mitte Ägyptens (2040-1782 v. Chr.) gedeihen, das allgemein als Höhepunkt der ägyptischen Kultur gilt. Kolossale Statuen begannen in dieser Zeit ebenso wie der große Tempel von Karnak in Theben. Der Idealismus der Darstellungen des Alten Reiches in Statuen und Gemälden wurde durch realistische Darstellungen ersetzt, und auch die unteren Klassen sind in der Kunst häufiger vertreten als zuvor. Das Reich der Mitte wich der Zweiten Zwischenperiode Ägyptens (c. 1782 – c. 1570 v. Chr.), in der die Hyksos große Gebiete der Deltaregion besetzten, während die Nubier aus dem Süden vordrangen. Kunst aus dieser Zeit, die in Theben hergestellt wurde, behält die Merkmale des Reiches der Mitte bei, während sich die der Nubier und Hyksos – die beide die ägyptische Kunst bewunderten und kopierten – in Größe, Qualität und Technik unterscheiden.

Das darauf folgende Neue Königreich (ca. 1570 – ca. 1069 v. Chr.) ist die bekannteste Periode aus der Geschichte Ägyptens und brachte einige der schönsten und berühmtesten Kunstwerke hervor. Die Büste der Nofretete und die goldene Totenmaske des Tutanchamun stammen beide aus dieser Zeit. Die Kunst des Neuen Königreichs zeichnet sich durch eine hohe Qualität in Vision und Technik aus, die hauptsächlich auf die Interaktion Ägyptens mit benachbarten Kulturen zurückzuführen ist. Dies war die Ära des ägyptischen Reiches und die Metallbearbeitungstechniken der Hethiter – die jetzt als Verbündete, wenn nicht als Gleichberechtigte galten – beeinflussten die Herstellung von Grabartefakten, Waffen und anderen Kunstwerken stark.

Nach dem Neuen Reich, der Dritten Zwischenperiode (c. 1069-525 v. Chr.) und die späte Periode des alten Ägypten (525-332 v. Chr.) versuchten mit mehr oder weniger Erfolg, den hohen Standard der Kunst des Neuen Königreichs fortzusetzen und gleichzeitig die Stile des Alten Königreichs in Erinnerung zu rufen, um die rückläufige Statur Ägyptens wiederzuerlangen. Der persische Einfluss in der Spätzeit wird während der ptolemäischen Dynastie (323-30 v. Chr.) durch den griechischen Geschmack ersetzt, der auch versucht, die Standards des Alten Königreichs mit der Technik des Neuen Königreichs in Verbindung zu bringen, und dieses Paradigma besteht bis ins römische Ägypten (30 v. Chr. – 646 n. Chr.) und das Ende der ägyptischen Kultur.

Arten von Kunst, Detail, & Symbol

In all diesen Epochen waren die Arten von Kunst so zahlreich wie die menschlichen Bedürfnisse, die Ressourcen, um sie zu machen, und die Fähigkeit, für sie zu bezahlen. Die Reichen Ägyptens hatten kunstvolle Handspiegel, Kosmetikkoffer und Gläser, Schmuck, verzierte Scheiden für Messer und Schwerter, komplizierte Bögen, Sandalen, Möbel, Streitwagen, Gärten und Gräber. Jeder Aspekt einer dieser Kreationen hatte symbolische Bedeutung. Auf die gleiche Weise symbolisierte das Stiermotiv auf der Narmer-Palette die Macht des Königs, so dass jedes Bild, jedes Design, jede Verzierung oder jedes Detail etwas bedeutete, das sich auf seinen Besitzer bezog.

Zu den offensichtlichsten Beispielen dafür gehört der goldene Thron Tutanchamuns (um 1336- um 1327 v. Chr.), der den jungen König mit seiner Frau Ankhsenamun darstellt. Das Paar wird in einem ruhigen häuslichen Moment dargestellt, als die Königin Salbe auf den Arm ihres Mannes reibt, während er auf einem Stuhl sitzt. Ihre enge Beziehung wird durch die gleiche Hautfarbe hergestellt. Männer werden normalerweise mit rötlicher Haut dargestellt, weil sie mehr Zeit im Freien verbrachten, während für die Haut von Frauen eine hellere Farbe verwendet wurde, da sie eher dazu neigten, sich von der Sonne fernzuhalten. Dieser Unterschied im Farbton der Hauttöne stellte keine Gleichheit oder Ungleichheit dar, sondern war lediglich ein Versuch des Realismus.

Im Fall von Tutanchamuns Thron wird die Technik jedoch verwendet, um einen wichtigen Aspekt der Beziehung des Paares auszudrücken. Andere Inschriften und Kunstwerke machen deutlich, dass sie die meiste Zeit zusammen verbracht haben, und der Künstler drückt dies durch ihre gemeinsamen Hauttöne aus; Ankhesenamun ist genauso sonnengebräunt wie Tutanchamun. Das in dieser Komposition verwendete Rot steht auch für Vitalität und die Energie ihrer Beziehung. Das Haar des Paares ist blau und symbolisiert Fruchtbarkeit, Leben und Wiedergeburt, während ihre Kleidung weiß ist und Reinheit darstellt. Der Hintergrund ist Gold, die Farbe der Götter, und all die komplizierten Details, einschließlich der Kronen, die die Figuren tragen, und ihrer Farben, haben alle ihre eigene spezifische Bedeutung und erzählen die Geschichte des vorgestellten Paares.

Ein Schwert oder ein Kosmetiketui wurde mit dem gleichen Ziel entworfen und geschaffen: Geschichtenerzählen. Sogar der Garten eines Hauses erzählte eine Geschichte: In der Mitte befand sich ein Pool, der von Bäumen, Pflanzen und Blumen umgeben war, die wiederum von einer Mauer umgeben waren, und man betrat den Garten vom Haus aus durch einen Portikus aus verzierten Säulen. All dies wäre sorgfältig arrangiert worden, um eine Geschichte zu erzählen, die für den Eigentümer von Bedeutung war. Obwohl ägyptische Gärten längst verschwunden sind, wurden Modelle als Grabbeigaben gefunden, die die große Sorgfalt zeigen, mit der sie in narrativer Form angelegt wurden.

Im Falle des edlen Meket-Ra der 11. Dynastie sollte der Garten die Geschichte der Reise des Lebens ins Paradies erzählen. Die Säulen des Portikus waren wie Lotusblüten geformt und symbolisierten sein Zuhause in Oberägypten, der Pool in der Mitte stellte einen See dar, den die Seele überqueren musste, um das Paradies zu erreichen, und die weit entfernte Gartenmauer war mit Szenen aus dem Jenseits geschmückt. Jedes Mal, wenn Meket-Ra in seinem Garten saß, wurde er an die Natur des Lebens als ewige Reise erinnert, und dies würde ihm höchstwahrscheinlich eine Perspektive auf die Umstände geben, die im Moment beunruhigend sein könnten.

Techniken

Die Gemälde an den Wänden von Meket-Ra wurden von Künstlern gemalt, die Farben aus natürlich vorkommenden Mineralien mischten. Schwarz wurde aus Kohlenstoff, Rot und Gelb aus Eisenoxiden, Blau und Grün aus Azurit und Malachit, Weiß aus Gips und so weiter hergestellt. Die Mineralien würden mit zerkleinertem organischem Material zu unterschiedlichen Konsistenzen gemischt und dann weiter mit einer unbekannten Substanz (möglicherweise Eiweiß) gemischt, um es klebrig zu machen, so dass es an einer Oberfläche haften würde. Ägyptische Farbe war so langlebig, dass viele Werke, auch solche, die nicht in Gräbern geschützt sind, nach über 4.000 Jahren lebendig geblieben sind.

Obwohl Haus-, Garten- und Palastmauern normalerweise mit flachen zweidimensionalen Gemälden verziert waren, verwendeten Grab-, Tempel- und Denkmalmauern Reliefs. Es gab hohe Reliefs (in denen die Figuren von der Wand abheben) und niedrige Reliefs (wo die Bilder in die Wand geschnitzt sind). Um diese zu schaffen, würde die Oberfläche der Wand mit Gips geglättet werden, die dann geschliffen wurde. Ein Künstler würde ein Werk in Miniatur erstellen und dann Gitterlinien darauf zeichnen, und dieses Gitter würde dann an die Wand gezeichnet. Mit der kleineren Arbeit als Modell wäre der Künstler in der Lage, das Bild in den richtigen Proportionen an der Wand zu replizieren. Die Szene würde zuerst gezeichnet und dann in roter Farbe umrissen. Korrekturen an der Arbeit würden notiert, möglicherweise von einem anderen Künstler oder Betreuer, in schwarzer Farbe und sobald diese gepflegt wurden, wurde die Szene geschnitzt und bemalt.

Farbe wurde auch für Statuen aus Holz, Stein oder Metall verwendet. Das Mauerwerk entwickelte sich erstmals in der frühdynastischen Zeit in Ägypten und wurde im Laufe der Jahrhunderte immer raffinierter. Ein Bildhauer würde aus einem einzigen Steinblock mit einem Kupfermeißel, einem Holzhammer und feineren Werkzeugen für Details arbeiten. Die Statue würde dann mit einem Reibetuch geglättet werden. Der Stein für eine Statue wurde, wie bei allem anderen in der ägyptischen Kunst, ausgewählt, um seine eigene Geschichte zu erzählen. Eine Statue von Osiris zum Beispiel würde aus schwarzem Schiefer bestehen, um Fruchtbarkeit und Wiedergeburt zu symbolisieren, die beide mit diesem bestimmten Gott verbunden sind.

Metallstatuen waren normalerweise klein und aus Kupfer, Bronze, Silber und Gold. Gold war besonders beliebt für Amulette und Schrein Figuren der Götter, da man glaubte, dass die Götter goldene Haut hatten. Diese Figuren wurden durch Gießen oder Blecharbeiten über Holz hergestellt. Holzstatuen wurden aus verschiedenen Baumstücken geschnitzt und dann miteinander verklebt oder verbunden. Statuen aus Holz sind selten, aber einige sind erhalten geblieben und zeigen enorme Fähigkeiten.

Kosmetikkisten, Särge, Modellboote und Spielzeug wurden auf dieselbe Weise hergestellt. Schmuck wurde üblicherweise mit der als Cloisonne bekannten Technik hergestellt, bei der dünne Metallstreifen auf die Oberfläche des Werks eingelegt und dann in einem Ofen gebrannt werden, um sie zusammen zu schmieden und Fächer zu schaffen, die dann mit Juwelen oder gemalten Szenen detailliert sind. Zu den besten Beispielen für Cloisonne-Schmuck gehört der Anhänger des Reiches der Mitte, den Senusret II. (um 1897-1878 v. Chr.) seiner Tochter schenkte. Diese Arbeit besteht aus dünnen Golddrähten, die an einem massiven Goldträger befestigt sind, der mit 372 Halbedelsteinen eingelegt ist. Cloisonne wurde auch verwendet, um Brustmuskeln für den König, Kronen, Kopfbedeckungen, Schwerter, zeremonielle Dolche und Sarkophage unter anderem herzustellen.

Fazit

Obwohl ägyptische Kunst berühmt bewundert wird, ist sie wegen ihrer Unraffiniertheit in die Kritik geraten. Kritiker behaupten, dass die Ägypter die Perspektive nie zu beherrschen scheinen, da es in den Kompositionen kein Wechselspiel von Licht und Schatten gibt, sie immer zweidimensional sind und die Figuren emotionslos sind. Statuen, die Paare darstellen, es wird argumentiert, zeigen keine Emotionen in den Gesichtern und das gleiche gilt für Kampfszenen oder Statuen eines Königs oder einer Königin.

Diese Kritik verkennt die Funktionalität der ägyptischen Kunst. Die Ägypter verstanden, dass emotionale Zustände vergänglich sind; man ist nicht konsequent glücklich, traurig, wütend, Inhalt während eines bestimmten Tages viel weniger ewig. Kunstwerke präsentieren Menschen und Gottheiten formal ohne Ausdruck, weil man dachte, der Geist der Person würde diese Darstellung brauchen, um im Jenseits weiterzuleben. Der Name und das Bild einer Person mussten in irgendeiner Form auf der Erde überleben, damit die Seele ihre Reise fortsetzen konnte. Dies war der Grund für die Mumifizierung und die aufwendigen ägyptischen Bestattungsrituale: Der Geist brauchte eine Art Leuchtfeuer, zu dem er zurückkehren konnte, wenn er die Erde besuchte, um im Grab Nahrung zu finden.

Der Geist könnte eine Statue einer wütenden oder jubelnden Version von sich selbst nicht erkennen, würde aber ihre biederen, selbstgefälligen Gesichtszüge erkennen. Der Mangel an Emotionen hat mit dem ewigen Zweck der Arbeit zu tun. Statuen wurden von vorne betrachtet, normalerweise mit dem Rücken gegen eine Wand, damit die Seele ihr früheres Selbst leicht erkennen konnte, und dies galt auch für Götter und Göttinnen, von denen angenommen wurde, dass sie in ihren Statuen lebten.

Das Leben war nur ein kleiner Teil einer ewigen Reise zu den alten Ägyptern und ihre Kunst spiegelt diesen Glauben wider. Eine Statue oder ein Kosmetikkoffer, ein Wandgemälde oder ein Amulett, welche Form auch immer das Kunstwerk annahm, es wurde geschaffen, um weit über das Leben seines Besitzers hinaus zu bestehen und, was noch wichtiger ist, die Geschichte dieser Person zu erzählen und die ägyptischen Werte und Überzeugungen als Ganzes widerzuspiegeln. Die ägyptische Kunst hat diesem Zweck gut gedient und erzählt seit Tausenden von Jahren ihre Geschichte.