Sie möchten lernen, wie man DJ wird? Dann reden wir über das Mischen — wie in der DJ-Art des Mischens. Beatmixen.

Als langjähriger DJ finde ich es merkwürdig, dass selbst nach den über 40 Jahren, in denen Beatmixing ein Synonym für DJing ist, einige moderne Jocks die Praxis unnötig finden. Einige schlagen vor, dass der differenzierende Wert eines DJs im MCing liegt.

Für diejenigen, die Beatmixing relevant oder sogar ein Thema der Neugier finden, halten Sie mit mir Schritt.

Ich bin ein Fan von Beatmixing, ein großer Befürworter. Schon bevor ich mich entschied, DJ zu werden, war der Mix Teil meiner musikalischen Psyche. Ich kann mich noch an Shows im New Yorker Radio mit DJ-Legenden wie Shep Pettibone, Jellybean Benitez, Tony Humphries und David Morales erinnern. Ich war fasziniert und fasziniert von der Art und Weise, wie diese Meister die Songs präsentierten, die ich tagsüber hörte, aber auf neue und aufregende Weise. Ich konnte buchstäblich die Energie spüren, die durch die Äther kam. Als ich mich entschied, DJ zu werden, war diese Sammlung von Mixen die Blaupause für mich, wie ein DJ klingen sollte.

Die Semantik des Mischens

Das Mischen wird normalerweise live vor Publikum in einem Nachtclub oder für eine Party durchgeführt. Das Mischen wird auch live im Radio durchgeführt oder in einem Studio aufgenommen. Wenn ein DJ mischt, erstellt der DJ eine Sequenz von Musiktiteln, die zusammengemischt werden, um als eine fortlaufende Spur zu erscheinen. Endlos. Stabil. Ununterbrochen. Unbeirrt. Nahtlos. Der Hauptgrund, warum der DJ das Mischen / Mischen von Songs verwendet, ist, Tänzer auf der Tanzfläche zu halten.

Die Mischmethoden variieren je nach abgespielter Musik. Tanzmusik-DJs streben nach glatten, gemischten Mischungen, während Hip-Hop-DJs Cutting-, Scratching- und Turntablism-Techniken verwenden.

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Eine weitere Verbesserung des Mischens kann mit Harmonic Mixing erreicht werden, das sich auf komplementäre Tasten und Melodien konzentriert und gleichzeitig dissonante / kollidierende Töne während eines Mixes vermeidet.

Der Verlauf der Mischung ist ein dynamischer Prozess:

1. Die Tracks werden als Reaktion auf die Aktivität auf der Tanzfläche ausgewählt.

2. Wenn der Dancefloor weniger aktiv wird, wird der DJ ein Urteil darüber fällen, welcher Track die Dancefloor-Reaktion erhöht.

3. Tracks werden teilweise in Bezug darauf ausgewählt, wohin der DJ das Publikum bringen möchte. Der resultierende Mix wird durch eine symbiotische Beziehung zwischen Publikum und DJ erreicht.

Die DJ-Software bietet Beats pro Minute, automatisches Mischen und Tastenerkennung, was das harmonische Mischen vereinfacht. DJ-Software, die das automatische Mischen ermöglicht hat, hat zu Debatten über die Verwendung dieser Automatisierung geführt. Aber das ist ein anderes Thema für einen anderen Artikel.

Da haben Sie also einen „klinischen“ Glanz darüber, was Mischen ist. Ich will das Gespräch hier nicht beenden. Oh nein … ich möchte tiefer gehen. Ich möchte das „Warum“ des Mischens erschließen. Ich möchte die zerebrale Seite des Mischens erkunden. Graben Sie in die mentale Seite, verstehen Sie es, dann seien Sie kreativ und haben Sie Spaß damit. Bevor wir das Kleinhirn der Menschen anzapfen, fangen wir am Anfang an …

Die Regeln: Wie man DJ

Es gibt fünf Regeln, die Sie über das Mischen wissen müssen. Wenn Sie Ihre Segmente auf die nächste Stufe bringen möchten, müssen Sie Folgendes wissen:

1. Kennen Sie Ihre Musik.
2. Kennen Sie Ihre Musik.
3. Kennen Sie Ihre Musik.
4. Praxis
5. Kennen Sie Ihre Musik.

Das kann ich gar nicht genug betonen. Du musst deine Musik kennen. Die Tracks, die Sie verwenden, sind die Bausteine der Sets, die Sie erstellen. Sie können kein Fluid-Set erstellen, wenn Sie keinen Befehl über die zu verwendenden Spuren haben. Müssen Sie sich jedes Lied merken? Nein. Das würde helfen, aber nicht notwendig.

„Ich möchte das ‚Warum‘ des Mischens erschließen. Ich möchte die zerebrale Seite des Mischens erkunden.“

Sie müssen sich mit Folgendem vertraut machen:

1. Wie Songs aufgebaut sind.

2. Wie ein Lied fließt.

3. Wie ein Song formatiert wird.

4. Wie Instrumente klingen, wenn sie zusammen geschichtet sind.

Müssen Sie Musiker sein, um DJ zu sein oder richtig zu mischen? Nein. Aber Sie müssen ein Ohr für Harmonien, Melodien, komplementäre und symbiotische Klangcharaktere haben. Sie müssen auch ein Ohr für die klanglichen Eigenschaften dessen haben, was kollidiert und was inkongruent ist. Das ist genauso wichtig. Also im Klartext … Sie müssen lernen / wissen, was zusammen gut klingt und was zusammen schlecht klingt. Die guten Sachen wiederholst du, die Schlechten nicht.

„Musst du Musiker sein, um DJ zu sein oder richtig zu mischen? Nein.“

Man muss ein Schüler von Klang und Struktur sein. Es gab eine großartige Szene in dem James Brown Bio Pic, „Get On Up“, die dies veranschaulicht. Er hat die Band zur Probe und es gibt einige Verwirrung mit dem Arrangement. Mr. Brown sagt: „Wenn es gut klingt und sich gut anfühlt, dann ist es musikalisch.“

Wer kann damit argumentieren? Um ehrlich zu sein, muss man sich nicht in die Details von Tasten, Takten oder Tempi verfangen, sobald man instinktiv versteht, womit man es zu tun hat.

Songstruktur

Moderne Songs sind in Segmente von 32 Takten unterteilt. Typische Songstruktur ist wie folgt:

Intro – 2/4/8/16/32 Takte

(Optionaler Haken / Chorus) – 32 Takte

Erster Vers – 32 Takte

Haken / Chorus – 32 Takte

Zweiter Vers – 32 Takte

(Optionale Brücke) – 4/8/16 Takte

Hook / Chorus – 32 Takte

(Optionaler Zusatzvers + Hook / Chorus) – 32 Takte * 2

Outro – 8/16/32 Takte

Sobald Sie diese Struktur / dieses Muster erkannt haben, können Sie beginnen, es aufzuschlüsseln und zu manipulieren. Sie suchen / hören nach replizierten Mustern. Die Haken / Chorus sind in der Regel die gleichen. Ihre grundlegenden Segues werden während des Outro des Song-Endes (Ausgehen) und des Intro des Song-Anfangs (Kommen) auftreten.

Aber wo der Spaß ist, wo die (potentielle) Magie passiert, ist, wenn Sie Ihr Layering / Mixing innerhalb der verschiedenen Abschnitte des Tracks beginnen. Dies ist, wo „zu wissen, Ihre Musik“ wird zwingend notwendig. Die Struktur eines Remixes (formal der 12-Zoll-Remix oder derzeit der erweiterte Remix) weicht nicht allzu weit vom obigen Beispiel ab. Der Unterschied ist, dass der Remix so strukturiert ist, dass er DJ- und Dancefloor-freundlicher ist. Der Extended Mix enthält Abschnitte, die speziell für uns, die DJs, erstellt wurden. Wir sollten sie benutzen!

„Wo der Spaß ist, wo die (potentielle) Magie passiert, ist, wenn du dein Layering / Mixing innerhalb der verschiedenen Abschnitte des Tracks beginnst.“

Der Remix ist auch eine gemeinsame Struktur, aber es gibt viele Variationen. Sobald Sie die Struktur des Songs / Remixes entdeckt haben, können Sie dem aktuellen Song neue Intros hinzufügen, sodass die Stimme (n) des aktuellen Songs mit dem Intro des Songs übereinstimmen, den Sie mischen. Stellen Sie sicher, dass das Intro (oder andere Teile) keine Vocals enthalten, da es sonst zu Kollisionen kommt. Dies wird allgemein als Phrasierung bezeichnet.

Ich habe gelesen, wo DJs Tanzmischungen scheuen, weil sie nicht wissen, was sie mit dem Zusammenbruch anfangen sollen, wenn er eintritt. Die Aufschlüsselung erfolgt nach dem Intro und vor der ersten Strophe. Es ist der Teil, in dem der Track minimalistisch, abgespeckt, ambient und ohne Schlagzeug wird. Es ist der Teil, den die Radiosender draußen halten. Diese Teile sollten nicht beängstigend sein oder gemieden werden. Sie sollten angenommen werden und sind fruchtbare Bereiche für Kreativität und Individualismus.

„Einige DJs scheuen Tanzmischungen, weil sie nicht wissen, was sie mit dem Zusammenbruch anfangen sollen, wenn er eintritt.“

Hier möchte ich graben … in der kreativen Technik, dem kreativen Prozess. Ich denke, die Leute vergessen, oder pointierter, Die Leute entlassen, wie viel Zeit in eine Disziplin fließt, bevor man sie beherrscht. Wir schalten unsere Fernseher ein und sehen, wie die NFL-Spieler erstaunliche Dinge tun. Wir vergessen, dass es Jahre der Arbeit, Hingabe und Praxis braucht, um dieses Niveau zu erreichen.

Putting in Work

Die gleiche Arbeitsmoral kann in Richtung DJing gesetzt werden. Die gleiche Einstellung kann zum Mischen verwendet werden. Man kann nicht kreativ sein ohne ein konkretes Fundament oder die Beherrschung der Grundlagen.

Manche Leute denken, Kreativität sei Freiheit. Ich denke, es ist eher spontanes Improvisieren, verwurzelt in den Grenzen des Beherrschens von Grundlagen.

Die Popkultur besagt, dass es 10.000 Stunden dauert, um eine Aufgabe zu meistern. Das sind 1,14 Jahre (danke, Google). Relativiert, vier Stunden am Tag, fünfmal die Woche, das sind 500 Wochen oder neun Jahre und sieben Monate.

Für diejenigen, die das Mischen für einfach, langweilig oder passé halten, müssen Sie sich die Zeit nehmen, um die Vorteile zu nutzen — genau wie alles im Leben. Lassen Sie mich auch hinzufügen, dass es nicht nur darum geht, Zeit zu investieren. Übung allein macht dich nicht zum Meister. Sie müssen sich in die Umgebung versetzen, um das Mischen zu erleichtern. Du musst dabei sein, um es zu gewinnen.

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Eines der Spiele, die meine Jungs und ich spielen würden, wenn wir DJs zusammenkommen würden, ist das 30-Sekunden-Spiel. Das würde darin bestehen, dass wir mit dem spielenden DJ eine Platte füttern … jede Platte. Sie hatten keine Ahnung, was Ihnen jemand geben würde, und Sie hatten 30 Sekunden, um es einzumischen. Sobald es gemischt war, würde der nächste DJ hinter die Decks kommen und der Prozess würde von vorne beginnen.

Du wolltest es nicht vermasseln, weil du der Hintern von Witzen wärst, bis der nächste Kerl es vermasselt hat. Dieses Spiel hat uns so viele Dinge beigebracht. Aber die Hauptsache, die es mir beigebracht hat, außer dass meine DJ-Freunde manchmal ein verdrehtes Gefühl hatten, deinen Mut zu testen, war, alle meine Sinne zu benutzen, um diesen Mix dort reinzubringen. Es gab mir eine unschätzbare Grundlage zu erkunden.

Die Lektionen

Was haben wir gelernt? Wenn Sie kreativ sein wollen, sollten Sie fundierte Grundlagen haben. Sie müssen sich in die Denkweise versetzen, neue Dinge auszuprobieren. Sie müssen üben, damit neue Dinge alltäglich werden. Und das Wichtigste … kennen Sie Ihre Musik.

Jetzt geh raus und mische.

Beats mischen: Die Grundlagen

Mischen ist die Fähigkeit, zwei (oder mehr) Musikstücke zu einem einzigen Werk zu kombinieren.

Die Haupttechnik zum Mischen von Musik ist Beatmatching, bei dem ein DJ die Beats zweier Songs synchronisiert. Werfen wir einen kurzen Blick auf einige dieser grundlegenden Komponenten.

Beatmatching: Dies ist eine Technik, mit der die Beats zweier Songs so ausgerichtet werden, dass sie synchron zueinander sind. Damit die Beats synchron sind, müssen einige Dinge wahr sein:

1. Die beiden Songs spielen im gleichen Tempo/BPM (Beats per Minute)
2. Die Beats müssen in Phase sein – d.h. die rhythmischen Noten (Bassdrum, Snare Drum, etc.) zur gleichen Zeit auftreten.

Crossfade-Bedeutung: Dies ist eine Technik zum Übergang von einem Song zum anderen während eines Mixes, die zusammen mit Beatmatching verwendet wird. Das übliche Muster beim Mischen von Musik besteht darin, einen einzelnen Song abzuspielen, einen zweiten Song einzuspielen, sodass beide Songs gleichzeitig abgespielt werden, und dann den ersten Song auszublenden, sodass nur der zweite Song abgespielt wird.

Eine Überblendung erfolgt mit dem Crossfader – einem Schieberegler, der die Lautstärke zwischen zwei Audiokanälen variiert. Der Crossfader befindet sich normalerweise in der Mitte des Mixers. Wenn der Schieberegler nach links positioniert ist, wird der Song auf dem linken Deck zu hören. Wenn der Schieberegler nach rechts positioniert ist, wird der Song auf dem rechten Deck zu hören. Wenn der Crossfader in der Mitte positioniert ist, werden beide Songs / Decks gehört.

Crossfade-Bedeutung: Eine Technik zum Übergang von einem Song zum anderen während eines Mixes, die zusammen mit dem Beat-Matching verwendet wird.

So führen Sie eine Überblendung vom Song auf dem linken Deck zum Song auf dem rechten Deck durch:

Positionieren Sie den Crossfader ganz links, sodass nur der Song auf dem linken Deck abgespielt wird.

Beatmatche die beiden Songs und richte den rechten Song mit dem linken Song an der Stelle aus, an der du die Überblendung durchführen möchtest. (Im nächsten Abschnitt finden Sie Tipps zur Auswahl des Überblendpunkts.)

Wenn die Wiedergabe den Moment erreicht, in dem Sie den richtigen Song/das richtige Deck einspielen möchten, bewegen Sie den Crossfader in die mittlere Position.

Wenn die Wiedergabe die Zeit erreicht hat, zu der Sie den linken Song/das linke Deck ausblenden möchten, bewegen Sie den Crossfader ganz nach rechts.

Auswahl des Mischpunktes: Der vorherige Abschnitt erklärt, wie man eine Überblendung von einem Song in einen anderen durchführt, aber es erklärt nicht, wie man zwei Songs ausrichtet, um einen guten Mix zu erzeugen. Um eine gute Ausrichtung zu wählen, ist es wichtig zu verstehen, wie Songs strukturiert sind.

Wenn Sie sich die Song-Annotationen ansehen, werden Sie feststellen, dass die meisten Abschnitte 8 Takte oder Takte lang sind oder 32 Takte in Songs mit 4 Takten pro Takt. Es gibt Ausnahmen, aber die meisten Musikstücke, denen Sie begegnen werden, folgen diesem Muster: Songs sind in 8-Takt- / 32-Takt-Abschnitte unterteilt. In diesen Abschnitten möchten Sie einen Song einblenden oder einen anderen ausblenden.

Richten Sie also beim Mischen die Abschnitte der beiden Songs aus und verblassen Sie dann innerhalb dieser Abschnitte ein und aus.

Beats mischen: Um eine gute Ausrichtung zu wählen, ist es wichtig zu verstehen, wie Songs strukturiert sind.

Zusätzlich zum Ausrichten von Songs in ihren Phrasenabschnitten gibt es einige Faustregeln für die Auswahl der Phrasentypen, in denen eine Überblendung durchgeführt werden soll. Es gibt viel Flexibilität, wo Sie ein Fade machen möchten, aber Sie sollten im Allgemeinen ein Fading vermeiden, wenn beide Songs Gesang haben. Intros, Refrains, Breaks, Instrumentals und Outros sind die besten Abschnitte, um ein Fade zu machen. Verse sind fast immer eine schlechte Zeit, um ein Fade zu machen.

Einige Beispiele für gute Kombinationen von Sektionstypen für eine Überblendung:

• Intro über Chorus
• Intro über Pause
• Intro über Instrumental
• Intro über Outro
• Chorus über Pause
• Chorus über Outro
• Looping

Looping: Wählen Sie den Audioabschnitt aus, den Sie loopen möchten (normalerweise 2 Takte / 8 Schläge). Sobald Sie Ihre Loop-Sektion erhalten haben, haben Sie etwas Freiheit, Ihre Songs zu mischen. Sie können im Wesentlichen Ihre eigene Pause erstellen. Dies ist hilfreich, wenn einige Songs keinen Abschnitt haben, der lang genug ist, um einen schönen Übergang zu ermöglichen. Looping hilft auch, wenn Ihnen die Zeit ausgeht. Schnappen Sie sich eine Schleife und machen Sie diesen schönen Übergang.

Cue Points: Diese können erstellt werden, um bestimmte Zeiten in einem Song zu markieren. Wo ist der erste Beat? Wo ist der Zusammenbruch? Wo kommen die Vocals ins Spiel?

Cue-Punkte können als visuelle Hinweise verwendet werden, oder wenn sie ausgelöst werden, sucht die Wiedergabe die durch den Cue-Punkt markierte Zeit. Cue-Punkte sind wichtig, weil sie Ihnen bei der Position des Songs helfen können.

Früher konnte man sich den Groove einer 12-Zoll-Single ansehen und visuell erkennen, wann verschiedene Abschnitte oder Teile eines Songs auftauchten. Sie können das nicht wirklich auf einer digitalen Musikdatei tun, also sind Cue-Points Ihre Freunde.

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