Die Kunstgeschichte zeigt, dass Künstler immer nach neuen Kunstformen und unkonventionellen Medien gesucht haben, um ihre künstlerischen Prinzipien auszudrücken. Verschiedene avantgardistische Bewegungen, die im frühen 20.Jahrhundert aufblühten, stellten die traditionelle Wahrnehmung von Kunst grundlegend in Frage. Künstler, die aus diesen progressiven Bewegungen hervorgingen, führten neue nicht-künstlerische Materialien wie Bücher, Zeitschriften, Tücher, Haushaltsgegenstände und viele andere Alltagsgegenstände als perfekte Kunstmedien ein und erklärten, dass wahre Künstler aus allem Kunstwerke machen können. So wurde Mixed Media Art geboren und markierte eine aufregende neue Ära in der Entwicklung der Kunst.
Die Entwicklung der Technologie ging Hand in Hand mit fortschrittlichen künstlerischen Konzepten und veränderte die Art und Weise, wie Kunst geschaffen und geteilt wird, so dass bahnbrechende Künstler und ihre innovativen Ausdrucksformen einen erweiterten Zugang zu ganz neuen Publikumsgruppen jenseits der konventionellen Grenzen der Kunstwelt erhalten. Wir könnten uns nur fragen, ob sich Andy Warhols umfangreiches Werk in die gleiche Richtung entwickelt hätte, wenn es nicht die Siebdrucktechnologie und die leicht verfügbaren Kameras gegeben hätte?
Heutzutage nutzen Künstler technologische Innovationen nicht nur als Assistenten in ihrem kreativen Prozess. Viele Künstler und Kunstprofis verändern die Kunstwelt, indem sie diese leistungsstarken Technologien und Werkzeuge als Kunst- und Designmedium nutzen und es ihnen ermöglichen, auffällige, immersive und äußerst ansprechende Kunstwerke zu schaffen, die neue und multidisziplinäre Mixed-Media-Kunst und -Installationen sind.
Dieser Artikel zeigt, wie die rasante Entwicklung fortschrittlicher digitaler Technologien die Kunstwelt für immer verändert und die Grenzen der Wahrnehmung und des Verständnisses von Kunst durch die Menschen erweitert hat.
Eine kurze Geschichte der digitalen Kunst
Die Idee, bildende Kunst und Technologie zu verbinden, wurde seit den 60er Jahren in Angriff genommen. Der erste Versuch, Technologie und Kunst im kreativen Prozess zusammenzubringen, führt uns ins Jahr 1967. Damals arbeitete eine Gruppe New Yorker Künstler, darunter John Cage, Robert Rauschenberg, Robert Whitman und Yvonne Rainer, mit Ingenieuren und Wissenschaftlern der weltberühmten Bell Laboratories zusammen, um bahnbrechende Performances mit neuer Technologie zu schaffen. Diese ersten Installationen und Performances, die den Einsatz von Technologie bei der Schaffung von Kunst fördern, legen einen Grundstein für die weitere Entwicklung der digitalen Kunst.
Wir haben Andy Warhol bereits als einen der einflussreichsten Künstler erwähnt, der moderne Technologien wie Video, Film und Siebdruck einsetzte, um seine Kunst sichtbarer und zugänglicher zu machen. Es ist jedoch wenig bekannt, dass Warhol auch einer der Pioniere der digitalen Kunst war. Er schuf nämlich digitale Zeichnungen auf einem Amiga-Computer, um das Computersystem und sein Softwareprogramm als Markenbotschafter für die Computerfirma Commodore International zu bewerben. All dies geschah 1985, aber Andywarhols digitale Kunstwerke gingen verloren und wurden vergessen, bis sie 2014 vom Künstler Cory Arcangel, einem in NYC lebenden Multimediakünstler und fanatischen Andy Warhol-Fan, entdeckt und geborgen wurden, um die Bilder von Mitarbeitern und Studenten des Computerclubs der Carnegie Mellon University zu finden und wiederherzustellen. Von Juli 2017 bis November 2019 stellte das Warhol Museum diese historischen Stücke von Warhols bahnbrechender digitaler Kunst mit dem Originalmedium, einem Vintage-Amiga, aus.
Die neunziger Jahre brachten das Internet und starteten die technologische Revolution. Die Menschen erkannten bald die enormen Möglichkeiten dieses virtuellen globalen Netzwerks, und die digitale Kunstszene begann zu boomen. Das Internet half zahlreichen Künstlern, ihre Kunstwerke sichtbarer zu machen und die Zugänglichkeit für ein weltweites Publikum zu erhöhen. Fortschrittliche Technologie ermöglichte es dem Künstler auch, seine Kunstwerke zu transformieren und zu manipulieren und so zu einem bedeutenden Kunstmedium zu werden.
Das neue Jahrtausend führte zahlreiche bedeutende digitale Künstler ein, die fortschrittliche Technologie nutzen, um unvergessliche Installationen und Performances zu schaffen. Wir werden einige der bedeutendsten Künstler und künstlerischen Veranstaltungen erwähnen, um Technologie als Kunstmedium zu fördern.
1. Digitale Revolution
Diese digitale Kunstausstellung, die in der Times UK als „Landmark Show“ beschrieben wird, hat verschiedene digitale Kunstformen integriert und all diese bahnbrechenden Kunstprojekte in einer Kunstgalerie versammelt, um komplizierte Verbindungen zwischen ihnen aufzudecken. Die Besucher konnten in dieser hochinteressanten und immersiven digitalen Kunstumgebung tiefe Gefühle erleben. Sie verwendeten digitale Bilder und technologische Werkzeuge, um unvergessliche Interaktionen mit den ausgestellten Kunst- und Installationsprogrammen zu schaffen. Ziel dieser künstlerischen Veranstaltung war es, „die Transformation der Kunst durch Technologie“ zu feiern, indem die bedeutendsten Autoren verschiedener digitaler Kunstgenres versammelt wurden. Die Besucher konnten die Werke und Installationen von Björk, Chris Milk, Aaron Koblin oder Rafael Lozano-Hemmer und mehr sehen und genießen.
2. Chris Milk
Er war einer der bekanntesten digitalen Künstler, der mit seinem interaktiven und sehr beliebten Projekt Treachery of the Sanctuary an der Ausstellung Digital Revolution teilnahm. Hier nutzte der Künstler die Interaktion zwischen Zuschauern und digitalen Vögeln auf Tafeln, um die Qual und Ekstase eines kreativen Prozesses zu erkunden.
Die Installation basiert auf drei Bildschirmen, die sich über einen schwarzen, reflektierenden Pool erheben. Besucher stehen vor dem ersten Bildschirm und beobachten, wie sich ihr Schatten in einen Schwarm fliegender Vögel auflöst. Dann bewegen sie sich zum nächsten Bildschirm, wo sie dieselben Vögel beobachten können, die die Überreste ihres Schattens picken. Der letzte Bildschirm zeigt, wie sich die Vögel zu Flügeln formen, die die Besucher mit den Armen bewegen können.
Neben diesem großartigen, hochgradig interaktiven, einnehmenden digitalen Kunstprojekt startete Milk ein fortlaufendes Kunstprojekt als Hommage an den legendären Johnny Cash. Die Idee ist, dass jeder Interessierte ein Porträt des „Mannes in Schwarz“ erstellt und sein Kunstwerk in ein massives Porträt mit den Kunstwerken anderer Personen integriert wird.
3. Light Echoes
Dies ist der Name eines faszinierenden digitalen Kunstprojekts, das als Ergebnis einer gemeinsamen kreativen Anstrengung von Aaron Koblin und Ben Tricklebank entstand. Sie benutzten einen riesigen Laserstrahlprojektor, den sie auf dem Dach eines Zuges platzierten, der sich durch Kalifornien bewegte. Dann projizierten sie verschiedene Materialien, darunter Gedichtstücke, auf den sternenklaren Nachthimmel und die Landschaft. Diese Projektionen hinterließen sichtbare „Echos“ auf den Spuren und wurden durch eine Langzeitbelichtung eingefangen. Dies führte zu einem außergewöhnlichen Multimedia-Erlebnis, das aufrichtige Reaktionen beim Publikum auslöst.
4. Eric Standley
Eric Standley, ein Künstler und Professor für Studiokunst an der Virginia Tech, verwendet fortschrittliche Technologie, um Buntglasfenster aus lasergeschnittenem Papier herzustellen. Er entdeckte, dass mehrere Schichten lasergeschnittenen Papiers seinen Kunstwerken eine gewisse Tiefe und dreidimensionale Wirkung verleihen, was ihn fasziniert und ihn herausfordert, kompliziertere Designs zu erstellen. Der gesamte kreative Prozess beginnt mit komplexen Zeichnungen, die Eric dann ausdruckt und mit einem Laser schneidet. Dann schichtet er die Blätter auf, um das geplante Kunstwerk zu schaffen.
Im Gegensatz zu vielen anderen verwendet Standley keine Technologie, um effizienter zu sein oder den Prozess des Kunstschaffens zu erleichtern. Er erklärte, dass er dieses Kunstmedium gerne nutzt, weil Technologie ihm hilft, seine künstlerische Vision zu erweitern und komplexere Stücke zu schaffen.
5. Yayoi Kusama
Wir haben beschlossen, diese Liste herausragender digitaler Künstler und Projekte mit einer Hommage an eine Frau zu beenden, die während einer langen und vielseitigen künstlerischen Karriere, die sich über ein halbes Jahrhundert erstreckt, viele Bereiche der Kunst beeinflusst hat. Yayoi Kusama erlebte als Kind schwere Traumata, die Halluzinationen wie bunte Lichtblitze oder eine Reihe von Punkten vor ihren Augen auslösten. Aufgrund ihrer traumatischen Kindheit und ihres frühen Lebens erlebte sie Zwangsstörungen, die sie nicht kontrollieren konnte. Sie schafft Kunst, die die Probleme, die sie durchgemacht hat, schmerzhaft widerspiegelt, und ihre Arbeit hat ihr Publikum mit ihr sympathisieren lassen.
Eine ihrer ergreifendsten Kunstinstallationen sind die „Infinity Mirror“-Räume. Diese würfelförmigen, mit Spiegeln bedeckten Räume mit Wasser auf den Böden und nur schwach flackerndem Licht stellten einen Kontrast zwischen Leben und Tod dar. Die Besucher werden dann in einen anderen Raum von ruhigem und pulsierendem Licht versetzt, in dem sie ihre Wahrnehmung von Licht und Dunkelheit kontrollieren kann. Einige Experten gaben an, dass dies die Art der Künstlerin sei, mit der Tatsache umzugehen, dass sie viele Dinge in ihrem Leben nicht kontrollieren könne.
Nicht alle Kunstperformances, die die Technologie verwenden, müssen schmerzhafte persönliche Gefühle hervorrufen, um ein dramatisches und immersives Kunsterlebnis darzustellen. Assemblance wurde beispielsweise vom Künstlerkollektiv Umbrellium geschaffen und ist eine digitale Kunstperformance, die Pinsel durch Laserstrahlen ersetzt. Diese Lichter hinterlassen farbige Spuren auf dem Boden und den Menschen, die sich durch sie bewegen. Die wesentliche Idee war, den Menschen zu zeigen, dass sie zusammenarbeiten müssen, um eine dauerhafte Form zu schaffen. Der Punkt des Autors war auch, dass der Bau von etwas Wertvollem ernsthafte Anstrengungen erforderte, die durch eine aggressive Aktion leicht zerstört werden konnten.
Fazit
All diese faszinierenden Künstler und ihre Kunstwerke beweisen, wie die fortschreitende Technologie die Kunstwelt und die Wahrnehmung von Kunst verändert. Die Technologie hat auch mehr Menschen Zugang zu den Künsten verschafft und Kunstliebhabern und Sammlern Plattformen gegeben, um ihre Kunstsammlung aufzubauen und mit anderen zu teilen. Technologien und soziale Medien haben auch die traditionelle Kunstszene revolutioniert, indem sie es den Menschen ermöglicht haben, ihre tiefsten Emotionen und Überzeugungen durch interaktive und ansprechende digitale Kunstwerke und Projekte auszudrücken.
Von KI (Künstliche Intelligenz), VR (Virtual Reality) und AR (Augmented Reality) bis hin zu digitalen Designs und 3D-Druckern haben Technologien und soziale Medien den zeitgenössischen Kunst- und Kunstmarkt auf so viele verschiedene Arten gestört und die Art und Weise verändert, wie Kunst in unserer vernetzten Welt geschaffen, konsumiert und geteilt wird. Technologie ist nicht nur ein vielseitiges und ausdrucksstarkes Kunstmedium, sondern hilft Künstlern auch, die dringend benötigte Sichtbarkeit und Belichtung ihrer Kunstwerke zu erlangen. Zahlreiche Online-Kunstplattformen helfen ihnen, ihre Arbeit zu fördern und mit der Künstlergemeinschaft in Verbindung zu bleiben.
Virtuelle Technologie bringt Meisterwerke dem Publikum näher und hilft uns, die künstlerische Vision und ihre Geschichte einer breiteren Öffentlichkeit zu verstehen. Viele weltberühmte Kunstmuseen organisieren Online-Touren, um ihre Türen für ein globales Publikum für diejenigen zu öffnen, die sonst nicht zugänglich sind. Einige Museen nutzen technologische Neuheiten, um mobile Apps zu entwickeln, die die Fragen der Besucher direkt beantworten. Wir sind gespannt, wohin uns die Anwendung fortschrittlicher Technologie in der Kunst als nächstes führen wird. Was auch immer die Zukunft bringt, wir sind sicher, dass sie weiterhin verändern wird, wie Künstler ihre kreative Kraft ausdrücken und teilen, um das Beste der Menschheit zu inspirieren und zu beeinflussen.