L’un des aspects les plus accrocheurs de toute peinture magistrale est les couleurs utilisées par l’artiste.
Tout au long de l’histoire, il y a eu de nombreux styles de peinture et divers mouvements artistiques qui se sont concentrés sur les couleurs dans différentes lumières, intensités et contrastes, mais la capacité de captiver le spectateur avec un éventail de couleurs est une compétence qui ne peut tout simplement pas être enseignée dans les écoles d’art les plus prestigieuses du monde.
Certains artistes ont marqué l’histoire de l’humanité en se taillant la réputation d’être particulièrement colorés lorsqu’il s’agit de produire des peintures.
Certaines des peintures les plus célèbres de tous les temps ont été désignées ainsi en raison de l’utilisation par l’artiste de la perspective, du réalisme et de nombreux autres éléments.
La couleur, cependant, est l’une des caractéristiques d’un véritable chef-d’œuvre qui est resté inchangé depuis l’aube de la première œuvre d’art jamais produite par l’humanité.
Dans cet article, nous discuterons de certaines des peintures colorées les plus célèbres jamais créées et examinerons plus en détail pourquoi ces œuvres sont si estimées par les amateurs d’art et les historiens.
Peintures Colorées célèbres
Jaune Rouge Bleu – Wassily Kandinsky
Wassily Kandinsky est connu comme l’un des artistes modernes les plus prolifiques de l’ère de l’art abstrait. Ses œuvres présentent certains des plus hauts niveaux de couleurs, de formes et de perspectives contrastées de tous les artistes du début du 20e siècle.
Il convient que l’œuvre qui est généralement considérée comme l’une des plus grandes peintures aux couleurs vives de tous les temps s’intitule Jaune-Rouge-Bleu.
Cette peinture a été créée par Kandinsky en 1925 et présente une combinaison intrigante des couleurs primaires connues avec certaines des formes géométriques les plus élémentaires.
La fusion de ces deux éléments est réalisée de manière magistrale par Kandinsky, qui a inclus des lignes noires épaisses et définies qui semblent amener le spectateur à se concentrer sur les couleurs et les formes spécifiques d’une manière plus approfondie que sans ces lignes.
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Cette peinture a été réalisée sur une toile massive et présente une grande variété de formes et de lignes directionnelles qui demandent au spectateur d’inspecter chaque partie de l’œuvre d’une manière totalement unique.
Malgré la grande variété de formes, de lignes et de teintes variées, Kandinsky semble avoir créé une étrange harmonie de tous ces éléments dans une seule œuvre.
Cente Blanc (Jaune, Rose et Lavande sur Rose) – Mark Rothko
L’œuvre de Mark Rothko intitulée White Center est considérée comme l’une des peintures les plus célèbres qui se concentre principalement sur les couleurs utilisées par l’artiste sur l’ensemble de la toile.
Cette peinture a été considérée comme trop simpliste à l’œil non formé et inculte, mais de nombreux spécialistes de l’art et historiens la considèrent comme l’un des plus grands chefs-d’œuvre de tous les temps qui impliquent une attention particulière aux couleurs utilisées par le peintre.
Dans cette œuvre, Rothko combine plusieurs blocs qui semblent former un type d’image en couches bordée d’une légère teinte rougeâtre sur le bord de la toile.
Les couleurs semblent se compléter d’une manière étrange, mais harmonique, quelque peu inattendue au premier regard sur le tableau.
Une inspection plus approfondie des couleurs de ce tableau et de la façon dont elles se confondent les unes avec les autres semble encourager une plus grande appréciation de leur nature complémentaire de la part du spectateur.
Château et soleil – Paul Klee
L’une des œuvres les plus uniques de notre liste de peintures colorées a été créée par Paul Klee.
Ce chef-d’œuvre de couleur de 1928 s’intitule Castle and Sun et présente un large éventail de formes composées de couleurs vives et audacieuses.
La peinture est une approche distinctive de l’art abstrait moderne qui était très populaire aux États-Unis et dans le reste du monde au début du 20e siècle.
Le soleil brillant illumine le château et le ciel au-dessus de celui-ci de manière à créer une coloration profonde et intense qui semble dominer l’ensemble de l’œuvre.
Klee était connu pour avoir créé de nombreuses œuvres qui ont vraiment son propre style de cubisme qui ne ressemble à aucun autre artiste avant ou après lui.
La peinture comprend des éléments de réalisme et de proportionnalité, mais utilise également des formes géométriques simples et directes pour souligner les aspects structurels du château lui-même et la façon dont chaque section contraste avec les autres parties de l’œuvre.
Spatule rosée – John James Audubon
John James Audubon était un peintre magistral qui a travaillé à documenter en profondeur les nombreux types de faune vivant dans et autour de divers endroits du monde, en particulier le sud de la Floride.
Cette région est connue pour sa nature tropicale et présente de vastes étendues d’oiseaux, de poissons et d’autres animaux qui arborent une combinaison animée de couleurs qui pourrait être incroyable pour ceux qui ne les avaient jamais vus de leurs propres yeux.
La peinture d’Audubon intitulée Roseate Spoonbill a été achevée en 1836 et a été créée pour capturer la beauté et l’essence de l’un des oiseaux les plus intrigants de la région.
L’artiste a obtenu un spécimen de l’oiseau et a travaillé à recréer à quoi il ressemble dans son habitat naturel, car de nombreux biologistes et autres avaient rarement vu la créature vivante.
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Le travail d’Audubon comprenait une description détaillée de l’oiseau et autant de détails qu’il pouvait trouver sur l’animal avec le tableau.
Goélettes à bois en soirée dans la baie de Penobscot – Fitz Henry Lane
Capturer l’essence naturelle de la nature captivante d’un coucher de soleil pittoresque est souvent considéré comme l’un des exploits les plus difficiles à accomplir par un peintre.
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Cependant, Lumber Schooners at Evening on Penobscot Bay est une œuvre de 1863 produite par Fitz Henry Lane qui semble reproduire glorieusement la beauté naturelle du coucher de soleil où la rivière Penobscot rencontre l’océan Atlantique.
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La capacité de Lane à mélanger la coloration pourpre profonde et illuminée du coucher de soleil avec le reste de l’œuvre est une merveille en soi.
Il a réussi à capter le dernier peu de soleil au moment où il s’estompait dans l’espace où l’horizon et la mer se rencontrent.
Château de Silex – J.M.W Tourneur
J.M.W Turner est célèbre pour ses œuvres centrées sur les voyages maritimes et les zones côtières à travers l’Europe et une grande partie du monde.
L’une de ses œuvres intitulée Flint Castle a été réalisée en 1838 et comprend l’une des représentations les plus frappantes du soleil et de son contraste avec l’eau et d’autres éléments le long du rivage.
Turner était bien connu pour sa capacité à créer des œuvres qui réussissaient à capturer la beauté du soleil et de la mer dans des peintures uniques, un exploit que certains des artistes les plus réputés du monde ont eu du mal à accomplir.
Cette aquarelle est considérée comme l’une des peintures les plus colorées jamais créées.
Gris Bleu & Cercle Noir–Rose – Georgia O’Keeffe
Peu d’artistes ont pu capturer la beauté du sud-ouest américain de la même manière que Georgia O’Keeffe.
Ses œuvres capturent de manière adéquate la beauté unique et l’essence colorée de la région qui ne ressemble à aucun autre endroit sur Terre.
Sa peinture intitulée Grey Blue & Black–Pink Circle a été créée en 1929 et semble incorporer la coloration pastel distinctive du désert du sud-ouest et la façon dont le soleil joue sur les nombreuses teintes qui se superposent le long des canyons de cette région.
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Ceci, comme tant d’autres œuvres réalisées par O’Keeffe, capture la coloration et la nature étranges et intrigantes des tribus amérindiennes et de leurs styles artistiques que l’on ne trouve que dans le sud-ouest des États-Unis.
Mendrisiotto avec l’église d’Obino – Hermann Scherer
Hermann Scherer est l’un des artistes les plus sous-estimés du mouvement expressionniste qui a créé des œuvres qui ont mis en valeur les régions de son Europe natale et des environs d’une manière vraiment distincte.
Sa peinture intitulée Mendrisiotto avec église d’Obino a été réalisée en 1926 à l’apogée de l’ère expressionniste moderne.
Cette œuvre particulière met en valeur les couleurs contrastées des bâtiments qui entourent l’église de la ville pittoresque de manière à créer une image étrangement vibrante et vraiment captivante.
Sherer était tout aussi connu pour sa capacité à sculpter des sculptures en bois et cette peinture particulière est largement considérée comme ses plus grandes réalisations en tant que peintre.
Médecine & Hygeia -Gustav Klimt
Médecine & Hygeia est une œuvre créée par Gustav Klimt en 1901 qui incorpore une large gamme de couleurs saisissantes et de beaux contrastes entre les domaines spirituel et physique.
Klimt était connu pour tâter principalement dans la forme humaine et ce travail particulier incorpore des éléments qui semblent être spirituels, ainsi que semblables à des humains.
Le tableau met en scène Hygeia, la fille mythique du dieu de la médecine qui semble tenir la capacité de guérir entre ses mains.
La peinture est remplie de références à divers dieux et déesses de différentes cultures, mais de nombreux amateurs d’art et critiques de cette période ont considéré la peinture comme une grande controverse en raison des représentations manifestes d’individus nus dans toute la toile.
Cependant, la peinture est restée l’une des œuvres les plus célèbres jamais créées par Klimt et est l’une des peintures colorées les plus célèbres de tous les temps.
Un ami dans le besoin 1903 – C M Coolidge
L’une des peintures les plus emblématiques jamais créées à l’ère moderne a été réalisée par C.M. Coolidge en 1903. L’œuvre met en scène un groupe de chiens assis autour d’une table de cartes engagés dans une partie sérieuse de poker.
L’œuvre est connue comme Un ami dans le besoin et a probablement été vue par l’observateur d’art occasionnel et presque tout le monde aux États-Unis et dans d’autres pays à un moment ou un autre car c’est l’une des peintures les plus répliquées de tous les temps.
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L’œuvre présente une curieuse combinaison de canines considérées comme très réalistes, mais en même temps, disposées de manière comique qui semble mettre l’accent sur l’aspect humoristique de la peinture car elle présente différentes races de chiens enfermées dans une partie de poker intense.