Les œuvres d’art de l’Égypte ancienne fascinent les gens depuis des milliers d’années. Les premiers artistes grecs et plus tard romains ont été influencés par les techniques égyptiennes et leur art inspirera ceux d’autres cultures jusqu’à nos jours. De nombreux artistes sont connus des périodes ultérieures, mais ceux d’Égypte sont totalement anonymes et pour une raison très intéressante: leur art était fonctionnel et créé dans un but pratique alors que l’art ultérieur était destiné au plaisir esthétique. L’art fonctionnel est une œuvre faite pour la location, appartenant à l’individu qui l’a commandée, tandis que l’art créé pour le plaisir – même s’il est commandé – permet une plus grande expression de la vision de l’artiste et donc la reconnaissance d’un artiste individuel.

Un artiste grec comme Phidias (vers 490-430 avant notre ère) a certainement compris les objectifs pratiques de la création d’une statue d’Athéna ou de Zeus, mais son objectif premier aurait été de faire une œuvre visuellement agréable, de faire de l’art tel que les gens comprennent ce mot aujourd’hui, pas de créer une œuvre pratique et fonctionnelle. Tout l’art égyptien a servi un but pratique: une statue contenait l’esprit du dieu ou du défunt; une peinture de tombe montrait des scènes de sa vie sur terre pour que son esprit puisse s’en souvenir ou des scènes du paradis que l’on espérait atteindre pour savoir comment s’y rendre; des charmes et des amulettes protégeaient des dommages; des figurines protégeaient les mauvais esprits et les fantômes en colère; des miroirs à main, des poignées de fouet, des armoires à cosmétiques servaient tous à des fins pratiques et des céramiques étaient utilisées pour boire, manger et ranger. Notes de l’égyptologue Gay Robins:

Pour autant que nous sachions, les anciens Égyptiens n’avaient aucun mot qui correspondait exactement à notre utilisation abstraite du mot « art ». Ils avaient des mots pour des types individuels de monuments que nous considérons aujourd’hui comme des exemples de l’art égyptien – « statue », « stèle », « tombe » – mais il n’y a aucune raison de croire que ces mots incluaient nécessairement une dimension esthétique dans leur sens. (12)

Bien que l’art égyptien soit très apprécié aujourd’hui et continue d’attirer les musées présentant des expositions, les anciens Égyptiens eux-mêmes n’auraient jamais pensé à leur travail de la même manière et trouveraient certainement étrange de voir ces différents types d’œuvres exposées hors contexte dans la salle d’un musée. La statuaire a été créée et placée pour une raison spécifique et il en va de même pour tout autre type d’art. Le concept d' »art pour l’art » était inconnu et, de plus, aurait probablement été incompréhensible pour un ancien Égyptien qui comprenait l’art comme fonctionnel avant tout.

Symétrie égyptienne

Cela ne veut pas dire que les Égyptiens n’avaient aucun sens de la beauté esthétique. Même les hiéroglyphes égyptiens ont été écrits avec une esthétique à l’esprit. Une phrase hiéroglyphique peut être écrite de gauche à droite ou de droite à gauche, de haut en bas ou de bas en haut, en fonction de la façon dont son choix a affecté la beauté de l’œuvre finie. En termes simples, tout travail devait être beau, mais la motivation de créer était axée sur un objectif pratique: la fonction. Malgré cela, l’art égyptien est toujours admiré pour sa beauté et cela en raison de la valeur que les anciens Égyptiens accordaient à la symétrie.

L’équilibre parfait de l’art égyptien reflète la valeur culturelle du ma’at (harmonie) qui était au cœur de la civilisation. Ma’at n’était pas seulement un ordre universel et social, mais le tissu même de la création qui a vu le jour lorsque les dieux ont fait de l’univers ordonné un chaos indifférencié. Le concept d’unité, d’unité, était ce « chaos », mais les dieux ont introduit la dualité – nuit et jour, femme et homme, obscurité et lumière – et cette dualité était régulée par ma’at.

C’est pour cette raison que les temples égyptiens, les palais, les maisons et les jardins, la statuaire et les peintures, les chevalières et les amulettes ont tous été créés avec un équilibre à l’esprit et reflètent tous la valeur de la symétrie. Les Égyptiens croyaient que leur terre avait été faite à l’image du monde des dieux, et quand quelqu’un mourait, ils allaient dans un paradis qu’ils trouveraient tout à fait familier. Quand un obélisque égyptien a été fabriqué, il a toujours été créé et élevé avec un jumeau identique et ces deux obélisques étaient censés avoir des réflexions divines, faites en même temps, au pays des dieux. Les cours du temple ont été délibérément aménagées pour refléter la création, ma’at, heka (magie) et l’au-delà avec la même symétrie parfaite que les dieux avaient initiée à la création. L’art reflétait la perfection des dieux tout en servant un but pratique au quotidien.

Progression historique

L’art égyptien est l’histoire de l’élite, de la classe dirigeante. Tout au long de la plupart des périodes historiques de l’Égypte, ceux qui avaient des moyens plus modestes ne pouvaient pas se permettre le luxe d’œuvres d’art pour raconter leur histoire et c’est en grande partie à travers l’art égyptien que l’histoire de la civilisation a été connue. Les tombes, les peintures funéraires, les inscriptions, les temples, même la plupart de la littérature, s’intéressent à la vie de la classe supérieure et ce n’est qu’en racontant ces histoires que celles des classes inférieures sont révélées. Ce paradigme était déjà défini avant l’histoire écrite de la culture. L’art commence à la période prédynastique en Égypte (c. 6000 – c. 3150 AEC) à travers des dessins rupestres et des céramiques, mais est pleinement réalisé au début de la Période dynastique (c. 3150 -c. 2613 AEC) dans la célèbre Palette de Narmer.

La Palette de Narmer (vers 3150 avant notre ère) est une plaque cérémonielle à deux faces en siltstone finement sculptée avec des scènes de l’unification de la Haute et de la Basse-Égypte par le roi Narmer. L’importance de la symétrie est évidente dans la composition qui présente les têtes de quatre taureaux (symbole de pouvoir) en haut de chaque côté et une représentation équilibrée des figures qui racontent l’histoire. L’œuvre est considérée comme un chef-d’œuvre de l’art de la Première période dynastique et montre à quel point les artistes égyptiens étaient avancés à l’époque.

Les travaux ultérieurs de l’architecte Imhotep (c. 2667-2600 AEC) sur la pyramide du roi Djoser (c. 2670 AEC) reflète à quel point les œuvres d’art ont progressé depuis la palette de Narmer. Le complexe pyramidal de Djoser est finement conçu avec des fleurs de lotus, des plantes de papyrus et des symboles djed en haut et en bas-relief et la pyramide elle-même, bien sûr, est la preuve de l’habileté égyptienne à travailler la pierre sur des œuvres monumentales.

Pendant l’Ancien Empire d’Égypte (c. 2613-2181 avant notre ère), l’art est devenu standardisé par l’élite et les figures ont été produites uniformément pour refléter les goûts de la capitale à Memphis. La statuaire de la fin du début de la période dynastique et du début de l’Ancien Empire est remarquablement similaire bien que d’autres formes d’art (peinture et écriture) montrent plus de sophistication dans l’Ancien Empire. Les plus grandes œuvres d’art de l’Ancien Empire sont les Pyramides et le Grand Sphinx de Gizeh qui subsistent encore aujourd’hui mais des monuments plus modestes ont été créés avec la même précision et la même beauté. L’art et l’architecture de l’Ancien Empire, en fait, étaient très appréciés par les Égyptiens à des époques ultérieures. Certains souverains et nobles (tels que Khaemweset, quatrième fils de Ramsès II) ont délibérément commandé des œuvres dans le style de l’Ancien Empire, même la demeure éternelle de leurs tombes.

Dans la Première Période intermédiaire de l’Égypte (2181 -2040 avant notre ère), à la suite de l’effondrement de l’Ancien Empire, les artistes ont pu exprimer plus librement des visions individuelles et régionales. L’absence d’un gouvernement central fort qui commandait des travaux signifiait que les gouverneurs de district pouvaient réquisitionner des pièces reflétant leur province d’origine. Ces différents districts ont également constaté qu’ils avaient plus de revenu disponible puisqu’ils n’envoyaient pas autant à Memphis. Plus de pouvoir économique a inspiré localement plus d’artistes à produire des œuvres dans leur propre style. La production de masse a également commencé au cours de la Première période intermédiaire, ce qui a conduit à une uniformité de l’œuvre d’une région donnée, ce qui l’a rendue à la fois distinctive mais de moindre qualité que l’œuvre de l’Ancien Empire. Ce changement se voit mieux dans la production de poupées shabti pour les objets funéraires qui étaient autrefois fabriquées à la main.

L’art s’épanouirait pendant l’Empire du Milieu de l’Égypte (2040-1782 AEC) qui est généralement considéré comme le point culminant de la culture égyptienne. La statuaire colossale a commencé pendant cette période ainsi que le grand temple de Karnak à Thèbes. L’idéalisme des représentations de l’Ancien Empire dans la statuaire et les peintures a été remplacé par des représentations réalistes et les classes inférieures sont également représentées plus souvent dans l’art qu’auparavant. L’Empire du Milieu a cédé la place à la Deuxième Période intermédiaire de l’Égypte (c. 1782 – c. 1570 avant notre ère) au cours de laquelle les Hyksôs ont occupé de vastes zones de la région du Delta tandis que les Nubiens empiétaient du sud. L’art de cette période produit à Thèbes conserve les caractéristiques de l’Empire du Milieu tandis que celui des Nubiens et des Hyksôs – qui admiraient et copiaient l’art égyptien – diffère par sa taille, sa qualité et sa technique.

Le Nouvel Empire (c. 1570 – c. 1069 avant notre ère), qui a suivi, est la période la plus connue de l’histoire de l’Égypte et a produit certaines des œuvres d’art les plus belles et les plus célèbres. Le buste de Néfertiti et le masque mortuaire doré de Toutankhamon datent tous deux de cette époque. L’art du Nouvel Empire se définit par une vision et une technique de haute qualité dues en grande partie à l’interaction de l’Égypte avec les cultures voisines. C’était l’époque de l’empire égyptien et les techniques de travail des métaux des Hittites – qui étaient maintenant considérés comme des alliés sinon des égaux – ont grandement influencé la production d’artefacts funéraires, d’armes et d’autres œuvres d’art.

Après le Nouvel Empire, la Troisième Période intermédiaire (c. 1069-525 AEC) et la période tardive de l’Égypte ancienne (525-332 AEC) ont tenté avec plus ou moins de succès de poursuivre le niveau élevé de l’art du Nouvel Empire tout en évoquant les styles de l’Ancien Empire dans un effort pour reprendre la stature déclinante de l’Égypte. L’influence perse à la fin de la période est remplacée par les goûts grecs pendant la dynastie Ptolémaïque (323-30 AEC) qui tente également de suggérer les normes de l’Ancien Empire avec la technique du Nouvel Empire et ce paradigme persiste dans l’Égypte romaine (30 AEC – 646 CE) et la fin de la culture égyptienne.

Types d’Art, Détail, & Symbole

Au cours de toutes ces époques, les types d’art étaient aussi nombreux que les besoins humains, les ressources pour les fabriquer et la capacité de les payer. Les riches d’Égypte avaient des miroirs à main ornés, des étuis et des jarres à cosmétiques, des bijoux, des fourreaux décorés pour les couteaux et les épées, des arcs complexes, des sandales, des meubles, des chars, des jardins et des tombes. Chaque aspect de chacune de ces créations avait une signification symbolique. De la même manière, le motif du taureau sur la palette de Narmer symbolisait le pouvoir du roi, de sorte que chaque image, chaque dessin, chaque ornementation ou chaque détail signifiait quelque chose en rapport avec son propriétaire.

Le trône d’or de Toutankhamon (c. 1336 – c. 1327 avant notre ère) représente le jeune roi avec sa femme Ankhsenamon. Le couple est représenté dans un moment domestique calme alors que la reine frotte de la pommade sur le bras de son mari alors qu’il est assis sur une chaise. Leur relation étroite est établie par la couleur de leur peau, qui est la même. Les hommes sont généralement représentés avec une peau rougeâtre car ils passaient plus de temps à l’extérieur tandis qu’une couleur plus claire était utilisée pour la peau des femmes car elles étaient plus aptes à rester à l’abri du soleil. Cette différence dans la nuance des tons de peau ne représentait pas l’égalité ou l’inégalité, mais était simplement une tentative de réalisme.

Dans le cas du trône de Toutankhamon, cependant, la technique est utilisée pour exprimer un aspect important de la relation du couple. D’autres inscriptions et œuvres d’art montrent clairement qu’ils ont passé la plupart de leur temps ensemble et l’artiste l’exprime à travers leurs tons de peau partagés; Ankhésenamon est tout aussi bronzé que Toutankhamon. Le rouge utilisé dans cette composition représente également la vitalité et l’énergie de leur relation. Les cheveux du couple sont bleus, symbolisant la fertilité, la vie et la renaissance, tandis que leurs vêtements sont blancs, représentant la pureté. L’arrière-plan est doré, la couleur des dieux, et tous les détails complexes, y compris les couronnes que portent les personnages et leurs couleurs, ont tous leur propre signification spécifique et vont raconter l’histoire du couple en vedette.

Une épée ou un étui à cosmétiques a été conçu et créé avec le même objectif en tête: raconter des histoires. Même le jardin d’une maison racontait une histoire: au centre se trouvait une piscine entourée d’arbres, de plantes et de fleurs qui, à leur tour, étaient entourées d’un mur et l’on entrait dans le jardin depuis la maison par un portique de colonnes décorées. Tout cela aurait été arrangé avec soin pour raconter une histoire importante pour le propriétaire. Bien que les jardins égyptiens aient disparu depuis longtemps, des modèles faits d’eux comme objets funéraires ont été trouvés qui montrent le grand soin qui a été apporté à les exposer sous forme narrative.

Dans le cas du noble Meket-Ra de la 11ème dynastie, le jardin a été conçu pour raconter l’histoire du voyage de la vie au paradis. Les colonnes du portique avaient la forme de fleurs de lotus, symbolisant sa maison en Haute-Égypte, la piscine au centre représentait le lac de Lys que l’âme devait traverser pour atteindre le paradis, et le mur du jardin éloigné était décoré de scènes de l’au-delà. Chaque fois que Meket-Ra s’asseyait dans son jardin, on lui rappelait la nature de la vie comme un voyage éternel et cela lui donnerait très probablement une perspective sur toutes les circonstances qui pourraient être troublantes pour le moment.

Techniques

Les peintures sur les murs de Meket-Ra auraient été réalisées par des artistes mélangeant des couleurs à base de minéraux naturels. Le noir était fabriqué à partir de carbone, le rouge et le jaune à partir d’oxydes de fer, le bleu et le vert à partir d’azurite et de malachite, le blanc à partir de gypse, etc. Les minéraux seraient mélangés avec de la matière organique broyée à différentes consistances, puis mélangés avec une substance inconnue (éventuellement des blancs d’œufs) pour la rendre collante afin qu’elle adhère à une surface. La peinture égyptienne était si durable que de nombreuses œuvres, même celles qui ne sont pas protégées dans les tombes, sont restées vibrantes après plus de 4 000 ans.

Bien que les murs des maisons, des jardins et des palais soient généralement décorés de peintures plates en deux dimensions, les murs des tombes, des temples et des monuments utilisent des reliefs. Il y avait des hauts-reliefs (dans lesquels les figures se détachent du mur) et des bas-reliefs (où les images sont sculptées dans le mur). Pour les créer, la surface du mur serait lissée avec du plâtre qui a ensuite été poncé. Un artiste créerait une œuvre en miniature, puis dessinerait des lignes de grille dessus et cette grille serait ensuite dessinée sur le mur. En utilisant la plus petite œuvre comme modèle, l’artiste serait en mesure de reproduire l’image dans les proportions correctes sur le mur. La scène serait d’abord dessinée puis décrite à la peinture rouge. Les corrections apportées à l’œuvre seraient notées, éventuellement par un autre artiste ou superviseur, à la peinture noire et, une fois celles-ci prises en charge, la scène était sculptée et peinte.

La peinture était également utilisée sur les statues en bois, en pierre ou en métal. Le travail de la pierre s’est développé au début de la période dynastique en Égypte et s’est perfectionné au fil des siècles. Un sculpteur travaillerait à partir d’un seul bloc de pierre avec un ciseau en cuivre, un maillet en bois et des outils plus fins pour les détails. La statue serait ensuite lissée avec un chiffon à frotter. La pierre pour une statue a été choisie, comme pour tout le reste de l’art égyptien, pour raconter sa propre histoire. Une statue d’Osiris, par exemple, serait faite de schiste noir pour symboliser la fertilité et la renaissance, toutes deux associées à ce dieu particulier.

Les statues en métal étaient généralement petites et faites de cuivre, de bronze, d’argent et d’or. L’or était particulièrement populaire pour les amulettes et les figures de sanctuaire des dieux car on croyait que les dieux avaient la peau dorée. Ces figures ont été réalisées par coulée ou travail de tôle sur bois. Des statues en bois ont été sculptées à partir de différents morceaux d’arbres, puis collées ou chevillées ensemble. Les statues de bois sont rares mais un certain nombre ont été conservées et font preuve d’une grande habileté.

Des coffres à cosmétiques, des cercueils, des maquettes de bateaux et des jouets ont été fabriqués de la même manière. Les bijoux étaient généralement façonnés en utilisant la technique dite cloisonnée dans laquelle de fines bandes de métal sont incrustées à la surface de l’œuvre, puis cuites dans un four pour les forger ensemble et créer des compartiments qui sont ensuite détaillés de bijoux ou de scènes peintes. Parmi les meilleurs exemples de bijoux cloisonnés figure le pendentif de l’Empire du Milieu donné par Senusret II (c. 1897-1878 AEC) à sa fille. Cette œuvre est façonnée de fins fils d’or attachés à un support en or massif incrusté de 372 pierres semi-précieuses. Le cloisonné était également utilisé pour fabriquer des pectoraux pour le roi, des couronnes, des coiffes, des épées, des poignards de cérémonie et des sarcophages, entre autres.

Conclusion

Bien que l’art égyptien soit admiré, il a été critiqué pour son manque de raffinement. Les critiques affirment que les Égyptiens ne semblent jamais avoir maîtrisé la perspective car il n’y a pas d’interaction de lumière et d’ombre dans les compositions, elles sont toujours en deux dimensions et les figures sont sans émotion. La statuaire représentant des couples, soutient-on, ne montre aucune émotion sur les visages et il en va de même pour les scènes de bataille ou les statues d’un roi ou d’une reine.

Ces critiques ne reconnaissent pas la fonctionnalité de l’art égyptien. Les Égyptiens ont compris que les états émotionnels sont transitoires; on n’est pas toujours heureux, triste, en colère, content tout au long d’une journée donnée et encore moins éternellement. Les œuvres d’art présentent des personnes et des divinités formellement sans expression car on pensait que l’esprit de la personne aurait besoin de cette représentation pour vivre dans l’au-delà. Le nom et l’image d’une personne devaient survivre sous une forme ou une autre sur terre pour que l’âme puisse continuer son voyage. C’était la raison de la momification et des rituels funéraires égyptiens élaborés: l’esprit avait besoin d’une sorte de « balise » à laquelle retourner lorsqu’il visitait la terre pour se nourrir dans la tombe.

L’esprit pourrait ne pas reconnaître une statue d’une version en colère ou jubilatoire d’eux-mêmes, mais reconnaîtrait leurs traits guindés et complaisants. Le manque d’émotion est lié au but éternel de l’œuvre. Les statues étaient faites pour être vues de face, généralement le dos contre un mur, afin que l’âme reconnaisse facilement leur ancien moi et cela était également vrai des dieux et des déesses qui vivaient dans leurs statues.

La vie n’était qu’une petite partie d’un voyage éternel vers les anciens Égyptiens et leur art reflète cette croyance. Une statue ou un étui à cosmétiques, une peinture murale ou une amulette, quelle que soit la forme de l’œuvre, elle a été conçue pour durer bien au-delà de la vie de son propriétaire et, plus important encore, raconter l’histoire de cette personne tout en reflétant les valeurs et les croyances égyptiennes dans leur ensemble. L’art égyptien a bien servi cet objectif, car il continue de raconter son histoire depuis des milliers d’années.