美術史は、アーティストが芸術的原則を表現するために常に新しいアートフォームと型破りな媒体を模索してきたことを示しています。 20世紀初頭に急増し始めた様々な前衛的な動きは、伝統的な芸術の認識に根本的に挑戦しました。 これらの進歩的な動きから出てくるアーティストは、真のアーティストが何から作品を作ることができると述べ、完璧な芸術媒体として本、雑誌、布、家庭用品、および他の多くの日常のオブジェクトのような新しい非芸術的な材料を導入しました。 これがミックスメディアアートの誕生であり、芸術の進化に刺激的な新しい時代を迎えました。

技術の発展は、進歩的な芸術的概念と手をつないで歩いて続けており、アートの創造と共有の方法を変え、画期的なアーティストとその革新的な表現が、アート界の従来の境界を超えて全く新しい観客グループへのアクセスを拡大することを可能にしました。 私たちは、それがシルクスクリーン印刷技術と容易に利用可能なカメラのためではなかった場合、アンディ*ウォーホルの広大な全作品は、同じ方向に開発していたかどうかを自問することができますか？

今日、芸術家は創造的なプロセスの助手としてだけ技術革新を使用しません。 多くのアーティストやアートの専門家は、彼らが新しいと学際的な混合メディアアートやインスタレーションである印象的な没入型、そして非常に魅力的な

この記事では、高度なデジタル技術の急速な発展が、人々の芸術に対する認識と理解の境界を押し広げ、芸術の世界を永遠に変えた方法を紹介します。

デジタルアートの短い歴史

人々は60年代からビジュアルアートとテクノロジーを融合させるという考えに取り組み始めました。 当時、ジョン-ケージ、ロバート-ラウシェンバーグ、ロバート-ホイットマン、イヴォンヌ-ライナーなどのニューヨークのアーティストのグループは、世界的に有名なベル研究所のエンジニアや科学者と協力して、新しい技術を取り入れた画期的なパフォーマンスを生み出しました。 アートの創造における技術の使用を促進するこれらの最初のインストールとパフォーマンスは、さらなるデジタルアートの発展のための礎石を設定します。

アンディ-ウォーホルは、ビデオ、映画、スクリーン印刷などの近代的な技術を使用して、彼の芸術をより見やすく、アクセスしやすくした最も影響力のあるアーテ しかし、ウォーホルはまた、デジタルアートの先駆者の一人であったことはあまり知られていない事実です。 すなわち、Amigaコンピュータ上でデジタル図面を作成し、コンピュータ会社コモドール-インターナショナルのブランドアンバサダーとしてコンピュータシステムとそのソフトウェアプログラムを宣伝した。 このすべては1985年に起こったが、アンディ-ウォーホルのデジタルアート作品は、カーネギーメロン大学のコンピュータクラブのスタッフと学生メンバーによる画像を見つけて復元しようとする試みで、ニューヨークを拠点とするマルチメディアアーティストで狂信的なアンディ-ウォーホルのファンであるアーティストCory Arcangelによって発見され、回収された2014年まで失われ、忘れられていた。 2017年7月から2019年11月まで、ウォーホル博物館は、オリジナルのメディア、ヴィンテージAmigaを使用してウォーホルの画期的なデジタルアートのこれらの歴史的な作品を展示しました。

90年代はインターネットをもたらし、技術革命を開始しました。 人々はすぐにこの仮想グローバルネットワークの広大な可能性を認識し、デジタルアートシーンが活況を呈し始めました。 インターネットは多くの芸術家が彼らのアートワークをより目に見えるようにし、世界的な聴衆 高度な技術はまた、このように重要な芸術媒体になって、彼らのアートワークを変換し、操作するために芸術家を可能にしました。

新しいミレニアムは、思い出に残るインスタレーションやパフォーマンスを作るために高度な技術を使用して数多くの重要なデジタ 私たちは、芸術媒体としての技術を促進するために、最も重要なアーティストや芸術的なイベントのいくつかを言及します。

1. デジタル革命

このデジタルアート展は、タイムズ英国で”ランドマークショー”と呼ばれ、多様なデジタルアート形式を取り入れ、アートギャラリー内にこれらの画期的なアートプロジェクトのすべてを集め、それらの間の複雑なつながりを明らかにしました。 来場者は、この非常に魅力的で没入型のデジタルアート環境の中で深い感情を体験することができました。 彼らは、デジタル画像や技術ツールを使用して、展示されたアートやインスタレーションプログラムとの思い出に残る相互作用を作成しました。 この芸術イベントの目的は、様々なデジタルアートジャンルの中で最も重要な作家を集めることによって、”技術による芸術の変容”を祝うことでした。 訪問者はビョーク、クリスミルク、アーロン*コブリン、またはラファエル*ロザノ*ヘマーなどの作品やインスタレーションを見て、楽しむことができました。

2. クリスミルク

彼は彼のインタラクティブで非常に人気のあるプロジェクトTreachery Of The Sanctuaryでデジタル革命展に参加した最も著名なデジタルアーティストの一人でした。 ここでは、アーティストは、創造的なプロセスの苦しみとエクスタシーを探求するためにパネル上の観客とデジタル鳥の間の相互作用を使用しました。

インスタレーションは、黒の反射プールの上に上がる三つのスクリーンに基づいています。 訪問者は最初の画面の前に立って、彼らの影が飛んでいる鳥の群れに崩壊するのを見ます。 その後、彼らは彼らの影の残骸をつつい同じ鳥を観察することができ、次の画面に移動します。 最後の画面は、訪問者が腕を振って移動することができる翼に鳥がどのように形成されているかを示しています。

この壮大でインタラクティブ性の高い魅力的なデジタルアートプロジェクトとは別に、ミルクは伝説のジョニー-キャッシュへのオマージュとして進行中のアートプロジェクトを開始した。 興味のある人は誰でも”黒い男”の肖像画を作り、彼らの作品は他の人のアートワークと一緒に大規模な肖像画に組み込まれるという考えです。

3. Light Echoes

これは、Aaron KoblinとBen Tricklebankの共同で創造的な努力の結果として生まれた魅力的なデジタルアートプロジェクトの名前です。 彼らは巨大なレーザービームプロジェクターを使ってカリフォルニアを通って移動する列車の屋根の上に置いた。 その後、詩の作品を含む様々な資料を星空や風景に投影しました。 これらの投影は、トレイルに目に見える”エコー”を残し、彼らは長時間露光によってキャプチャされました。 これは聴衆の誠実な反作用を促す異常なマルチメディアの経験で起因した。

4. Eric Standley

Virginia Techのアーティストでスタジオアートの教授であるEric Standleyは、レーザーカット紙からステンドグラスの窓を作成するために高度な技術を使用しています。 彼は、レーザーカット紙の複数の層が彼の作品に一定の深さと三次元効果を提供することを発見し、彼を魅了し、より複雑なデザインを作成するために彼 全体の創造的なプロセスは、エリックは、その後、印刷し、レーザーでカット複雑な図面から始まります。 彼はその後、芸術の想定された作品を作成するために紙のシートを重ねます。

多くの人とは対照的に、Standleyは技術をより効率的にしたり、芸術を創造するプロセスを緩和したりするために使用していません。 彼は、技術が彼の芸術的ビジョンを広げ、より複雑な作品を作成するのを助けているので、彼はこの芸術媒体を使用して楽しんでいると述べました。

5. 草間彌生

半世紀以上にわたる長く多彩な芸術的キャリアの中で多くの芸術分野に影響を与えた女性に敬意を表して、この優れたデジタルアーティスト 草間彌生は、子供の頃に重度のトラウマを経験し、カラフルな光の点滅や目の前のドットの配列のような幻覚を引き起こしました。 彼女の外傷性の幼年期および早い生命のために、彼女は彼女が制御できなかった強迫的なエピソードを経験し始めた。 彼女は痛みを伴う彼女が経験したトラブルを反映したアートを作成し、彼女の作品は彼女の聴衆に彼女に共感させました。

彼女の最も痛烈なアートインスタレーションの一つは、”無限の鏡”の部屋です。 床に水を入れた鏡で覆われた立方体の部屋と、かすかなちらつきの光だけが、生と死のコントラストを示しました。 訪問者は、その後、彼女は光と闇の彼らの知覚を制御することができる静かで脈動光の別のスペースに転送されます。 いくつかの専門家は、これは彼女が彼女の人生で多くのものを制御することができなかったという事実に対処するアーティストの方法であったと述

技術を使用するすべての芸術公演は、劇的で没入型の芸術体験を表現するために痛みを伴う個人的な感情を呼び起こす必要はありません。 例えば、アーティスト集団Umbrelliumによって作成されたAssemblanceは、レーザービームでペイントブラシを置き換えるデジタルアートパフォーマンスです。 これらのライトは地面およびそれらを通って動いている人々に着色された印を残す。 必要な考えは不変の形を作成するために一緒に働かなければならないこと人々を示すことだった。 著者のポイントは、貴重なものを構築するには、一つの積極的な行動によって容易に破壊される可能性のある深刻な努力が必要であるというこ

結論

これらの魅力的なアーティストとそのアートワークは、技術の進歩が芸術の世界と芸術の認識をどのように変えているかを証明しています。 技術はまた、彼らのアートコレクションを構築し、他の人と共有するために芸術愛好家やコレクターのプラットフォームを与え、より多くの人々が芸術 技術とソーシャルメディアはまた、人々がインタラクティブで非常に魅力的なデジタルアート作品やプロジェクトを通じて彼らの最も深い感情や信念を表現することができるようにすることによって、伝統的なアートシーンに革命をもたらしました。

AI（人工知能）、VR（仮想現実）、AR（拡張現実）からデジタルデザイン、3Dプリンターまで、テクノロジーとソーシャルメディアは、現代美術とアート市場をさまざまな形で混乱させ、私たちのつながりのある世界でアートがどのように創造され、消費され、共有されるかを変えてきました。 汎用性と表現力豊かな芸術媒体であることに加えて、技術は、アーティストが芸術の彼らの作品のために大いに必要な可視性と露出を得るのに役立 数多くのオンラインアートプラットフォームは、彼らが自分の仕事を促進し、芸術コミュニティとの接続を維持するのに役立ちます。

仮想技術は傑作を聴衆に近づけ、芸術的ビジョンとその歴史をより広範な人々に理解させるのに役立ちます。 多くの世界的に有名な美術館は、そうでなければアクセスできない人のための世界的な観客に彼らの扉を開くためにオンライ いくつかの博物館は、右の自分の指先で訪問者の質問に答えるモバイルアプリを開発するために技術的なノベルティを使用しています。 私たちは、芸術における高度な技術の適用が次に私たちを取るために起こっている場所を確認するために興奮しています。 未来が何であれ、我々はそれがアーティストが表現し、人類の最高を鼓舞し、影響を与えるために彼らの創造力を共有する方法を変換し続けることを確