advertenties verwijderen

advertentie

“art for art’ s sake ” was unknown & zou waarschijnlijk onbegrijpelijk zijn geweest voor een oud-Egyptenaar die kunst als functioneel beschouwde boven alles.Hoewel de Egyptische kunst tegenwoordig hoog gewaardeerd wordt en een grote aantrekkingskracht blijft uitoefenen op musea met exposities, zouden de oude Egyptenaren zelf nooit op deze manier over hun werk hebben nagedacht en het zeker vreemd vinden om deze verschillende soorten werken uit hun context te zien in een museumzaal. Beeldhouwwerk is gemaakt en geplaatst om een specifieke reden en hetzelfde geldt voor elke andere vorm van kunst. Het concept van “kunst omwille van de kunst” was onbekend en, verder, zou waarschijnlijk onbegrijpelijk zijn geweest voor een oude Egyptenaar die kunst als functioneel boven alles begreep.

Egyptische symmetrie

dit wil niet zeggen dat de Egyptenaren geen gevoel voor esthetische schoonheid hadden. Zelfs Egyptische hiërogliefen werden geschreven met esthetiek in het achterhoofd. Een hiërogliefzin kan van links naar rechts of Van rechts naar links worden geschreven, van boven naar beneden of van onder naar boven, geheel afhankelijk van hoe iemands keuze de schoonheid van het voltooide werk beïnvloedde. Simpel gezegd, elk werk moest mooi zijn, maar de motivatie om te creëren was gericht op een praktisch doel: functie. Toch wordt de Egyptische kunst consequent bewonderd om zijn schoonheid en dit komt door de waarde van de oude Egyptenaren geplaatst op symmetrie.

de perfecte balans in de Egyptische kunst weerspiegelt de culturele waarde van ma ‘ at (harmonie) die centraal stond in de beschaving. Ma ‘ at was niet alleen de universele en sociale orde maar ook het weefsel van de schepping dat tot stand kwam toen de goden het geordende universum maakten uit ongedifferentieerde chaos. Het concept van eenheid, van eenheid, was deze ‘chaos’ maar de goden introduceerden dualiteit – nacht en dag, vrouwelijk en Mannelijk, donker en licht – en deze dualiteit werd gereguleerd door ma ‘ at.

het is om deze reden dat Egyptische tempels, paleizen, huizen en tuinen, beeldhouwwerken en schilderijen, zegelringen en amuletten werden gemaakt met evenwicht in het achterhoofd en alle weerspiegelen de waarde van symmetrie. De Egyptenaren geloofden dat hun land was gemaakt naar het beeld van de wereld van de goden, en toen iemand stierf, gingen ze naar een paradijs dat ze heel bekend zouden vinden. Wanneer een Egyptische obelisk werd gemaakt werd het altijd gemaakt en opgevoed met een identieke tweeling en deze twee obelisken werden verondersteld goddelijke reflecties te hebben, gemaakt op hetzelfde moment, in het land van de goden. Tempelhoven werden doelbewust aangelegd om de schepping, ma ‘ at, heka (magie) en het hiernamaals te weerspiegelen met dezelfde perfecte symmetrie die de goden hadden geïnitieerd bij de schepping. Kunst weerspiegelde de volmaaktheid van de goden en diende tegelijkertijd dagelijks een praktisch doel.

Historische progressie

de kunst van Egypte is het verhaal van de elite, de heersende klasse. Gedurende het grootste deel van de historische perioden van Egypte die van meer bescheiden middelen kon niet veroorloven de luxe van kunstwerken om hun verhaal te vertellen en het is grotendeels door de Egyptische kunst dat de geschiedenis van de beschaving is gekomen om bekend te worden. De graven, grafschilderingen, inscripties, tempels, zelfs het grootste deel van de literatuur, gaat over het leven van de hogere klasse en alleen door het vertellen van deze verhalen zijn die van de lagere klassen onthuld. Dit paradigma was al ingesteld vóór de geschreven geschiedenis van de cultuur. Kunst begint in de Predynastische periode in Egypte (ca. 6000 – CA. 3150 v. Chr.) door middel van rotstekeningen en keramiek maar wordt volledig gerealiseerd door de vroege dynastieke periode (ca. 3150 – CA. 2613 v. Chr.) in het beroemde Narmer palet.Het Narmer palet (3150 v. Chr.) is een tweezijdige ceremoniële plaat van siltstone die ingewikkeld is gesneden met scènes van de eenwording van boven-en Neder-Egypte door Koning Narmer. Het belang van symmetrie is duidelijk in de compositie die de hoofden van vier stieren (een symbool van macht) aan de bovenkant van elke kant en evenwichtige vertegenwoordiging van de figuren die het verhaal vertellen. Het werk wordt beschouwd als een meesterwerk van de vroege dynastieke Periode Kunst en laat zien hoe geavanceerde Egyptische kunstenaars waren op het moment.

het latere werk van de architect Imhotep (CA. 2667-2600 v. Chr.) op de piramide van Koning Djoser (ca. 2670 v. Chr.) weerspiegelt hoe ver kunstwerken waren gevorderd sinds het Narmer palet. Djosers piramidecomplex is ingewikkeld ontworpen met lotusbloemen, papyrusplanten en djed-symbolen in hoog-en laagreliëf en de piramide zelf is natuurlijk het bewijs van de Egyptische vaardigheid in het werken in steen aan monumentale kunstwerken.Tijdens het oude Koninkrijk Egypte (ca. 2613-2181 v.Chr.) werd de kunst gestandaardiseerd door de elite en werden figuren uniform geproduceerd om de smaak van de hoofdstad van Memphis te weerspiegelen. Beeldhouwwerk van de late vroege dynastieke en vroeg-oude Koninkrijk periodes is opmerkelijk vergelijkbaar, hoewel andere kunstvormen (schilderen en schrijven) tonen meer verfijning in het oude Koninkrijk. De grootste kunstwerken van het oude Koninkrijk zijn de piramides en de Grote Sfinx van Gizeh die nog steeds staan vandaag, maar meer bescheiden monumenten werden gemaakt met dezelfde precisie en schoonheid. Oude Koninkrijk Kunst en architectuur, in feite, werd zeer gewaardeerd door Egyptenaren in latere tijdperken. Sommige heersers en edelen (zoals Khaemweset, vierde zoon van Ramses II) gaven doelbewust opdracht tot werken in de stijl van het oude koninkrijk, zelfs het eeuwige Huis van hun graven. In de eerste tussenperiode van Egypte (2181 -2040 v.Chr.), na de ineenstorting van het oude Koninkrijk, waren kunstenaars in staat om individuele en regionale visies vrijer uit te drukken. Het ontbreken van een sterke centrale overheid opdrachtgevend werken betekende dat district gouverneurs stukken konden vorderen die hun thuis provincie. Deze verschillende districten vonden ook dat ze meer besteedbaar inkomen hadden omdat ze niet zoveel naar Memphis stuurden. Meer economische macht lokaal inspireerde meer kunstenaars om werken te produceren in hun eigen stijl. De massaproductie begon ook tijdens de eerste tussenperiode en dit leidde tot een uniformiteit in het kunstwerk van een bepaalde regio, waardoor het tegelijkertijd onderscheidend maar van mindere kwaliteit was dan het werk uit het oude Koninkrijk. Deze verandering kan het best worden gezien in de productie van shabti poppen voor grafgoederen die vroeger met de hand werden gemaakt.

kunst zou bloeien tijdens het Midden Koninkrijk van Egypte (2040-1782 v. Chr.) die over het algemeen wordt beschouwd als het hoogtepunt van de Egyptische cultuur. Kolossale beeldhouwwerken begonnen tijdens deze periode, evenals de Grote Tempel van Karnak in Thebe. Het idealisme van oude Koninkrijksvoorstellingen in beeldhouwwerken en schilderijen werd vervangen door realistische voorstellingen en de lagere klassen worden ook vaker in de kunst dan voorheen vertegenwoordigd. Het Middenrijk maakte plaats voor de tweede tussenperiode van Egypte (ca. 1782 – ca. 1570 v.Chr.) waarin de Hyksos grote delen van het Deltagebied bezaten terwijl de Nubiërs vanuit het zuiden binnendrongen. Kunst uit deze periode geproduceerd in Thebe behoudt de kenmerken van het Middenrijk, terwijl die van de Nubiërs en Hyksos – die beiden bewonderd en gekopieerd Egyptische kunst – verschilt in grootte, kwaliteit en techniek.De kunst van het nieuwe koninkrijk wordt gedefinieerd door de techniek van hoge kwaliteit in visie &, die grotendeels te danken is aan de interactie van Egypte met naburige culturen.Het nieuwe Koninkrijk (ca. 1570-CA. 1069 v. Chr.) is de bekendste periode uit de geschiedenis van Egypte en produceerde enkele van de mooiste en beroemdste kunstwerken. De buste van Nefertiti en het gouden dodenmasker van Toetanchamon komen beide uit deze tijd. New Kingdom kunst wordt gedefinieerd door hoge kwaliteit in visie en techniek grotendeels te wijten aan de interactie van Egypte met naburige culturen. Dit was het tijdperk van het Egyptische rijk en de metaalbewerkingstechnieken van de Hettieten – die nu als bondgenoten of als gelijken werden beschouwd – hadden een grote invloed op de productie van begrafenisartefacten, wapens en ander kunstwerk.

na het nieuwe Koninkrijk, de derde tussenperiode (CA. 1069-525 v. Chr.) en de Late periode van het oude Egypte (525-332 v. Chr.) probeerden met min of meer succes de hoge standaard van de nieuwe Koninkrijk Kunst voort te zetten, terwijl ze ook oude Koninkrijk stijlen opriepen in een poging om de afnemende status van Egypte te heroveren. Perzische invloed in de Late periode wordt vervangen door Griekse smaken tijdens de Ptolemaeïsche dynastie (323-30 v.Chr.) die ook probeert om de oude Koninkrijk normen met nieuwe Koninkrijk techniek suggereren en dit paradigma blijft in het Romeinse Egypte (30 v. Chr. – 646 v. Chr.) en het einde van de Egyptische cultuur.

soorten kunst, Detail, & symbool

in al deze tijdperken waren de soorten kunst even talrijk als de menselijke behoefte, de middelen om ze te maken en de mogelijkheid om ervoor te betalen. De rijken van Egypte hadden sierlijke handspiegels, cosmetische koffers en potten, Sieraden, versierde schede voor messen en zwaarden, ingewikkelde bogen, sandalen, meubels, strijdwagens, tuinen en graven. Elk aspect van een van deze creaties had symbolische betekenis. Op dezelfde manier symboliseerde het stiermotief op het Narmer-palet de macht van de koning, dus betekende elk beeld, ontwerp, versiering of detail iets met betrekking tot de eigenaar.Een van de meest voor de hand liggende voorbeelden hiervan is de gouden troon van Toetanchamon (ca. 1336-CA.1327 v.Chr.), die de jonge koning met zijn vrouw Akhsenamon afbeeldt. Het paar wordt vertegenwoordigd in een rustig huiselijk moment als de koningin is wrijven zalf op de arm van haar man als hij zit in een stoel. Hun nauwe relatie wordt vastgesteld door de kleur van hun huid, die hetzelfde is. Mannen worden meestal afgebeeld met roodachtige huid, omdat ze meer tijd buitenshuis, terwijl een lichtere kleur werd gebruikt voor de huid van vrouwen als ze meer geschikt waren om uit de zon te blijven. Dit verschil in de tint van huidtinten vertegenwoordigde geen gelijkheid of ongelijkheid, maar was gewoon een poging tot realisme.

in het geval van Toetanchamons troon wordt deze techniek echter gebruikt om een belangrijk aspect van de relatie van het echtpaar tot uitdrukking te brengen. Andere inscripties en kunstwerken maken duidelijk dat ze het grootste deel van hun tijd samen doorbrachten en de kunstenaar drukt dit uit door hun gedeelde huidtinten; Ankhesenamun is net zo zongebruind als Toetanchamon. Het rood dat in deze samenstelling wordt gebruikt, vertegenwoordigt ook vitaliteit en de energie van hun relatie. Het haar van het echtpaar is blauw, symboliseert vruchtbaarheid, leven en wedergeboorte terwijl hun kleding wit is, wat zuiverheid vertegenwoordigt. De achtergrond is goud, de kleur van de goden, en alle van de ingewikkelde details, met inbegrip van de kronen de cijfers dragen en hun kleuren, hebben allemaal hun eigen specifieke betekenis en ga naar het verhaal van de aanbevolen paar te vertellen.

een zwaard of een cosmetische koffer werd ontworpen en gemaakt met hetzelfde doel voor ogen: het vertellen van verhalen. Zelfs de tuin van een huis vertelde een verhaal: in het centrum was een zwembad omringd door bomen, planten en bloemen die, op hun beurt, werden omringd door een muur en men ging de tuin van het huis door een portiek van versierde kolommen. Al deze zouden zorgvuldig zijn geregeld om een verhaal te vertellen dat belangrijk was voor de eigenaar. Hoewel Egyptische tuinen zijn al lang verdwenen, modellen gemaakt van hen als graf goederen zijn gevonden die de grote zorg die ging in het leggen van hen in verhalende vorm tonen.

in het geval van de edele Meket-Ra van de 11e dynastie, werd de tuin ontworpen om het verhaal van de reis van het leven naar het paradijs te vertellen. De zuilen van de portiek waren gevormd als lotusbloesems, symboliserend zijn huis in Opper-Egypte, de Poel in het centrum vertegenwoordigde Leliemeer dat de ziel zou moeten oversteken om het paradijs te bereiken, en de verre tuinmuur was versierd met scènes uit het hiernamaals. Iedere keer dat Meket-Ra in zijn tuin zat, werd hij herinnerd aan de aard van het leven als een eeuwige reis en dit zou hem hoogstwaarschijnlijk perspectief geven op welke omstandigheden hem op dit moment zouden kunnen verontrusten.

technieken

de schilderijen op de muren van Meket-Ra zouden gemaakt zijn door kunstenaars die kleuren mengen die gemaakt zijn van natuurlijk voorkomende mineralen. Zwart werd gemaakt van koolstof, rood en geel van ijzeroxiden, blauw en groen van azuriet en malachiet, wit van gips en ga zo maar door. De mineralen zouden worden gemengd met gemalen organisch materiaal tot verschillende consistenties en vervolgens verder gemengd met een onbekende stof (eventueel eiwitten) om het plakkerig te maken, zodat het zou hechten aan een oppervlak. Egyptische verf was zo duurzaam dat veel werken, zelfs die niet beschermd in graven, zijn levendig gebleven na meer dan 4000 jaar.

hoewel de muren van het huis, de tuin en het paleis meestal versierd waren met platte tweedimensionale schilderijen, gebruikten graf -, tempel-en monumentenmuren reliëfs. Er waren hoge reliëfs (waarbij de figuren opvallen van de muur) en lage reliëfs (waar de beelden in de muur zijn gesneden). Om deze te maken, zou het oppervlak van de muur worden gladgestreken met gips dat vervolgens werd geschuurd. Een kunstenaar zou een werk in minatuur maken en er dan rasterlijnen op tekenen en dit raster zou dan op de muur worden getekend. Met behulp van het kleinere werk als model zou de kunstenaar in staat zijn om het beeld te repliceren in de juiste verhoudingen op de muur. De scène zou eerst worden getekend en dan geschetst in rode verf. Correcties op het werk zouden worden opgemerkt, mogelijk door een andere kunstenaar of opzichter, in zwarte verf en zodra deze werden verzorgd werd de scène gesneden en geschilderd.

verf werd ook gebruikt op beelden die gemaakt waren van hout, steen of metaal. Steenwerk ontwikkelde zich voor het eerst in de vroege dynastieke periode in Egypte en werd door de eeuwen heen steeds verfijnder. Een beeldhouwer zou werken uit een enkel blok steen met een koperen Beitel, houten hamer, en fijnere gereedschappen voor details. Het beeld zou dan worden gladgestreken met een wrijfdoek. De steen voor een beeld werd gekozen, net als bij alle andere Egyptische kunst, om zijn eigen verhaal te vertellen. Een beeld van Osiris, bijvoorbeeld, zou worden gemaakt van zwarte schist om vruchtbaarheid en wedergeboorte te symboliseren, beide geassocieerd met deze specifieke god.

metalen beelden waren meestal klein en gemaakt van koper, brons, zilver en goud. Goud was vooral populair voor amuletten en Schrijn figuren van de goden, omdat men geloofde dat de goden gouden huid hadden. Deze figuren werden gemaakt door gieten of plaatwerk over hout. Houten beelden werden gesneden uit verschillende stukken bomen en vervolgens gelijmd of gekoppeld aan elkaar. Beelden van hout zijn zeldzaam, maar een aantal zijn bewaard gebleven en tonen een enorme vaardigheid.

Cosmetische kisten, doodskisten, modelboten en speelgoed werden op dezelfde manier gemaakt. Sieraden werd vaak gevormd met behulp van de techniek die bekend staat als cloisonne waarin dunne stroken metaal zijn ingelegd op het oppervlak van het werk en vervolgens gebakken in een oven om ze samen te smeden en maak compartimenten die vervolgens worden gedetailleerd met juwelen of geschilderde scènes. Een van de beste voorbeelden van cloisonne sieraden is de hanger van het Midden Koninkrijk die Senusret II (ca. 1897-1878 v.Chr.) aan zijn dochter gaf. Dit werk is gemaakt van dunne gouden draden bevestigd aan een massief gouden steun ingelegd met 372 halfedelstenen. Cloisonne werd ook gebruikt bij het maken van pectoralen voor de koning, kronen, hoofdtooien, zwaarden, ceremoniële dolken en sarcofagen onder andere.

conclusie

hoewel de Egyptische kunst beroemd wordt bewonderd, wordt ze bekritiseerd omdat ze ongeraffineerd is. Critici beweren dat de Egyptenaren het perspectief nooit onder de knie lijken te hebben omdat er geen wisselwerking van licht en schaduw in de composities is, ze zijn altijd tweedimensionaal en de figuren zijn emotieloos. Beelden van paren, zo wordt beweerd, tonen geen emotie in de gezichten en hetzelfde geldt voor gevechtsscènes of standbeelden van een koning of koningin.

deze kritiek erkent de functionaliteit van de Egyptische kunst niet. De Egyptenaren begrepen dat emotionele toestanden van voorbijgaande aard zijn; men is niet consequent gelukkig, verdrietig, boos, tevreden gedurende een bepaalde dag laat staan eeuwig. Kunstwerken presenteren mensen en godheden formeel zonder expressie, omdat men dacht dat de geest van de persoon die representatie nodig zou hebben om verder te leven in het hiernamaals. De naam en het beeld van een persoon moesten in een of andere vorm op aarde overleven om de ziel in staat te stellen zijn reis voort te zetten. Dit was de reden voor mummificatie en de uitgebreide Egyptische begrafenisrituelen: de geest had een soort ‘baken’ nodig om naar terug te keren wanneer hij de aarde bezocht voor levensonderhoud in het graf.

de geest zou een standbeeld van een boze of jubelende versie van zichzelf niet herkennen, maar zou hun gestage, zelfgenoegzame, kenmerken herkennen. Het gebrek aan emotie heeft te maken met het eeuwige doel van het werk. Beelden werden gemaakt om van de voorkant te worden bekeken, meestal met hun rug tegen een muur, zodat de ziel hun vroegere zelf gemakkelijk zou herkennen en dit gold ook voor goden en godinnen waarvan men dacht dat ze in hun beelden leefden.Het leven was slechts een klein deel van een eeuwige reis naar de oude Egyptenaren en hun kunst weerspiegelt dit geloof. Een standbeeld of een cosmeticatasje, een muurschildering of amulet, welke vorm het kunstwerk ook aannam, het was gemaakt om lang mee te gaan tot ver buiten het leven van de eigenaar en, nog belangrijker, het verhaal van die persoon te vertellen, evenals het weerspiegelen van Egyptische waarden en overtuigingen als geheel. Egyptische kunst heeft dit doel goed gediend als het is blijven vertellen haar verhaal nu voor duizenden jaren.