¿Quieres aprender a DJ? Entonces hablemos de la mezcla, como en el tipo de mezcla de DJ. Mezcla de ritmos.
Como DJ de toda la vida, me parece curioso que, incluso después de los más de 40 años en que la mezcla de ritmos ha sido sinónimo de DJ, a algunos deportistas modernos les resulte innecesaria la práctica. Algunos sugieren que el valor diferenciador de un DJ está en el MCing.
Para aquellos que encuentran beatmixing relevante o incluso un tema de curiosidad, mantener conmigo.
Soy un fan de la mezcla de ritmos, un gran defensor. Incluso antes de que decidiera convertirme en DJ, la mezcla era parte de mi psique musical. Todavía recuerdo haber escuchado programas en la radio de la ciudad de Nueva York con leyendas de DJ como Shep Pettibone, Jellybean Benítez, Tony Humphries y David Morales. Me cautivó e hipnotizó la forma en que estos maestros presentaban las canciones que escuchaba durante el día, pero de maneras nuevas y emocionantes. Literalmente podía sentir la energía que venía a través de las ondas. Cuando decidí ser DJ, esa colección de mezclas fue el modelo para mí de cómo debería sonar un DJ.
La semántica de la mezcla
La mezcla generalmente se realiza en vivo frente a un público en un club nocturno o para un ambiente de fiesta. La mezcla también se realiza en vivo en la radio o se graba en un estudio. Cuando un DJ está mezclando, el DJ está creando una secuencia de pistas musicales mezcladas para que aparezcan como una pista continua. Interminable. Estable. Ininterrumpido. Inquebrantable. Costura. La razón principal por la que el DJ utiliza la mezcla de canciones es para mantener a los bailarines en la pista de baile.
Los métodos de mezcla varían dependiendo de la música que se esté reproduciendo. Los DJ de música de baile se esfuerzan por lograr mezclas suaves y mezcladas, mientras que los DJ de hip-hop usan técnicas de corte, rascado y turntablism.
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Se puede lograr una mayor mejora de la mezcla con la mezcla armónica, que se centra en teclas y melodías complementarias, evitando tonos disonantes/chocantes durante una mezcla.
La progresión de la mezcla es un proceso dinámico:
1. Las pistas se eligen en respuesta a la actividad en la pista de baile.
2. Si la pista de baile se vuelve menos activa, el DJ hará un juicio sobre qué pista aumentará la respuesta de la pista de baile.
3. Las pistas se seleccionan, en parte, en relación con el lugar al que el DJ quiere llevar a la audiencia. La mezcla resultante se logra a través de una relación simbiótica entre el público y el DJ.
El software para DJ puede proporcionar Ritmos por minuto, mezcla automática y detección de teclas, lo que simplifica la mezcla armónica. El software para DJ que ha permitido la mezcla automática ha dado lugar a debates sobre el uso de esta automatización. Pero ese es otro tema para otro artículo.
Así que ahí tienes un brillo «clínico» de lo que es la mezcla. No quiero terminar la conversación aquí. Oh, no want quiero ir más profundo. Quiero aprovechar el «por qué»de mezclar. Quiero explorar el lado cerebral de la mezcla. Profundice en el lado mental, entiéndalo, luego sea creativo y diviértase con él. Antes de entrar en el cerebelo de la gente, empecemos por el principio
Las Reglas: Cómo hacer DJ
Hay cinco reglas que debes saber sobre la mezcla. Si quieres llevar tus segues al siguiente nivel, esto es lo que necesitas saber:
- Conoce tu música.
- Conoce tu música.
- Conoce tu música.
- Practica
- Conoce tu música.
No puedo enfatizar eso lo suficiente. Tienes que conocer tu música. Las pistas que utiliza son los bloques de construcción de los conjuntos que crea. No puedes crear un conjunto fluido si no tienes un comando de las pistas que vas a usar. ¿Necesitas memorizar cada canción hecha? No. Eso ayudaría, pero no es necesario.
«quiero aprovechar el ‘por qué’ de la mezcla. Quiero explorar el lado cerebral de la mezcla.»
Lo que es necesario es que se familiarice con:
1. Cómo se construyen las canciones.
2. Cómo fluye una canción.
3. Cómo se formatea una canción.
4. Cómo suenan los instrumentos cuando se superponen.
¿Necesitas ser músico para ser DJ o mezclar correctamente? No. Pero necesitas tener oído para armonías, melodías, personajes sonoros complementarios y simbióticos. También necesitas tener un oído para las propiedades sónicas de lo que choca y lo que es incongruente. Eso es igual de importante. Así que en un inglés sencillo need necesitas aprender / saber qué suena bien y qué suena mal juntos. Lo bueno que repites, lo malo que no.
» ¿Necesitas ser músico para ser DJ o mezclar correctamente? No.»
Uno necesita ser un estudiante de sonido y estructura. Había una gran escena en la foto bio de James Brown, «Get On Up», que ilustra esto. Tiene a la banda para ensayar y hay cierta confusión con el arreglo. El Sr. Brown dice :» Si suena bien y se siente bien, entonces es musical.»
¿Quién puede discutir eso? A decir verdad, uno no tiene que quedar atrapado en las minucias de teclas, barras o tempos, una vez que entiende instintivamente con lo que está tratando.
Estructura de la canción
Las canciones modernas se dividen en segmentos de 32 compases. La estructura típica de la canción es la siguiente:
Intro – 2/4/8/16/32 barras
(Gancho/Coro opcional) – 32 barras
Primer verso – 32 barras
Gancho/Coro – 32 barras
Segundo Verso – 32 barras
(Puente opcional) – 4/8/16 barras
Gancho/Coro – 32 barras
(Opcional verso extra + Gancho/Coro) – 32 barras * 2
Outro – 8/16/32 barras
Una vez que haya reconocido esta estructura/patrón, puede comenzar a descomponerla y manipularla. Busca / escucha patrones replicados. Los Ganchos / Estribillos suelen ser los mismos. Sus seguimientos básicos se producirán durante el final de la canción (salir) y la introducción del comienzo de la canción (entrar).
Pero donde está la diversión, donde ocurre la magia (potencial), es cuando comienzas a mezclar/superponer en las diferentes secciones de la pista. Aquí es donde» conocer tu música » se vuelve imperativo. La estructura de un remix (formalmente el remix de 12 pulgadas, o actualmente el remix extendido) no se aleja demasiado del ejemplo anterior. Lo que es diferente es que el remix está estructurado de tal manera que es más amigable para DJ y pista de baile. La mezcla extendida tiene secciones construidas específicamente para nosotros, los DJs. ¡Deberíamos usarlas!
» Donde está la diversión, donde ocurre la magia (potencial), es cuando comienzas a superponer/mezclar dentro de las diferentes secciones de la pista.»
El remix también es una estructura común, pero hay muchas variaciones. Una vez que descubras la estructura de la canción/remix, puedes agregar nuevas Intros a la canción actual para que las voces de la canción actual coincidan con la Intro de la canción que estás mezclando. Asegúrate de que no haya voces en la Introducción (u otras partes), de lo contrario chocará. Esto se conoce generalmente como fraseo.
He leído donde los DJ evitan las mezclas de baile porque no saben qué hacer con el desglose cuando llega. El desglose es después de la Introducción y antes del primer verso. Es la parte en la que la pista se vuelve minimalista, despojada, ambientada y desprovista de batería. Es la parte que las estaciones de radio mantienen fuera. Estas partes no deberían dar miedo ni ser rechazadas. Deben ser acogidas y son áreas fértiles para la creatividad y el individualismo.
» Algunos DJs evitan las mezclas de baile porque no saben qué hacer con el desglose cuando llega.»
Aquí es donde quiero profundizar the en la técnica creativa, el proceso creativo. Creo que la gente olvida, o más intencionalmente, la gente descarta cuánto tiempo pasa en una disciplina antes de que uno se vuelva competente en ella. Encendemos nuestros televisores y vemos a los jugadores de la NFL hacer cosas increíbles. Olvidamos que se necesitan años de trabajo, dedicación y práctica para alcanzar ese nivel de competencia.
Poner en trabajo
La misma ética de trabajo se puede poner hacia el DJ. Se puede poner la misma mentalidad hacia la mezcla. Uno no puede ser creativo sin una base concreta o un dominio de los fundamentos.
Algunas personas piensan que la creatividad es libertad. Creo que es más improvisación espontánea, arraigada dentro de los límites de dominar los fundamentos.
La cultura pop afirma que se necesitan 10.000 horas para dominar una tarea. Eso es 1,14 años (gracias, Google). En perspectiva, cuatro horas al día, cinco veces a la semana, eso equivale a 500 semanas o nueve años y siete meses.
Así que para aquellos que piensan que mezclar es fácil, soso, aburrido o pasado de moda, necesita dedicar el tiempo para cosechar los beneficios, como cualquier cosa en la vida. Permítanme añadir también que no se trata solo de dedicar tiempo. Practicar solo no te convierte en un maestro. Tienes que ponerte en el ambiente para facilitar la mezcla. Tienes que estar en él para ganarlo.
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Uno de los juegos que mis chicos y yo jugábamos cuando nos juntábamos los DJ es el juego de 30 segundos. Que consistirá de nosotros va round robin con el juego DJ de ser alimentados con un registro… cualquier registro. No tenías idea de lo que alguien te daría, y tenías 30 segundos para mezclarlo. Una vez que se mezclaba, el siguiente DJ se ponía detrás de las barajas y el proceso comenzaba de nuevo.
No querías meter la pata porque serías el blanco de las bromas hasta que el siguiente lo arruinara. Este juego nos enseñó muchas cosas. Pero lo más importante que me enseñó, aparte de que mis amigos DJ a veces tenían un sentido retorcido de probar tu temple, fue usar todos mis sentidos para obtener esa mezcla allí. Me dio una base invaluable para explorar.
Las Lecciones
¿Qué hemos aprendido? Si quieres ser creativo, es mejor que tengas fundamentos sólidos. Tienes que ponerte en la mentalidad de probar cosas nuevas. Tienes que practicar para que las cosas nuevas se vuelvan comunes. Y lo más importante know conoce tu música.
Ahora sal y mezcla.
Mezclar ritmos: Lo básico
Mezclar es la habilidad de tomar dos (o más) piezas de música y combinarlas en una sola obra.
La técnica principal para mezclar música es el emparejamiento de ritmos, en el que un DJ sincroniza los ritmos de dos canciones. Echemos un vistazo rápido a algunos de estos componentes básicos.
Beats: Esta es una técnica utilizada para alinear los ritmos de dos canciones para que estén sincronizados entre sí. Para que los ritmos estén sincronizados, un par de cosas deben ser ciertas:
- Las dos canciones están tocando al mismo tempo / BPM (Latidos Por minuto)
- Los latidos deben estar en fase, es decir, las notas rítmicas (bombo, caja, etc.).) ocurren al mismo tiempo.
Crossfade significado: Esta es una técnica para la transición de una canción a otra durante una mezcla, utilizada junto con el emparejamiento de ritmos. El patrón habitual de mezclar música es tener una sola canción sonando, trayendo una segunda canción para que ambas canciones se reproduzcan simultáneamente, y luego desvaneciendo la primera canción para que solo se reproduzca la segunda canción.
Se realiza un fundido cruzado utilizando el crossfader, un deslizador que varía los volúmenes entre dos canales de audio. El crossfader generalmente se encuentra en el centro del mezclador. Cuando el deslizador se coloca a la izquierda, se escuchará la canción de la cubierta izquierda. Cuando el deslizador se coloca a la derecha, se escuchará la canción en la cubierta derecha. Cuando el crossfader se coloca en el centro, se escucharán ambas canciones/barajas.
Significado de fundido cruzado: Una técnica para la transición de una canción a otra durante una mezcla, utilizada junto con la coincidencia de ritmos.
Para realizar un fundido cruzado de la canción de la baraja izquierda a la canción de la baraja derecha:
Coloque el fundido cruzado en el extremo izquierdo para que solo se reproduzca la canción de la baraja izquierda.
Empareje las dos canciones y alinee la canción derecha con la canción izquierda en el punto en el que desea realizar el fundido cruzado. (Consulte la siguiente sección para obtener consejos sobre cómo elegir el punto de fundido cruzado.)
Cuando la reproducción llegue al momento en que desee introducir la canción/baraja correcta, mueva el crossfader a la posición central.
Cuando la reproducción llegue al momento en el que desea desvanecer la canción/mazo de la izquierda, mueva el crossfader hasta la derecha.
Elegir el punto de mezcla: La sección anterior explica cómo realizar un fundido cruzado de una canción a otra, pero no explica cómo alinear dos canciones para producir una buena mezcla. Para elegir una buena alineación, es importante entender cómo se estructuran las canciones.
Si echas un vistazo a las anotaciones de canciones, notarás que la mayoría de las secciones son de 8 compases o medidas de longitud, o de forma equivalente, 32 compases en canciones con 4 compases por compás. Hay excepciones, pero la mayoría de la música que encontrará sigue este patrón: las canciones se dividen en secciones de 8 compases/32 compases. Es en esas secciones donde querrá desvanecerse en una canción o desvanecerse en otra.
Por lo tanto, al mezclar, alinee las secciones de las dos canciones y luego difumine dentro y fuera de esas secciones.
Mezclar ritmos: Para elegir una buena alineación, es importante entender cómo se estructuran las canciones.
Además de alinear canciones en sus secciones de frase, hay algunas reglas generales para seleccionar los tipos de frase durante los cuales realizar un fundido cruzado. Hay mucha flexibilidad en donde eliges hacer un fundido, pero generalmente debes evitar el desvanecimiento cuando ambas canciones tienen voz. Intros, Coros, Descansos, Instrumentales y Finales son las mejores secciones para hacer un fundido. Los versos son casi siempre un mal momento para hacer un fundido.
Algunos ejemplos de buenas combinaciones de tipos de sección para un fundido cruzado:
- Intro over Chorus
- Intro over Break
- Intro over Instrumental
- Intro over Outro
- Chorus over Break
- Chorus over Outro
- Looping
Looping: Seleccione la sección de audio que desea reproducir (normalmente 2 compases / 8 latidos). Una vez que haya obtenido su sección de bucle, tiene cierta libertad para mezclar sus canciones. Esencialmente, puedes crear tu propio descanso. Esto es útil cuando algunas canciones no tienen una sección lo suficientemente larga como para facilitar una transición agradable. El bucle también ayuda cuando se está quedando sin tiempo. Toma un bucle y haz esa agradable transición.
Puntos de referencia: Se pueden crear para marcar momentos particulares en una canción. ¿Dónde está el primer ritmo? ¿Dónde está la avería? ¿Dónde entran las voces?
Los puntos de referencia se pueden utilizar como señales visuales o, cuando se activan, la reproducción buscará el tiempo marcado por el punto de referencia. Los puntos de referencia son importantes porque te pueden ayudar en la ubicación de la canción.
En el pasado, se podía ver el ritmo de un sencillo de 12 pulgadas y se podía ver visualmente cuándo surgían diferentes secciones o partes de una canción. Realmente no puedes hacer eso en un archivo de música digital, por lo que los puntos de referencia son tus amigos.
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