operele de Artă din Egiptul Antic au fascinat oamenii de mii de ani. Artiștii greci timpurii și mai târziu romani au fost influențați de tehnicile egiptene, iar arta lor i-ar inspira pe cei din alte culturi până în prezent. Mulți artiști sunt cunoscuți din perioadele ulterioare, dar cei din Egipt sunt complet anonimi și dintr-un motiv foarte interesant: arta lor a fost funcțională și creată cu un scop practic, în timp ce arta ulterioară a fost destinată plăcerii estetice. Arta funcțională este o lucrare făcută pentru închiriere, aparținând individului care a comandat – o, în timp ce arta creată pentru plăcere – chiar dacă a fost comandată-permite o mai mare exprimare a viziunii artistului și astfel recunoașterea unui artist individual.

un artist grec ca Phidias (c. 490-430 Î.hr.) a înțeles cu siguranță scopurile practice în crearea unei statui a Atenei sau a lui Zeus, dar scopul său principal ar fi fost să facă o piesă plăcută vizual, să facă ‘artă’ așa cum oamenii înțeleg acest cuvânt astăzi, nu să creeze o lucrare practică și funcțională. Toată arta egipteană a servit unui scop practic: o statuie ținea spiritul zeului sau al defunctului; o pictură de mormânt arăta scene din viața cuiva pe pământ, astfel încât spiritul său să-și poată aminti sau scene din paradisul pe care spera să-l atingă, astfel încât cineva să știe cum să ajungă acolo; farmecele și amuletele îl protejau de rău; figurinele păzeau spiritele rele și fantomele furioase; oglinzile de mână, mânerele de bici, dulapurile cosmetice serveau scopurilor practice, iar ceramica era folosită pentru băut, mâncare și depozitare. Egiptolog Gay Robins note:

din câte știm, vechii egipteni nu aveau niciun cuvânt care să corespundă exact utilizării abstracte a cuvântului ‘artă’. Au avut cuvinte pentru anumite tipuri de monumente pe care le considerăm astăzi ca exemple de artă egipteană – ‘statuie’, ‘stela’, ‘mormânt’ -dar nu există niciun motiv să credem că aceste cuvinte includeau în mod necesar o dimensiune estetică în sensul lor. (12)

deși arta egipteană este foarte apreciată astăzi și continuă să fie o mare atracție pentru muzeele cu exponate, vechii egipteni înșiși nu s-ar fi gândit niciodată la munca lor în același mod și cu siguranță ar fi ciudat ca aceste tipuri diferite de lucrări să fie expuse în afara contextului într-o sală a Muzeului. Statuarul a fost creat și plasat dintr-un anumit motiv și același lucru este valabil pentru orice alt tip de artă. Conceptul de „artă de dragul artei” era necunoscut și, în plus, ar fi fost probabil de neînțeles pentru un egiptean antic care a înțeles arta ca fiind funcțională mai presus de toate.

simetria egipteană

asta nu înseamnă că egiptenii nu aveau simțul frumuseții estetice. Chiar și hieroglifele egiptene au fost scrise cu estetica în minte. O propoziție hieroglifică ar putea fi scrisă de la stânga la dreapta sau de la dreapta la stânga, de sus în jos sau de jos în sus, în funcție în întregime de modul în care alegerea cuiva a afectat frumusețea lucrării terminate. Pur și simplu, orice lucrare trebuia să fie frumoasă, dar motivația de a crea a fost axată pe un scop practic: funcția. Chiar și așa, arta egipteană este admirată în mod constant pentru frumusețea sa și acest lucru se datorează valorii pe care vechii egipteni au pus-o pe simetrie.

echilibrul perfect în arta egipteană reflectă valoarea culturală a ma ‘ at (armonie), care a fost esențială pentru civilizație. Ma ‘ at nu era doar o ordine universală și socială, ci însăși țesătura creației care a luat ființă atunci când zeii au făcut universul ordonat din haos nediferențiat. Conceptul de unitate, de unitate, a fost acest haos, dar zeii au introdus dualitatea-noapte și zi, femeie și bărbat, întuneric și lumină – și această dualitate a fost reglementată de ma ‘ at.

din acest motiv, templele, Palatele, casele și grădinile egiptene, statuile și picturile, inelele cu sigiliu și amuletele au fost create cu echilibru în minte și toate reflectă valoarea simetriei. Egiptenii credeau că pământul lor a fost făcut după chipul lumii zeilor, iar când cineva a murit, s-au dus într-un paradis pe care l-ar găsi destul de familiar. Când a fost realizat un obelisc egiptean, acesta a fost întotdeauna creat și crescut cu un geamăn identic și se credea că aceste două obeliscuri au reflecții divine, realizate în același timp, în țara zeilor. Curțile templului au fost amenajate în mod intenționat pentru a reflecta creația, ma ‘ at, heka (magie) și viața de apoi cu aceeași simetrie perfectă pe care zeii o inițiaseră la creație. Arta reflecta perfecțiunea zeilor în timp ce, în același timp, servea zilnic unui scop practic.

progresie istorică

arta Egiptului este povestea elitei, a clasei conducătoare. De-a lungul majorității perioadelor istorice ale Egiptului, cei cu mijloace mai modeste nu și-au putut permite luxul lucrărilor de artă pentru a-și spune povestea și, în mare parte, prin arta egipteană, istoria civilizației a ajuns să fie cunoscută. Mormintele, picturile de morminte, inscripțiile, templele, chiar și cea mai mare parte a literaturii, sunt preocupate de viața clasei superioare și numai prin povestirea acestor povești sunt dezvăluite cele ale claselor inferioare. Această paradigmă a fost deja stabilită înainte de istoria scrisă a culturii. Arta începe în perioada predinastică din Egipt (c. 6000 – c. 3150 Î. HR.) prin desene de rocă și ceramică, dar este pe deplin realizată de perioada dinastică timpurie (c. 3150 – C. 2613 Î. HR.) în faimoasa paletă Narmer.

paleta Narmer (c. 3150 Î.HR.) este o placă ceremonială pe două fețe din piatră de silt sculptată complicat cu scene ale unificării Egiptului de sus și de jos de către regele Narmer. Importanța simetriei este evidentă în compoziția care prezintă capetele a patru tauri (un simbol al puterii) în partea de sus a fiecărei părți și reprezentarea echilibrată a figurilor care spun povestea. Lucrarea este considerată o capodoperă a artei din perioada dinastică timpurie și arată cât de avansați erau artiștii egipteni la acea vreme.

lucrarea ulterioară a arhitectului Imhotep (c. 2667-2600 Î. HR.) pe piramida Regelui Djoser (c. 2670 Î. HR.) reflectă cât de departe au avansat lucrările de artă de la paleta Narmer. Complexul piramidal al lui Djoser este proiectat în mod complex cu flori de lotus, plante de papirus și simboluri djed în relief înalt și scăzut, iar piramida în sine, desigur, este o dovadă a abilității egiptene de a lucra în piatră la opere de artă monumentale.

în timpul Vechiului Regat al Egiptului (c. 2613-2181 Î.hr.) arta a devenit standardizată de elită și figurile au fost produse uniform pentru a reflecta gusturile capitalei de la Memphis. Statuarul perioadelor dinastice timpurii târzii și timpurii ale Vechiului Regat este remarcabil de similar, deși alte forme de artă (pictură și scriere) arată mai multă sofisticare în Vechiul Regat. Cele mai mari opere de artă ale Vechiului Regat sunt piramidele și Marele Sfinx din Giza, care se află și astăzi, dar monumente mai modeste au fost create cu aceeași precizie și frumusețe. Arta și arhitectura Vechiului Regat, de fapt, au fost foarte apreciate de egipteni în epocile ulterioare. Unii conducători și nobili (cum ar fi Khaemweset, al patrulea fiu al lui Ramses al II-lea) au comandat în mod intenționat lucrări în stilul vechiului regat, chiar și casa eternă a mormintelor lor.

în prima perioadă intermediară a Egiptului (2181-2040 Î.hr.), după prăbușirea Vechiului Regat, artiștii au putut să exprime mai liber viziunile individuale și regionale. Lipsa unui guvern central puternic care să comande lucrări a însemnat că guvernatorii de district ar putea rechiziționa Piese care să reflecte Provincia lor natală. Aceste districte diferite au constatat, de asemenea, că au mai multe venituri disponibile, deoarece nu trimiteau atât de mult la Memphis. Mai multă putere economică la nivel local a inspirat mai mulți artiști să producă lucrări în propriul stil. Producția de masă a început și în prima perioadă intermediară și acest lucru a dus la o uniformitate în opera de artă a unei anumite regiuni, ceea ce a făcut-o simultan distinctivă, dar de o calitate mai mică decât Opera Vechiului Regat. Această schimbare poate fi văzută cel mai bine în producția de păpuși shabti pentru bunuri funerare care au fost făcute anterior manual.

arta ar înflori în timpul Regatul mijlociu al Egiptului (2040-1782 Î.HR.), care este în general considerat punctul culminant al culturii egiptene. Statuile colosale au început în această perioadă, precum și Marele Templu din Karnak la Teba. Idealismul reprezentărilor Vechiului Regat în statui și picturi a fost înlocuit de reprezentări realiste, iar clasele inferioare se găsesc, de asemenea, reprezentate mai des în artă decât anterior. Regatul Mijlociu a cedat locul celei de – a doua perioade intermediare a Egiptului (c. 1782-c. 1570 Î.HR.) în timpul căreia Hyksos deținea zone întinse din regiunea Deltei, în timp ce nubienii au invadat din sud. Arta din această perioadă produsă la Teba păstrează caracteristicile Regatului Mijlociu, în timp ce cea a Nubienilor și Hyksos – ambii admirând și copiind arta egipteană – diferă ca mărime, calitate și tehnică.

Noul Regat (c. 1570 – c. 1069 Î.HR.), care a urmat, este cea mai cunoscută perioadă din istoria Egiptului și a produs unele dintre cele mai frumoase și mai faimoase opere de artă. Bustul lui Nefertiti și masca de moarte de aur a lui Tutankhamon provin din această epocă. Arta Noului Regat este definită de înaltă calitate în viziune și tehnică datorită în mare parte interacțiunii Egiptului cu culturile vecine. Aceasta a fost epoca Imperiului Egiptului și tehnicile de prelucrare a metalelor ale hitiților – care erau acum considerați aliați, dacă nu egali-au influențat foarte mult producția de artefacte funerare, armament și alte opere de artă.

după Noul Regat, a Treia Perioadă Intermediară (c. 1069-525 Î.HR.) și perioada târzie a Egiptului Antic (525-332 Î. HR.) a încercat cu mai mult sau mai puțin succes să continue standardul ridicat al artei Noului Regat, evocând în același timp stilurile Vechiului Regat într-un efort de a recuceri statura în scădere a Egiptului. Influența persană în perioada târzie este înlocuită de gusturile grecești în timpul Dinastia Ptolemeică (323-30 Î.HR.) care încearcă, de asemenea, să sugereze standardele Vechiului Regat cu tehnica Noului Regat și această paradigmă persistă în Egiptul Roman (30 î. HR. – 646 CE) și sfârșitul culturii egiptene.

tipuri de artă, detaliu,& simbol

de-a lungul tuturor acestor epoci, tipurile de artă au fost la fel de numeroase ca nevoile umane, resursele pentru a le face și capacitatea de a plăti pentru ele. Bogații Egiptului aveau oglinzi de mână ornamentate, cutii și borcane cosmetice, bijuterii, teacă decorată pentru cuțite și săbii, arcuri complicate, sandale, mobilier, care, grădini și morminte. Fiecare aspect al oricăreia dintre aceste creații avea semnificație simbolică. În același mod, motivul taurului de pe paleta Narmer simboliza puterea regelui, astfel încât fiecare imagine, design, ornamentație sau detaliu însemna ceva legat de proprietarul său.

printre cele mai evidente exemple în acest sens se numără tronul de aur al lui Tutankhamon (c. 1336-c.1327 Î.HR.) care îl înfățișează pe tânărul rege împreună cu soția sa Ankhsenamun. Cuplul este reprezentat într-un moment intern liniștit, în timp ce regina freacă unguent pe brațul soțului ei în timp ce stă pe un scaun. Relația lor strânsă este stabilită de culoarea pielii lor, care este aceeași. Bărbații sunt de obicei descriși cu pielea roșiatică, deoarece au petrecut mai mult timp în aer liber, în timp ce o culoare mai deschisă a fost folosită pentru pielea femeilor, deoarece erau mai apți să stea departe de soare. Această diferență în nuanța tonurilor pielii nu reprezenta egalitate sau inegalitate, ci era pur și simplu o încercare de realism.

în cazul tronului lui Tutankhamon, totuși, tehnica este folosită pentru a exprima un aspect important al relației de cuplu. Alte inscripții și lucrări de artă clarifică faptul că și-au petrecut cea mai mare parte a timpului împreună, iar artistul exprimă acest lucru prin tonurile lor comune ale pielii; Ankhesenamun este la fel de bronzat ca Tutankhamun. Roșul folosit în această compoziție reprezintă, de asemenea, vitalitatea și energia relației lor. Părul cuplului este albastru, simbolizând fertilitatea, viața și renașterea, în timp ce îmbrăcămintea lor este albă, reprezentând puritatea. Fundalul este auriu, culoarea zeilor și toate detaliile complicate, inclusiv coroanele pe care le poartă figurile și culorile lor, toate au propriul lor sens specific și merg să spună povestea cuplului prezentat.

o sabie sau o carcasă cosmetică a fost proiectată și creată cu același scop în minte: povestirea. Chiar și grădina unei case a spus o poveste: în centru era o piscină înconjurată de copaci, plante și flori care, la rândul lor, erau înconjurate de un zid și unul a intrat în grădină din casă printr-un portic de coloane decorate. Toate acestea ar fi fost aranjate cu atenție pentru a spune o poveste care a fost semnificativă pentru proprietar. Deși grădinile egiptene au dispărut de mult, au fost găsite modele făcute din ele ca bunuri funerare care arată marea grijă care a intrat în așezarea lor în formă narativă.

în cazul nobilului Meket-Ra din dinastia a 11-a, grădina a fost concepută pentru a spune povestea călătoriei vieții în paradis. Coloanele porticului erau în formă de flori de lotus, simbolizând casa sa din Egiptul de sus, piscina din centru reprezenta Lacul Lily pe care sufletul ar trebui să-l traverseze pentru a ajunge în paradis, iar peretele îndepărtat al grădinii era decorat cu scene din viața de apoi. De fiecare dată când Meket-Ra stătea în grădina sa, i se amintea de natura vieții ca o călătorie eternă și acest lucru i-ar oferi cel mai probabil o perspectivă asupra circumstanțelor care ar putea fi tulburătoare în acest moment.

tehnici

picturile de pe pereții lui Meket-Ra ar fi fost realizate de artiști care amestecau culori realizate din minerale naturale. Negrul a fost făcut din carbon, roșu și galben din oxizi de fier, albastru și verde din Azurit și malachit, alb din gips și așa mai departe. Mineralele ar fi amestecate cu material organic zdrobit la consistențe diferite și apoi amestecate în continuare cu o substanță necunoscută (posibil albușuri de ou) pentru a-l face lipicios, astfel încât să adere la o suprafață. Vopseaua egipteană a fost atât de durabilă încât multe lucrări, chiar și cele care nu au fost protejate în morminte, au rămas vibrante după peste 4.000 de ani.

deși pereții casei, grădinii și palatului erau de obicei decorați cu picturi bidimensionale plate, pereții mormântului, templului și monumentului foloseau reliefuri. Au existat reliefuri înalte (în care figurile ies în evidență de perete) și reliefuri joase (unde imaginile sunt sculptate în perete). Pentru a le crea, suprafața peretelui ar fi netezită cu tencuială care a fost apoi șlefuită. Un artist ar crea o lucrare în miniatură și apoi ar desena linii de grilă pe ea și această grilă ar fi apoi desenată pe perete. Folosind lucrarea mai mică ca model, artistul ar putea reproduce imaginea în proporțiile corecte de pe perete. Scena va fi mai întâi desenată și apoi conturată cu vopsea roșie. Corecțiile lucrării ar fi notate, eventual de un alt artist sau supraveghetor, în vopsea neagră și odată ce acestea au fost îngrijite, scena a fost sculptată și pictată.

vopseaua a fost folosită și pe statui care erau făcute din lemn, piatră sau metal. Lucrările de piatră s-au dezvoltat pentru prima dată în perioada dinastică timpurie din Egipt și au devenit din ce în ce mai rafinate de-a lungul secolelor. Un sculptor ar lucra dintr-un singur bloc de piatră cu o daltă de cupru, ciocan de lemn și instrumente mai fine pentru detalii. Statuia ar fi apoi netezită cu o cârpă de frecare. Piatra pentru o statuie a fost selectată, ca și în orice altceva din arta egipteană, pentru a-și spune propria poveste. O statuie a lui Osiris, de exemplu, ar fi făcută din șist negru pentru a simboliza fertilitatea și renașterea, ambele asociate cu acest zeu special.

Statuile metalice erau de obicei mici și realizate din cupru, bronz, argint și aur. Aurul a fost deosebit de popular pentru amulete și figuri de altar ale zeilor, deoarece se credea că zeii aveau piele aurie. Aceste figuri au fost realizate prin turnarea sau prelucrarea tablelor peste lemn. Statuile din lemn au fost sculptate din diferite bucăți de copaci și apoi lipite sau fixate împreună. Statuile din lemn sunt rare, dar un număr au fost păstrate și arată o abilitate extraordinară.

cufere cosmetice, sicrie, bărci model și jucării au fost făcute în același mod. Bijuteriile au fost modelate în mod obișnuit folosind tehnica cunoscută sub numele de cloisonne în care benzi subțiri de metal sunt încrustate pe suprafața lucrării și apoi trase într-un cuptor pentru a le crea împreună și a crea compartimente care sunt apoi detaliate cu bijuterii sau scene pictate. Printre cele mai bune exemple de bijuterii cloisonne se numără pandantivul Regatului Mijlociu dat de Senusret II (c. 1897-1878 Î.hr.) fiicei sale. Această lucrare este modelată din fire subțiri de aur atașate la un suport din aur solid încrustat cu 372 de pietre semiprețioase. Cloisonne a fost folosită și la fabricarea pectoralelor pentru rege, coroane, pălării, săbii, pumnale ceremoniale și sarcofage, printre alte obiecte.

concluzie

deși arta egipteană este admirată faimos, ea a fost criticată pentru că este nerafinată. Criticii susțin că egiptenii nu par să fi stăpânit niciodată perspectiva, deoarece nu există o interacțiune între lumină și umbră în compoziții, ele sunt întotdeauna bidimensionale, iar figurile sunt fără emoții. Statuary reprezentând cupluri, se susține, arată nici o emoție în fețele și același lucru este valabil pentru scene de luptă sau statui ale unui rege sau regină.

aceste critici nu reușesc să recunoască funcționalitatea artei egiptene. Egiptenii au înțeles că stările emoționale sunt tranzitorii; unul nu este în mod constant fericit, trist, furios, mulțumit de-a lungul unei zile date, cu atât mai puțin veșnic. Lucrările de artă prezintă oamenii și zeitățile în mod formal fără expresie, deoarece se credea că spiritul persoanei ar avea nevoie de acea reprezentare pentru a trăi în viața de apoi. Numele și imaginea unei persoane trebuiau să supraviețuiască într-o anumită formă pe pământ pentru ca sufletul să-și continue călătoria. Acesta a fost motivul mumificării și al ritualurilor de înmormântare egiptene elaborate: spiritul avea nevoie de un fel de ‘far’ la care să se întoarcă atunci când vizitează Pământul pentru a se întreține în mormânt.

spiritul s-ar putea să nu recunoască o statuie a unei versiuni furioase sau jubilante a lor, dar ar recunoaște trăsăturile lor ferme, mulțumitoare. Lipsa emoției are legătură cu scopul etern al lucrării. Statuile erau făcute pentru a fi privite din față, de obicei cu spatele la un perete, astfel încât sufletul să-și recunoască cu ușurință sinele anterior și acest lucru era valabil și pentru zeii și zeițele despre care se credea că trăiesc în statuile lor.

viața a fost doar o mică parte a unei călătorii veșnice către vechii egipteni, iar arta lor reflectă această credință. O statuie sau o cutie de cosmetice, o pictură murală sau o amuletă, indiferent de forma pe care a luat-o opera de artă, a fost făcută să dureze mult dincolo de viața proprietarului său și, mai important, să spună povestea acelei persoane, precum și să reflecte valorile și credințele egiptene în ansamblu. Arta egipteană a servit bine acestui scop, deoarece a continuat să-și spună povestea acum de mii de ani.