Las obras de arte del antiguo Egipto han fascinado a la gente durante miles de años. Los primeros artistas griegos y romanos posteriores fueron influenciados por las técnicas egipcias y su arte inspiraría a los de otras culturas hasta nuestros días. Muchos artistas son conocidos de períodos posteriores, pero los de Egipto son completamente anónimos y por una razón muy interesante: su arte era funcional y creado con un propósito práctico, mientras que el arte posterior estaba destinado al placer estético. El arte funcional es un trabajo hecho por encargo, que pertenece a la persona que lo encargó, mientras que el arte creado por placer, incluso si se encarga, permite una mayor expresión de la visión del artista y, por lo tanto, el reconocimiento de un artista individual.

Un artista griego como Fidias (c. 490-430 a. C.) ciertamente entendió los propósitos prácticos de crear una estatua de Atenea o Zeus, pero su objetivo principal habría sido hacer una pieza visualmente agradable, hacer ‘arte’ como la gente entiende esa palabra hoy en día, no crear una obra práctica y funcional. Todo el arte egipcio tenía un propósito práctico: una estatua sostenía el espíritu del dios o del difunto; una pintura de la tumba mostraba escenas de la vida de uno en la tierra para que el espíritu de uno pudiera recordarlo o escenas del paraíso que uno esperaba alcanzar para saber cómo llegar allí; amuletos y amuletos protegían a uno del daño; figurillas protegían a los espíritus malignos y los fantasmas enojados; espejos de mano, manijas de látigo, gabinetes de cosméticos, todos con fines prácticos, y se usaban cerámicas para beber, comer y almacenar. Notas del egiptólogo Gay Robins:

Hasta donde sabemos, los antiguos egipcios no tenían una palabra que correspondiera exactamente a nuestro uso abstracto de la palabra «arte». Tenían palabras para tipos individuales de monumentos que hoy consideramos ejemplos de arte egipcio – ‘estatua’, ‘estela’, ‘tumba’ -pero no hay razón para creer que estas palabras necesariamente incluyeran una dimensión estética en su significado. (12)

Aunque el arte egipcio es muy apreciado hoy en día y sigue siendo un gran atractivo para los museos que presentan exhibiciones, los antiguos egipcios nunca habrían pensado en su trabajo de la misma manera y ciertamente encontrarían extraño tener estos diferentes tipos de obras expuestas fuera de contexto en la sala de un museo. Estatuaria fue creada y colocada por una razón específica y lo mismo es cierto para cualquier otro tipo de arte. El concepto de «arte por el arte» era desconocido y, además, probablemente habría sido incomprensible para un antiguo egipcio que entendía el arte como funcional por encima de todo.

Simetría egipcia

Esto no quiere decir que los egipcios no tuvieran ningún sentido de la belleza estética. Incluso los jeroglíficos egipcios se escribieron con la estética en mente. Una oración jeroglífica podría escribirse de izquierda a derecha o de derecha a izquierda, de arriba a abajo o de abajo a arriba, dependiendo completamente de cómo la elección de uno afectara la belleza de la obra terminada. En pocas palabras, cualquier trabajo tenía que ser hermoso, pero la motivación para crear se centró en un objetivo práctico: la función. Aun así, el arte egipcio es admirado constantemente por su belleza y esto se debe al valor que los antiguos egipcios asignaban a la simetría.

El equilibrio perfecto en el arte egipcio refleja el valor cultural de ma’at (armonía) que era central para la civilización. Ma’at no solo era el orden universal y social, sino el tejido mismo de la creación que surgió cuando los dioses crearon el universo ordenado a partir del caos indiferenciado. El concepto de unidad, de unidad, era este ‘caos’, pero los dioses introdujeron la dualidad – noche y día, mujer y hombre, oscuridad y luz – y esta dualidad fue regulada por ma’at.

Es por esta razón que los templos, palacios, casas y jardines egipcios, estatuas y pinturas, anillos de sello y amuletos se crearon con equilibrio en mente y reflejan el valor de la simetría. Los egipcios creían que su tierra había sido hecha a imagen del mundo de los dioses, y cuando alguien moría, iban a un paraíso que encontrarían bastante familiar. Cuando se hacía un obelisco egipcio, siempre se creaba y levantaba con un gemelo idéntico y se pensaba que estos dos obeliscos tenían reflejos divinos, hechos al mismo tiempo, en la tierra de los dioses. Los patios de los templos fueron dispuestos a propósito para reflejar la creación, ma’at, heka (magia) y la vida después de la muerte con la misma simetría perfecta que los dioses habían iniciado en la creación. El arte reflejaba la perfección de los dioses y, al mismo tiempo, servía a un propósito práctico a diario.

Progresión histórica

El arte de Egipto es la historia de la élite, la clase dominante. A lo largo de la mayoría de los períodos históricos de Egipto, los de medios más modestos no podían permitirse el lujo de contar su historia con obras de arte y es en gran medida a través del arte egipcio que la historia de la civilización se ha dado a conocer. Las tumbas, pinturas de tumbas, inscripciones, templos, incluso la mayor parte de la literatura, se ocupa de la vida de la clase alta y solo a través de contar estas historias se revelan las de las clases bajas. Este paradigma ya se estableció antes de la historia escrita de la cultura. El arte comienza en el Período Predinástico en Egipto (c. 6000-c. 3150 AEC) a través de dibujos en roca y cerámica, pero se realiza completamente en el Período Dinástico Temprano (c. 3150 – c. 2613 AEC) en la famosa Paleta Narmer.

La Paleta Narmer (c. 3150 a. C.) es una placa ceremonial de dos lados de limolita tallada intrincadamente con escenas de la unificación del Alto y Bajo Egipto por el rey Narmer. La importancia de la simetría es evidente en la composición que presenta las cabezas de cuatro toros (un símbolo de poder) en la parte superior de cada lado y la representación equilibrada de las figuras que cuentan la historia. La obra se considera una obra maestra del arte del Período Dinástico Temprano y muestra lo avanzados que eran los artistas egipcios en ese momento.

El trabajo posterior del arquitecto Imhotep (c. 2667-2600 a. C.) en la pirámide del rey Djoser (c. 2670 a. C.) refleja hasta qué punto las obras de arte habían avanzado desde la Paleta Narmer. El complejo piramidal de Djoser está intrincadamente diseñado con flores de loto, plantas de papiro y símbolos djed en alto y bajo relieve, y la pirámide en sí, por supuesto, es evidencia de la habilidad egipcia para trabajar en piedra en obras de arte monumentales.

Durante el Antiguo Reino de Egipto (c. 2613-2181 a. C.) el arte se estandarizó por la élite y las figuras se produjeron de manera uniforme para reflejar los gustos de la capital de Menfis. Las estatuas de finales de los Primeros períodos Dinásticos y principios del Imperio Antiguo son notablemente similares, aunque otras formas de arte (pintura y escritura) muestran más sofisticación en el Imperio Antiguo. Las mejores obras de arte del Imperio Antiguo son las Pirámides y la Gran Esfinge de Giza, que aún se mantienen en pie hoy en día, pero los monumentos más modestos se crearon con la misma precisión y belleza. El arte y la arquitectura del Imperio Antiguo, de hecho, fueron muy valorados por los egipcios en épocas posteriores. Algunos gobernantes y nobles (como Khaemweset, cuarto hijo de Ramsés II) encargaron a propósito obras en el estilo del Imperio Antiguo, incluso el hogar eterno de sus tumbas.

En el Primer Período Intermedio de Egipto (2181-2040 a.C.), tras el colapso del Imperio Antiguo, los artistas pudieron expresar visiones individuales y regionales con mayor libertad. La falta de un gobierno central fuerte que encargara las obras significaba que los gobernadores de distrito podían requisar piezas que reflejaran su provincia de origen. Estos diferentes distritos también encontraron que tenían más ingresos disponibles ya que no enviaban tanto a Memphis. Más poder económico inspiró localmente a más artistas para producir obras en su propio estilo. La producción en masa comenzó también durante el Primer Período Intermedio y esto llevó a una uniformidad en las obras de arte de una región determinada, lo que las hizo distintivas pero de menor calidad que el trabajo del Reino Antiguo. Este cambio se puede ver mejor en la producción de muñecas shabti para ajuar funerario que antes se hacían a mano.

El arte florecería durante el Imperio Medio de Egipto (2040-1782 a.C.), que generalmente se considera el punto culminante de la cultura egipcia. Las estatuas colosales comenzaron durante este período, así como el gran templo de Karnak en Tebas. El idealismo de las representaciones del Antiguo Reino en estatuas y pinturas fue reemplazado por representaciones realistas y las clases más bajas también se encuentran representadas más a menudo en el arte que antes. El Reino Medio dio paso al Segundo Período Intermedio de Egipto (c. 1782 – c. 1570 a. C.) durante el cual los Hicsos ocuparon grandes áreas de la región del Delta, mientras que los nubios invadieron desde el sur. El arte de este período producido en Tebas conserva las características del Imperio Medio, mientras que el de los nubios y los Hicsos, que admiraban y copiaron el arte egipcio, difiere en tamaño, calidad y técnica.

El Imperio Nuevo (c. 1570-c. 1069 a. C.), que siguió, es el período más conocido de la historia de Egipto y produjo algunas de las mejores y más famosas obras de arte. El busto de Nefertiti y la máscara mortuoria dorada de Tutankamón provienen de esta época. El arte del Reino Nuevo se define por la alta calidad en la visión y la técnica, debido en gran parte a la interacción de Egipto con las culturas vecinas. Esta era la era del imperio de Egipto y las técnicas de trabajo del metal de los hititas, que ahora se consideraban aliados, si no iguales, influyeron en gran medida en la producción de artefactos funerarios, armamento y otras obras de arte.

Después del Imperio Nuevo, el Tercer Período Intermedio (c. 1069-525 a. C.) y el Período Tardío del Antiguo Egipto (525-332 a.C.) intentaron con más o menos éxito continuar con el alto nivel del arte del Imperio Nuevo, al tiempo que evocaban los estilos del Imperio Antiguo en un esfuerzo por recuperar la estatura decreciente de Egipto. La influencia persa en el Período Tardío es reemplazada por los gustos griegos durante la Dinastía Ptolemaica (323-30 a.C.), que también intenta sugerir los estándares del Imperio Antiguo con la técnica del Imperio Nuevo y este paradigma persiste en el Egipto romano (30 a. C. – 646 d. C.) y el fin de la cultura egipcia.

Tipos de Arte, Detalles, & Símbolo

A lo largo de todas estas épocas, los tipos de arte eran tan numerosos como la necesidad humana, los recursos para hacerlos y la capacidad de pagar por ellos. Los ricos de Egipto tenían espejos de mano adornados, estuches y jarras de cosméticos, joyas, vainas decoradas para cuchillos y espadas, arcos intrincados, sandalias, muebles, carros, jardines y tumbas. Cada aspecto de cualquiera de estas creaciones tenía un significado simbólico. De la misma manera, el motivo del toro en la Paleta Narmer simbolizaba el poder del rey, por lo que cada imagen, diseño, ornamentación o detalle significaba algo relacionado con su propietario.

Entre los ejemplos más obvios de esto está el trono dorado de Tutankamón (c. 1336-c. 1327 a. C.) que representa al joven rey con su esposa Anjsenamón. La pareja está representada en un momento doméstico tranquilo mientras la reina frota ungüento en el brazo de su esposo mientras se sienta en una silla. Su estrecha relación se establece por el color de su piel, que es el mismo. Los hombres generalmente se representan con piel rojiza porque pasan más tiempo al aire libre, mientras que se usa un color más claro para la piel de las mujeres, ya que son más propensas a permanecer fuera del sol. Esta diferencia en el tono de los tonos de piel no representaba igualdad o desigualdad, sino que era simplemente un intento de realismo.

En el caso del trono de Tutankamón, sin embargo, la técnica se utiliza para expresar un aspecto importante de la relación de la pareja. Otras inscripciones y obras de arte dejan claro que pasaron la mayor parte del tiempo juntos y el artista lo expresa a través de sus tonos de piel compartidos; Ankhesenamun es tan bronceado como Tutankamón. El rojo utilizado en esta composición también representa la vitalidad y la energía de su relación. El cabello de la pareja es azul, simbolizando la fertilidad, la vida y el renacimiento, mientras que su ropa es blanca, representando la pureza. El fondo es dorado, el color de los dioses y todos los detalles intrincados, incluidas las coronas que usan las figuras y sus colores, tienen su propio significado específico y van a contar la historia de la pareja destacada.

Una espada o un estuche cosmético fue diseñado y creado con este mismo objetivo en mente: contar historias. Incluso el jardín de una casa contaba una historia: en el centro había una piscina rodeada de árboles, plantas y flores que, a su vez, estaban rodeadas por una pared y se entraba al jardín desde la casa a través de un pórtico de columnas decoradas. Todo esto se habría arreglado cuidadosamente para contar una historia que era significativa para el propietario. Aunque los jardines egipcios han desaparecido hace mucho tiempo, se han encontrado modelos hechos de ellos como ajuar funerario que muestran el gran cuidado que se puso en colocarlos en forma narrativa.

En el caso del noble Meket-Ra de la XI Dinastía, el jardín fue diseñado para contar la historia del viaje de la vida al paraíso. Las columnas del pórtico tenían forma de flores de loto, que simbolizaban su hogar en el Alto Egipto, la piscina en el centro representaba el lago Lirio que el alma tendría que cruzar para llegar al paraíso, y la pared del jardín lejano estaba decorada con escenas de la otra vida. Cada vez que Meket-Ra se sentaba en su jardín, se le recordaba la naturaleza de la vida como un viaje eterno y esto probablemente le daría perspectiva sobre cualquier circunstancia que pudiera ser preocupante en este momento.

Técnicas

Las pinturas en las paredes de Meket-Ra habrían sido hechas por artistas que mezclaban colores hechos de minerales naturales. El negro estaba hecho de carbono, el rojo y el amarillo de óxidos de hierro, el azul y el verde de azurita y malaquita, el blanco de yeso, etc. Los minerales se mezclarían con material orgánico triturado con diferentes consistencias y luego se mezclarían con una sustancia desconocida (posiblemente claras de huevo) para que fuera pegajosa y se adhiriera a una superficie. La pintura egipcia era tan duradera que muchas obras, incluso las que no estaban protegidas en tumbas, han permanecido vibrantes después de más de 4.000 años.

Aunque las paredes de la casa, el jardín y el palacio solían estar decoradas con pinturas planas bidimensionales, las paredes de tumbas, templos y monumentos empleaban relieves. Había relieves altos (en los que las figuras sobresalen de la pared) y relieves bajos (donde las imágenes están talladas en la pared). Para crear estos, la superficie de la pared sería alisado con yeso, que fue luego lijar. Un artista crearía una obra en miniatura y luego dibujaría líneas de cuadrícula en ella y esta cuadrícula se dibujaría en la pared. Usando la obra más pequeña como modelo, el artista podría replicar la imagen en las proporciones correctas en la pared. La escena primero se dibujaba y luego se delineaba con pintura roja. Las correcciones a la obra se anotarían, posiblemente por otro artista o supervisor, en pintura negra y una vez que se cuidaran, la escena se tallaba y pintaba.

La pintura también se usó en estatuas hechas de madera, piedra o metal. La cantería se desarrolló por primera vez a principios del Período Dinástico en Egipto y se refinó cada vez más a lo largo de los siglos. Un escultor trabajaría a partir de un solo bloque de piedra con un cincel de cobre, mazo de madera y herramientas más finas para detalles. La estatua se alisaba con un paño para frotar. La piedra para una estatua fue seleccionada, como con todo lo demás en el arte egipcio, para contar su propia historia. Una estatua de Osiris, por ejemplo, estaría hecha de esquisto negro para simbolizar la fertilidad y el renacimiento, ambos asociados con este dios en particular.

Las estatuas de metal eran generalmente pequeñas y hechas de cobre, bronce, plata y oro. El oro era particularmente popular para amuletos y figuras de santuario de los dioses, ya que se creía que los dioses tenían piel dorada. Estas figuras fueron hechas por fundición o trabajo de chapa sobre madera. Las estatuas de madera fueron talladas a partir de diferentes piezas de árboles y luego pegadas o pegadas entre sí. Las estatuas de madera son raras, pero se han conservado varias y muestran una gran habilidad.

Los cofres de cosméticos, ataúdes, barcas en miniatura y juguetes se hicieron de la misma manera. La joyería se fabricaba comúnmente utilizando la técnica conocida como cloisonne, en la que se incrustan finas tiras de metal en la superficie de la obra y luego se cuecen en un horno para forjarlas y crear compartimentos que luego se detallan con joyas o escenas pintadas. Entre los mejores ejemplos de cloisonné de la joyería es el Reino Medio colgante dada por Senusret II (c. 1897-1878 AEC) a su hija. Este trabajo está hecho de finos alambres de oro unidos a un respaldo de oro sólido con incrustaciones de 372 piedras semipreciosas. Cloisonné también fue utilizado en la fabricación de pectorales para el rey, coronas, tocados, espadas, dagas ceremoniales, y sarcófagos, entre otros elementos.

Conclusión

Aunque el arte egipcio es famoso por ser admirado, ha sido criticado por no ser refinado. Los críticos afirman que los egipcios nunca parecen haber dominado la perspectiva, ya que no hay un juego de luces y sombras en las composiciones, siempre son bidimensionales y las figuras no tienen emociones. Las estatuas que representan parejas, se argumenta, no muestran emoción en las caras y lo mismo es cierto para las escenas de batalla o las estatuas de un rey o una reina.

Estas críticas no reconocen la funcionalidad del arte egipcio. Los egipcios entendieron que los estados emocionales son transitorios; uno no es consistentemente feliz, triste, enojado, contento a lo largo de un día dado, mucho menos eternamente. Las obras de arte presentan a personas y deidades formalmente sin expresión porque se pensaba que el espíritu de la persona necesitaría esa representación para vivir en el más allá. El nombre y la imagen de una persona tenían que sobrevivir de alguna forma en la tierra para que el alma continuara su viaje. Esta fue la razón para la momificación y los elaborados rituales funerarios egipcios: el espíritu necesitaba una especie de «faro» al que regresar cuando visitaba la tierra para sustentarse en la tumba.

El espíritu podría no reconocer una estatua de una versión enojada o jubilosa de sí mismo, pero reconocería sus rasgos firmes y complacientes. La falta de emoción tiene que ver con el propósito eterno de la obra. Las estatuas fueron hechos para ser vistos de frente, por lo general con la espalda contra una pared, de modo que el alma se reconocen sus mismos ex fácilmente y esto también es cierto de los dioses y diosas que se pensaba que viven en sus estatuas.

La vida era solo una pequeña parte de un viaje eterno a los antiguos egipcios y su arte refleja esta creencia. Una estatua o un estuche de cosméticos, una pintura mural o un amuleto, cualquiera que sea la forma de la obra de arte, se hizo para durar mucho más allá de la vida de su propietario y, lo que es más importante, contar la historia de esa persona, así como reflejar los valores y creencias egipcias en su conjunto. El arte egipcio ha servido bien a este propósito, ya que ha seguido contando su historia ahora durante miles de años.