konstverken i forntida Egypten har fascinerat människor i tusentals år. De tidiga grekiska och senare romerska konstnärerna påverkades av egyptiska tekniker och deras konst skulle inspirera andra kulturer fram till idag. Många konstnärer är kända från senare perioder men Egyptens är helt anonyma och av en mycket intressant anledning: deras konst var funktionell och skapad för ett praktiskt syfte medan senare konst var avsedd för estetiskt nöje. Funktionell konst är arbete-made-for-hire, tillhör den enskilde som beställt det, medan konst skapad för nöjes skull – även om uppdrag-möjliggör ett större uttryck för konstnärens vision och så erkännande av en enskild konstnär.

en grekisk konstnär som Phidias (c. 490-430 FVT) förstod säkert de praktiska syftena med att skapa en staty av Athena eller Zeus men hans främsta mål skulle ha varit att göra ett visuellt tilltalande stycke, att göra ’konst’ som människor förstår det ordet idag, inte att skapa ett praktiskt och funktionellt arbete. All egyptisk konst tjänade ett praktiskt syfte: en staty höll Guds eller den avlidnes ande; en gravmålning visade scener från ens liv på jorden så att ens Ande kunde komma ihåg det eller scener från paradiset man hoppades uppnå så att man skulle veta hur man kommer dit; charm och amuletter skyddade en från skada; figurer avvärjade onda andar och arga spöken; handspeglar, piskhandtag, kosmetiska skåp alla tjänade praktiska ändamål och keramik användes för att dricka, äta och lagra. Egyptologist Bög Robins anteckningar:

så vitt vi vet hade de forntida egyptierna inget ord som motsvarade exakt vår abstrakta användning av ordet ’konst’. De hade ord för enskilda typer av monument som vi idag betraktar som exempel på egyptisk konst – ’staty’, ’stela’, ’grav’ -men det finns ingen anledning att tro att dessa ord nödvändigtvis inkluderade en estetisk dimension i deras betydelse. (12)

även om egyptisk konst är högt ansedd idag och fortsätter att vara en stor dragning för museer med utställningar, skulle de forntida egyptierna själva aldrig ha tänkt på sitt arbete på samma sätt och skulle verkligen finna det konstigt att få dessa olika typer av verk visas ur sitt sammanhang i ett museums hall. Statuary skapades och placerades av en specifik anledning och detsamma gäller för någon annan typ av konst. Begreppet ”konst för konstens skull” var okänt och skulle förmodligen ha varit obegripligt för en forntida egyptier som förstod konst som funktionell framför allt annat.

Egyptisk symmetri

Detta är inte att säga att egyptierna inte hade någon känsla av estetisk skönhet. Även egyptiska hieroglyfer skrevs med estetik i åtanke. En hieroglyfisk mening kan skrivas från vänster till höger eller höger till vänster, upp till ner eller ner till upp, helt beroende på hur ens val påverkade skönheten i det färdiga arbetet. Enkelt uttryckt behövde allt arbete vara vackert men motivationen att skapa var inriktad på ett praktiskt mål: funktion. Ändå, egyptisk konst är konsekvent beundrad för sin skönhet och detta är på grund av värdet gamla egyptierna placeras på symmetri.

den perfekta balansen i egyptisk konst återspeglar det kulturella värdet av ma ’ at (harmoni) som var centralt för civilisationen. Ma ’ at var inte bara universell och social ordning utan själva skapelsens struktur som uppstod när gudarna gjorde det ordnade universum ur odifferentierat kaos. Begreppet enhet, enhet, var detta ’kaos’ men gudarna introducerade dualitet – natt och dag, kvinnlig och manlig, mörk och ljus – och denna dualitet reglerades av ma ’ at.

det är av denna anledning som Egyptiska tempel, palats, Hem och trädgårdar, statyer och målningar, signetringar och amuletter skapades med balans i åtanke och alla återspeglar symmetrivärdet. Egyptierna trodde att deras land hade gjorts till bilden av gudarnas värld, och när någon dog, gick de till ett paradis som de skulle hitta ganska bekanta. När en egyptisk obelisk gjordes skapades den alltid och uppvuxen med en identisk tvilling och dessa två obelisker ansågs ha gudomliga reflektioner, gjorda samtidigt, i gudarnas land. Tempelgårdar var målmedvetet utformade för att återspegla skapelsen, ma ’ at, heka (magi) och efterlivet med samma perfekta symmetri som gudarna hade initierat vid skapelsen. Konst återspeglade gudarnas perfektion samtidigt som den tjänade ett praktiskt syfte dagligen.

historisk utveckling

Egyptens konst är historien om eliten, den härskande klassen. Under de flesta av Egyptens historiska perioder hade de med mer blygsamma medel inte råd med konstverkens lyx att berätta sin historia och det är till stor del genom egyptisk konst som civilisationens historia har blivit känd. Gravarna, gravmålningarna, inskriptionerna, templen, även de flesta av litteraturen, handlar om överklassens liv och endast genom att berätta dessa historier avslöjas de lägre klasserna. Detta paradigm var redan satt före kulturens skriftliga historia. Konst börjar i den Predynastiska perioden i Egypten (c. 6000 – c. 3150 FVT) genom stenteckningar och keramik men realiseras fullt ut av den tidiga dynastiska perioden (c. 3150 – c. 2613 FVT) i den berömda Narmer-paletten.

Narmer Palette (c. 3150 f.Kr.) är en tvåsidig ceremoniell platta av siltsten intrikat snidad med scener av föreningen av övre och Nedre Egypten av kung Narmer. Betydelsen av symmetri är uppenbar i kompositionen som innehåller huvuden på fyra tjurar (en symbol för makt) högst upp på varje sida och balanserad representation av figurerna som berättar historien. Verket anses vara ett mästerverk av tidig dynastisk Periodkonst och visar hur avancerade egyptiska konstnärer var vid den tiden.

det senare arbetet av arkitekten Imhotep (c. 2667-2600 FVT) på pyramiden av kung Djoser (c. 2670 FVT) återspeglar hur långt konstverk hade avancerat sedan Narmer-paletten. Djosers pyramidkomplex är invecklat utformat med lotusblommor, papyrusväxter och djed-symboler i hög och låg lättnad och pyramiden själv är naturligtvis bevis på den egyptiska skickligheten i att arbeta i sten på monumentala konstverk.

under det gamla kungariket Egypten (c. 2613-2181 FVT) blev konst standardiserad av eliten och figurer producerades enhetligt för att återspegla huvudstadens smak i Memphis. Statuary of the late Early Dynastic och early Old Kingdom perioder är anmärkningsvärt lika även om andra konstformer (målning och skrivning) visar mer sofistikering i gamla kungariket. De största konstverken i det gamla kungariket är pyramiderna och Sfinxen i Giza som fortfarande står idag men mer blygsamma Monument skapades med samma precision och skönhet. Gamla kungarikets konst och arkitektur var faktiskt högt värderade av egyptierna i senare epoker. Vissa härskare och adelsmän (som Khaemweset, fjärde son till Ramses II) beställde målmedvetet verk i Old Kingdom-stil, till och med deras gravars eviga hem.

under den första mellanperioden i Egypten (2181 -2040 FVT), efter det gamla kungarikets kollaps, kunde konstnärer uttrycka individuella och regionala visioner mer fritt. Bristen på en stark centralregering idrifttagningsarbeten innebar att distriktsguvernörer kunde rekvirera bitar som speglar deras hemprovins. Dessa olika distrikt fann också att de hade mer disponibel inkomst eftersom de inte skickade så mycket till Memphis. Mer ekonomisk makt lokalt inspirerade fler konstnärer att producera verk i sin egen stil. Massproduktionen började också under den första mellanperioden och detta ledde till en enhetlighet i en viss regions konstverk som gjorde det på en gång distinkt men av mindre kvalitet än Old Kingdom-arbetet. Denna förändring kan bäst ses i produktionen av Shabti dockor för gravvaror som tidigare gjordes för hand.

konst skulle blomstra under Mellanriket Egypten (2040-1782 FVT) som allmänt anses vara höjdpunkten i egyptisk kultur. Kolossala statyer började under denna period liksom det stora templet Karnak i Theben. Idealismen i gamla kungarikets skildringar i statyer och målningar ersattes av realistiska representationer och de lägre klasserna finns också representerade oftare i konst än tidigare. Mellanriket gav plats för den andra mellanperioden i Egypten (c. 1782-c.1570 FVT) under vilken Hyksos höll stora delar av deltaområdet medan nubierna inkräktade från söder. Konst från denna period som produceras i Thebe behåller egenskaperna hos Mellanriket medan nubierna och Hyksos – som båda beundrade och kopierade egyptisk konst – skiljer sig åt i storlek, kvalitet och teknik.

det nya kungariket (c. 1570 – c. 1069 FVT), som följde, är den mest kända perioden från Egyptens historia och producerade några av de finaste och mest kända konstverken. Bysten av Nefertiti och Tutankhamuns gyllene dödsmask kommer båda från denna tid. New Kingdom art definieras av hög kvalitet i vision och teknik beror till stor del på Egyptens interaktion med närliggande kulturer. Detta var Egyptens Imperiums era och hetiternas metallbearbetningstekniker-som nu ansågs allierade om inte lika – påverkade starkt produktionen av begravningsartiklar, vapen och annat konstverk.

efter det nya riket, den tredje mellanperioden (c. 1069-525 f.kr.) och sen Period av forntida Egypten (525-332 f. Kr.) försökte med mer eller mindre framgång att fortsätta den höga standarden på New Kingdom-konst samtidigt som man framkallade Old Kingdom-stilar i ett försök att återta Egyptens sjunkande statur. Persiskt inflytande i den sena perioden ersätts av grekisk smak under Ptolemaisk dynasti (323-30 f.Kr.) som också försöker föreslå det gamla kungarikets standarder med nytt kungarike teknik och detta paradigm kvarstår i romerska Egypten (30 f. Kr. – 646 CE) och slutet på egyptisk kultur.

typer av konst, detalj, & Symbol

under alla dessa epoker var konsttyperna lika många som mänskliga behov, resurserna för att göra dem och förmågan att betala för dem. De rika i Egypten hade utsmyckade handspeglar, kosmetiska fall och burkar, smycken, dekorerade skidor för knivar och svärd, invecklade bågar, sandaler, möbler, vagnar, trädgårdar och gravar. Varje aspekt av någon av dessa skapelser hade symbolisk betydelse. På samma sätt symboliserade tjurmotivet på Narmer-paletten kungens kraft, så varje bild, design, prydnad eller detalj betydde något relaterat till dess ägare.

bland de mest uppenbara exemplen på detta är Tutankhamuns gyllene tron (c. 1336-c.1327 FVT) som skildrar den unga kungen med sin fru Ankhsenamun. Paret är representerat i ett lugnt inhemskt ögonblick när drottningen gnuggar salva på sin mans arm när han sitter i en stol. Deras nära relation är etablerad av färgen på deras hud, vilket är detsamma. Män avbildas vanligtvis med rödaktig hud eftersom de tillbringade mer tid utomhus medan en ljusare färg användes för kvinnors hud eftersom de var mer benägna att hålla sig borta från solen. Denna skillnad i skuggan av hudtoner representerade inte jämlikhet eller ojämlikhet utan var helt enkelt ett försök till realism.

när det gäller Tutankhamuns tron används dock tekniken för att uttrycka en viktig aspekt av parets förhållande. Andra inskriptioner och konstverk gör klart att de tillbringade större delen av sin tid tillsammans och konstnären uttrycker detta genom sina delade hudtoner; Ankhesenamun är lika solbränd som Tutankhamun. Den röda som används i denna komposition representerar också vitalitet och energin i deras förhållande. Parets hår är blått och symboliserar fertilitet, liv och återfödelse medan deras kläder är vita och representerar renhet. Bakgrunden är guld, gudarnas färg och alla invecklade detaljer, inklusive kronorna som figurerna bär och deras färger, har alla sin egen specifika betydelse och berättar historien om det presenterade paret.

ett svärd eller ett kosmetiskt fodral designades och skapades med samma mål i åtanke: berättande. Till och med trädgården i ett hus berättade en historia: i mitten var en pool omgiven av träd, växter och blommor som i sin tur var omgivna av en vägg och en kom in i trädgården från huset genom en portik av dekorerade kolumner. Alla dessa skulle ha ordnats noggrant för att berätta en berättelse som var betydelsefull för ägaren. Även om Egyptiska trädgårdar är långt borta, modeller gjorda av dem som gravvaror har hittats som visar den stora omsorg som gick in i att lägga ut dem i berättande form.

när det gäller den ädla Meket-Ra från den 11: e dynastin var trädgården utformad för att berätta historien om livets resa till paradiset. Portikens kolumner var formade som lotusblommor och symboliserade hans hem i Övre Egypten, poolen i mitten representerade Lily Lake som själen skulle behöva korsa för att nå paradiset, och den bortre trädgårdsväggen dekorerades med scener från efterlivet. Varje gång Meket-Ra skulle sitta i sin trädgård skulle han påminnas om livets natur som en evig resa och det skulle sannolikt ge honom perspektiv på vilka omständigheter som kan vara oroande just nu.

tekniker

målningarna på Meket-ras väggar skulle ha gjorts av konstnärer som blandar färger gjorda av naturligt förekommande mineraler. Svart gjordes av kol, rött och gult från järnoxider, blått och grönt från azurit och malakit, vitt från gips och så vidare. Mineralerna skulle blandas med krossat organiskt material till olika konsistenser och sedan blandas ytterligare med ett okänt ämne (eventuellt äggvita) för att göra det klibbigt så att det skulle fästa vid en yta. Egyptisk färg var så hållbar att många verk, även de som inte skyddas i gravar, har förblivit levande efter över 4000 år.

även om hem -, trädgårds-och palatsväggar vanligtvis dekorerades med platta tvådimensionella målningar, använde grav -, tempel-och monumentväggar reliefer. Det fanns höga reliefer (där figurerna sticker ut från väggen) och låga reliefer (där bilderna är snidade i väggen). För att skapa dessa skulle ytan på väggen slätas ut med gips som sedan slipades. En konstnär skulle skapa ett verk i miniatyr och sedan rita rutnätlinjer på det och detta rutnät skulle sedan dras på väggen. Med det mindre arbetet som modell skulle konstnären kunna replikera bilden i rätt proportioner på väggen. Scenen skulle först dras och sedan skisseras i röd färg. Rättelser till verket skulle noteras, eventuellt av en annan konstnär eller handledare, i svart färg och när dessa togs hand om scenen snidades och målades.

färg användes också på statyer som var gjorda av trä, sten eller metall. Stenarbeten utvecklades först under den tidiga dynastiska perioden i Egypten och blev mer och mer förfinade genom århundradena. En skulptör skulle arbeta från ett enda stenblock med en koppar mejsel, träklubba och finare verktyg för detaljer. Statyn skulle sedan slätas ut med en gnuggduk. Stenen för en staty valdes, som med allt annat i egyptisk konst, för att berätta sin egen historia. En staty av Osiris, till exempel, skulle vara gjord av svart skiffer för att symbolisera fertilitet och återfödelse, båda förknippade med just denna gud.

metallstatyer var vanligtvis små och gjorda av koppar, brons, silver och guld. Guld var särskilt populärt för amuletter och helgedomsfigurer av gudarna eftersom man trodde att gudarna hade gyllene hud. Dessa figurer gjordes genom gjutning eller plåtarbete över trä. Trästatyer huggades från olika bitar av träd och limmades sedan eller fästes ihop. Statyer av trä är sällsynta men ett antal har bevarats och visar Enorm skicklighet.

kosmetiska kistor, kistor, Modellbåtar och leksaker gjordes på samma sätt. Smycken var ofta utformade med hjälp av tekniken som kallas cloisonne där tunna remsor av metall är inlagda på ytan av arbetet och sedan avfyras i en ugn för att smida dem ihop och skapa fack som sedan beskrivs med juveler eller målade scener. Bland de bästa exemplen på cloisonne smycken är Middle Kingdom hänge ges av Senusret II (c. 1897-1878 FVT) till sin dotter. Detta arbete är utformat av tunna guldtrådar fästa på en solid guldbaksida med inläggningar av 372 halvädelstenar. Cloisonne användes också för att göra pectorals för kungen, Kronor, huvudbonader, svärd, ceremoniella dolkar och sarkofager bland andra föremål.

slutsats

även om egyptisk konst är berömd beundrad har den kritiserats för att vara oraffinerad. Kritiker hävdar att egyptierna aldrig verkar ha behärskat perspektiv eftersom det inte finns något samspel mellan ljus och skugga i kompositionerna, de är alltid tvådimensionella och figurerna är känslolösa. Statyer som visar Par, det hävdas, visar inga känslor i ansikten och detsamma gäller för stridsscener eller statyer av en kung eller drottning.

dessa kritik misslyckas med att känna igen funktionaliteten i egyptisk konst. Egyptierna förstod att känslomässiga tillstånd är övergående; man är inte konsekvent glad, ledsen, arg, innehåll under en viss dag mycket mindre evigt. Konstverk presenterar människor och gudar formellt utan uttryck eftersom man trodde att personens ande skulle behöva den representationen för att kunna leva vidare i efterlivet. En persons namn och bild måste överleva i någon form på jorden för att själen ska kunna fortsätta sin resa. Detta var anledningen till mumifiering och de utarbetade egyptiska begravningsritualerna: Anden behövde ett slags ’fyr’ för att återvända till när han besökte jorden för näring i graven.

Anden kanske inte känner igen en staty av en arg eller jublande version av sig själva men skulle känna igen deras lugna, självbelåtna drag. Bristen på känslor har att göra med det eviga syftet med arbetet. Statyer gjordes för att ses framifrån, vanligtvis med ryggen mot en vägg, så att själen lätt skulle känna igen sina tidigare jag och detta gällde också gudar och gudinnor som ansågs leva i sina statyer.

livet var bara en liten del av en evig resa till de forntida egyptierna och deras konst återspeglar denna tro. En staty eller ett kosmetikfodral, en väggmålning eller amulett, oavsett vilken form konstverket tog, gjordes det för att hålla långt bortom ägarens liv och, ännu viktigare, berätta den personens historia samt reflektera egyptiska värderingar och övertygelser som helhet. Egyptisk konst har tjänat detta syfte väl som det har fortsatt att berätta sin historia nu i tusentals år.